Mr. & Mrs. SMITH.

FICHA TÉCNICA

Dirección: Doug Liman.

País: USA.

Año: 2005.

Duración: 120 min.

Género: Acción, comedia.

Interpretación: Brad Pitt (John Smith), Angelina Jolie (Jane Smith), Adam Brody (Benjamin Danz), Kerry Washington (Jasmine), Vince Vaughn (Eddie), Keith David, Chris Weitz (Martin Coleman), Rachael Huntley (Suzy Coleman), Michelle Monaghan (Gwen), Stephanie March (Julie), Jennifer Morrison (Jade).

Guión: Simon Kinberg.

Producción: Arnon Milchan, Akiva Goldsman, Lucas Foster, Patrick Wachsberger y Eric McLeod.

Música: John Powell.

Fotografía: Bojan Bazelli.

Montaje: Michael Tronick.

Diseño de producción: Jeff Mann.

Vestuario: Michael Kaplan.

SINOPSIS

John y Jane Smith son una pareja normal, de urbanización, cuyo matrimonio es tan normal y tan monótono como el paisaje que les rodea. Pero cada uno oculta algo: el Sr. y la Sra. Smith son, en realidad, unos asesinos muy bien pagados e increíblemente eficaces, que, además, trabajan para organizaciones que compiten entre sí. El Sr. y la Sra. Smith descubren una nueva fuente de emociones en su matrimonio, al ser contratados para mandarse mutuamente al otro barrio... y entonces sí que empieza la juerga de verdad. El resultado es el espectáculo de acción definitivo, cuando el Sr. y la Sra. Smith ponen en práctica su tremenda habilidad y someten a su matrimonio a la prueba final.(1)

COMENTARIOS

John (Brad Pitt) y Jane Smith (Angelina Jolie) son una pareja normal, de urbanización, cuyo matrimonio es tan normal y tan monótono co-mo el paisaje que les rodea. Pero cada uno oculta algo: el Sr. y la Sra. Smith son, en rea-lidad, unos asesinos muy bien pagados e increíblemente eficaces, que, además, trabajan para organizaciones que compiten entre sí. El Sr. y la Sra. Smith descubren una nueva fuente de emociones en su matrimonio, al ser contratados para mandarse mutuamente al otro barrio… y entonces sí que empieza la juerga de verdad. El resultado es el espectáculo de acción definitivo, cuando el Sr. y la Sra. Smith ponen en práctica su tremenda habilidad y someten su matrimonio a la prueba final.(2)

La cinta fue criticada por el Gobierno de Colombia y especialmente Bogotá por mostrar la capital como un pueblo pequeño, en medio de la selva, de clima cálido húmedo.2 El alcalde de la época Luis Eduardo Garzón y el entonces presidente de la República Álvaro Uribe Vélez invitaron a Angelina Jolie, a Brad Pitt y los productores de la misma para que conocieran la ciudad y se dieran cuenta de su error al mostrar esa "Bogotá ficticia".(3)

"Los mejores momentos en esta comedia de acción son aquellos en los que la pareja protagonista hace gala de su considerable química. (...) siempre resultan divertidos de contemplar... y no sólo porque sean realmente atractivos." (Claudia Puig: USA Today)

"Llena de acción (...) de un director que sabe cómo poner el dinero en la pantalla. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Simon Braund: Empire)

"Un thriller de verano 'cool' cuyas risas no rebajan el suspense" (Ken Tucker: New York Magazine)

 

"Al final, el carisma de las estrellas y el estilo de Lyman te conquistan y nos relajamos en una diversión sofisticada de verano dirigida con intención para los adultos." (Kenneth Turan: Los Angeles Times)

 

"Esta comedia romántica de acción es un fracaso" (Michael Wilmington: Chicago Tribune)

 

"La película tecnológica y publicitariamente es un triunfo, y una desastre en cualquier otro aspecto" (David Denby: The New Yorker)

 

"La película queda reservada rigurosamente para amantes de la pareja protagonista (que seguramente, ay, son muchos) y para interesados en historietas de ésas en las que uno no ocupa ni siquiera un par de neuronas." (M. Torreiro: Diario El País)

 

"Film ruidoso y violento, explosivo en sus vertientes pseudoerótica y decibélica (...) con la estética de los filmes de acción más resultones (...) Puntuación: *1/2 (sobre 5)." (Carlos Marañón: Cinemanía).(4)

Puestos a hablar de productos cinematográficos lamentables, pocos ejemplos tan oportunos como esta bazofia dirigida, es un decir, por Doug Liman en 2005, que tiene tres guionistas (no se sabe para qué) y que desde el principio se convirtió en un engendro para el exclusivo lucimiento de la “bella” pareja protagonista, Brad Pitt y Angelina Jolie, para lo cual el equipo de guionistas, es otro decir, no tuvo una ocurrencia mejor que, primero, plagiar el título de la única comedia que Alfred Hitchcock dirigió en su vida (traducida en España como Matrimonio original) y salpicar su inexistente trama con notas del guión de El honor de los Prizzi, una de las grandes películas del último John Huston.

La historia, por llamarla de alguna manera, trata de un matrimonio de guaperas aburridos y banales que tras tanta vaciedad ocultan una identidad secreta como asesinos a sueldo que son contratados por distintos poderes para la eliminación de su correspondiente pareja. Vamos, que no tiene nada de original, ni siquiera nada de divertido.

Película exclusiva para el disfrute de la patulea de personal que sigue a esta pareja de indudable éxito proporcional a la ausencia de talento, es otro de los grandes ejemplos de banalidad, zafiedad y estupidez que campan a sus anchas por Hollywood, donde las máquinas de hacer dinero priman por encima de los criterios artísticos o del respeto al espectador que, además de tener más de una neurona, sabe utilizarlas. Personalmente, con todo lo atragantado que lo tengo, prefiero a Jim Carrey. Al menos su éxito consiste en hacer estupideces conscientemente. Esta película es un insulto a la inteligencia, al buen gusto y a la madurez intelectual y personal.(5)

CITAS:
 
1.- http://es.movies.yahoo.com/s/sr-y-sra-smith/index-9216.html
2.- http://www.divxonline.info/pelicula/416/Sr-y-Sra-Smith-2005/
3.- http://es.wikipedia.org/wiki/Sr._y_Sra._Smith
4.- http://www.filmaffinity.com/es/film611828.html

5.- http://www.cinissimo.com/apologia-de-lo-vacio-sr-y-sra-smith/

CABO DE MIEDO

CAPE FEAR

Cape Fear (en España: El cabo del miedo; en Argentina, México y Perú: Cabo de miedo) es una película estadounidense de 1991, del género de suspense, dirigida por Martin Scorsese. En los papeles principales aparecen Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, Juliette Lewis, Joe Don Baker, Robert Mitchum y Gregory Peck. Basada en la novela de 1957 The Executioners, de John D. MacDonald, es un remake del filme homónimo de 1962.

FICHA TÉCNICA

Título El cabo del miedo, El cabo del terror, Cabo de miedo

Dirección : Martin Scorsese

Producción :  Barbara de Fina

Guion :  Wesley Strick

Música :  Elmer Bernstein

Fotografía  :  Freddie Francis

Reparto

• Robert De Niro es Max Cady

• Nick Nolte es Sam Bowden

• Jessica Lange es Leigh Bowden

 • Juliette Lewis es Danielle Bowden

• Joe Don Baker es Claude Kersek

• Robert Mitchum es Lt. Elgart

• Gregory Peck es Lee Heller

• Martin Balsam es Judge

• Illeana Douglas es Lori Davis

• Fred Dalton Thompson es Tom Broadbent

• Zully Montero es Graciela

País(es) : Estados Unidos

Año :  1991

Género:  Suspenso

Duración 128 minutos

Estudio Amblin Entertainment, Cappa Films, TriBeca Productions

ARGUMENTO

Max Cady es un montañés que acaba de pasar catorce años en la cárcel, por haber violado y golpeado a una chica de dieciséis años. En su tiempo de condena, Cady aprende a leer, estudia toda clase de libros y se convierte en su propio abogado. Al salir, decide dedicar cada minuto de su existencia a arruinar la vida del abogado que le defendió, ya que sabe que este no hizo todo lo posible por ayudarle en el juicio.

PREMIOS  y NOMINACIONES

La película fue nominada a los Premios de la Academia por Mejor Actor Principal (Robert De Niro) y Mejor Actriz de Reparto (Juliette Lewis). También fue nominada para el Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

MÚSICA

La música fue arreglada por Elmer Bernstein a partir de la composición original de Bernard Herrmann.(1)

COMENTARIOS

Los Bowden son una pareja feliz: Sam (Nick Nolte) es un abogado de éxito y Leigh (Jessica Lange) es diseñadora gráfica. Tienen una hija, Danielle (Juliette Lewis), de quince años y acaban de trasladarse a una preciosa casa en una tranquila ciudad. Max Cady (Robert de Niro) acaba de salir de la cárcel, tras pasar en ella catorce años, acusado de violar y apalear a una adolescente. En prisión ha estudiado leyes, y ha llegado a la conclusión de que el responsable directo de su condena fue su abogado, Sam Bowden. Ahora va a dedicar cada minuto de su existencia a hacerle pagar su error: Cady ejecutará su terrible venganza, aterrorizando a la familia Bowden y convirtiendo su vida en una pesadilla.

 

El cabo del miedo no debe verse como un mero film adscrito al género del psicothriller al que se adhiere abiertamente (de hecho lo peor de la película son, precisamente, estos aspectos característicos de este cine: humor negro, ritmo frenético, frases elocuentes y rimbombantes…), sino que ante todo debe observarse como una “película Scorsese”. Vapuleada por la crítica, en la que unos veían un Scorsese menor y otros ya ni siquiera consideraban la película bajo la autoría del director, El cabo del miedo muestra aspectos muy importantes del universo creativo de Scorsese. Scorsese impregna todo el relato de conceptos como la culpa y religiosidad (elementos cotidianos en su filmografía), ofreciéndonos además un nuevo tratamiento de la violencia que diverge claramente del que suele exponer en sus películas que debería considerarse más como una concesión al género que como una capitulación de sus ideales cinematográficos.

Los orígenes del proyecto

Martin Scorsese rodó El cabo del miedo después de filmar Uno de los nuestros (Goodfellas, 1991) y antes de La edad de la inocencia (The Age of Innocence, 1993). Cuando la Universal financió La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ, 1988), Scorsese se comprometió a hacer para esta productora una serie de películas más comerciales (en concreto, debía rodar un film al año durante seis). Sin embargo, El cabo del miedo no entraba dentro de los planes del director.

En un principio, la película iba a ser rodada por Steven Spielberg. No obstante, éste se retiró del proyecto antes de que fuese tomando forma, ofreciéndoselo a Martin Scorsese mientras Uno de los nuestros se encontraba en la sala de montaje. «Hacia el final del montaje de Uno de los nuestros leí tres veces el guión de El cabo del miedo. Y las tres veces lo odié». Queda patente, pues, el rechazo de Scorsese a este proyecto pero la involucración en el mismo de Robert de Niro (quien pretendía encarnar al personaje de Max Cady) acabó por convencer al director. A Scorsese no le gustaba el tratamiento de la historia que ofrecía el guión y encargó a Wesley Strick que continuara con la reelaboración del mismo.

Por otro lado, Martin Scorsese tuvo total libertad para seleccionar el equipo técnico y artístico con los que emprender el rodaje del film.

Se ha escrito mucho acerca de las influencias de Alfred Hitchcock en El cabo del miedo. Bajo mi punto de vista, más que encontrar puntos de encuentro entre los universos de los dos creadores, habría que hacer hincapié en el trabajo realizado por varios colaboradores de Scorsese en este film que remiten directamente a la obra de Hitchcock. En primer lugar, Scorsese encargó el diseño de producción a Henry Bumpstead (decorador de El hombre que sabía demasiado / The Man Who Knew Too Much, 1956 y Vértigo (De entre los nuestros) / Vertigo, 1958); en segundo lugar, Elmer Bernstein se hizo cargo de la banda sonora, pero con la premisa de respetar al máximo la partitura compuesta por Bernard Herrmann (es casi imposible disociar el nombre de Hermann al de Hitchcock) para la primera versión de Cape Fear: El cabo del terror (1962. J. Lee Thompson); y en tercer lugar, Saul Bass realizó los títulos de crédito (cómo no recordar los de Vértigo, Con la muerte en los talones / North by Northwest, 1959 o Psicosis / Psycho, 1960). Ese aire hithcockiano que puede desprender El cabo del miedo proviene más de la labor de estos colaboradores que de la autoría de Scorsese. Aunque resulta evidente, que en último término fue Scorsese quien determinó con total libertad los componentes del equipo que iba a trabajar en la película. En este sentido, cabe pensar que Martin Scorsese quiso rodearse de personas acostumbradas a trabajar en el thriller, género al que se adscribía el film… y que mejor referente para este género que el del propio Alfred Hitchcock.

Ahondando más en la idea de que el director quiso rodearse de colaboradores especializados en el género del thriller, habría que resaltar la figura de Freddie Francis. Oscar en 1960 por Sons and lovers (1960, J. Cardiff), Francis fue el operador de un gran número de películas de terror producidas en Gran Bretaña por la Hammer, antes de dar el salto definitivo a Hollywood. Nuevamente, podemos encontrar en este punto la necesidad de Scorsese de trabajar conjuntamente con otros profesionales más cercanos que él a un género cinematográfico en el que no se sentía como pez en el agua. Francis utilizó una fotografía y una iluminación muy diáfana con la intención de realzar los contrastes entre la normalidad de la familia asediada y el mensaje oscuro de la historia (en este sentido, en la película los cielos juegan un papel destacado).

Por lo que respecta al reparto artístico, de entrada la inclusión en el mismo de Robert de Niro encarnando a Max Cady resultaba obvia. Para el papel de Sam Bowden escogió a Nick Nolte (quien acababa de trabajar para Scorsese en el capítulo de Historias de Nueva York / New York Stories, 1989), a Jessica Lange para el de la esposa de Bowden y a Juliette Lewis para el de su hija. Martin Scorsese consigue un poker de lujo, de actores de primera fila en el star system de Hollywood. Sin embargo, en el apartado de secundarios encontramos aspectos mucho más jugosos. Scorsese realizó un juego de referencias respecto a la película original en la que se basa El cabo del miedo: Gregory Peck (el Sam Bowden de el primer film) fue Lee Heller, el abogado que defendía a Cady; y Robert Mitchum (el Max Cady primigenio) encarnó el papel del teniente Elgart, que ayuda a Bowden en los primeros problemas que tiene con Cady en el film. Además, el personaje de Max Cady, en la versión de Scorsese, remite claramente al extraordinario papel de Mitchum en La noche del cazador (The Night of the Hunter. Charles Laughton, 1955), donde se metía en la piel de Harry Powell, icono imprescindible en el elenco de psicópatas y asesinos de la Historia del cine.

Hasta ese momento, Martin Scorsese no había asumido jamás una película de género. En ocasiones, se había acercado al género policíaco pero siempre elaborando una visión muy personal del mismo.

El cabo del terror, la primera mirada

La primera versión cinematográfica fue dirigida por Jack Lee-Thompson en 1962. Lee-Thompson fue un mediocre cineasta del que podemos destacar un puñado de películas de su filmografía: La India en llamas (1959) y Los caños de Navarone (1961) quizás sean sus films más representativos. Fue un director muy ecléctico, llegando a rodar comedias, peplums, películas bélicas, western, cine fantástico… Así, El cabo del terror, era un vehículo ideado básicamente para Peck y Mitchum (muy creíbles durante todo el film), mientras que el papel de Lee-Thompson se encuadraba en el marco del director de cine supeditado a los proyectos de las Majors.

El guión, muy fiel a la novela "Los vengadores" ("The executioners") de John Mc Donald en el que se basa; la fotografía límpia de Sam Leavitt en blanco y negro, y la partitura modélica de Bernard Herrmann, situaban a El cabo del terror en una película de cine negro dirigida para el gran público. Como tal, consiguió una buena aceptación, no dándose el mismo caso entre la crítica del momento.

La mirada de Martin Scorsese

Las transformaciones más claras que Scorsese imprime a El cabo del miedo, las efectúa en el tratamiento de los principales personajes del film. El Max Cady de Robert de Niro es muy diferente del creado por Robert Mitchum. Mientras el personaje del segundo plantea toda su maldad desde la sugerencia, Robert de Niro hace gala de toda una serie de recursos que acaban por otorgar a su Max Cady un carácter de exhibicionismo muy espectacular. Donde Mitchum aporta introversión y sutileza, De Niro nos otorga una actuación muy explicita y llena de excesos. Resulta curioso pensar que Robert de Niro fue nominado por este papel cuando, en realidad, no es uno de los mejores papeles de su carrera. Ya desde su primer plano en la película tenemos un perfil exacto de cómo es Cady. Comenzamos viendo un primer plano en el que se nos muestra a Stalin y a una serie de iconos religiosos; posteriormente, la cámara se retira hacia atrás, dejándonos ver una serie de libros (que junto con otros detalles diseminados por el metraje de la película -como sus conocimientos literiarios o la música operística que escucha en su coche-), que nos dan un concepto del personaje de hombre culto, hasta que en el plano irrumple la figura de Cady de espaldas (mientras la partitura de Herrmann atruena con más fuerza) haciendo ejercicios físicos y mostrándonos el arsenal de tatuajes que exhibe en su cuerpo. Estos tatuajes, nos remiten directamente al Harry Powell de La noche del cazador. Las palabras love y hate tatuadas en las manos del personaje de Mitchum que le servían al actor para realizar una inquietante parábola sobre el bien y el mal, se transforman aquí en una ristra de tatuajes a lo largo del cuerpo de Cady («no sé si mirarle o leerle» es la réplica del personaje de Mitchum al verle en la rueda de reconocimiento en la Comisaría -réplica que el doblaje en nuestro país despacha con un «tiene más letras que un suplemento dominical», sin gracia alguna). Con el gran dibujo de la balanza con las palabras Truth y Justice como epicentro de los tatuajes, encontramos otros muchos que rodean a éste con alusiones a frases bíblicas (sobre todo al libro de Job, que Sam Bowden leerá en la cama mientras espera la llegada de Cady a su casa). Con un solo plano, Scorsese nos define al personaje de un solo trazo. Ya sabemos que vamos a ver a un tipo culto, obsesionado por su cuerpo y su poderío físico; vamos a tener delante nuestro a un ser vengativo que instrumentalizará la religión para sus fines, un ser casi apocalíptico (por eso durante el desarrollo de la historia nos parecerá indestructible e invulnerable). Será un hombre temido (tal y como se ve por el respeto que sus compañeros de prisión muestran cuando Cady deja la cárcel), transgresor de las normas (tal y como Scorsese nos muestra en la primera aparición de Cady fuera de la cárcel, en la escena del cine en la que Cady se enciende un puro con un mechero en forma de cuerpo de mujer al que se le encienden los pezones, echando el humo hacia atrás y riéndose a grandes carcajadas sin ningún miramiento hacia el resto de personas que están en la sala). Con todo ello, junto con el mal gusto que muestra en su vestuario, Scorsese nos da una visión muy rica del personaje con una economía de medios a destacar.

Por lo que respecta a la família, en ella también encontramos cambios importantes. Scorsese aporta a estos personajes más hondura que en la versión anterior. La familia Bowden dejará de ser el arquetipo de familia americana para dar paso a una en la que las tensiones, ocultas al principio, van tomando forma para convertirse en una parte muy significativa del sentido del film.

Conviene aquí, introducir un concepto muy importante de cara a la interpretación del film: hablamos del concepto de culpabilidad, entendido desde una perspectiva católica. Sam Bowden es culpable desde dos vertientes. En primer lugar, porque como abogado no atendió como era pertinente a Cady; y en segundo lugar, porque ha sido infiel en su matrimonio. En este sentido, es muy importante la variación introducida por Scorsese: Bowden pasa de ser testigo de la acusación (el personaje del primer film era un ciudadano ejemplar que cumplía con su deber) a ser un abogado que por omisión hace que Max Cady obtenga una condena mayor. Por otro lado, Leigh Bowden también adquiere más peso en la nueva versión de la historia. Conviene resaltar la escena en la que, tras hacer el amor con su marido, se pinta los labios ante el espejo (en un plano en el que el paso del tiempo y la sensualidad perdida se dan la mano de manera cruel) y se asoma a la ventana advirtiendo la presencia de Max Cady. Después de salir con Sam al jardín en busca de Cady, Leigh se queda sola y abochornada se limpia los labios (en un extraño gesto de culpa-atracción, hacía sí misma y hacía la figura enigmática de Cady). Finalmente, Danielle, la hija es el personaje que protagonismo adquiere en relación a la primera versión. Es ella quien abre y cierra la película, insunflándole al relato un carácter de fábula o cuento de terror. De entrada, la niña de aquel film se convierte en adolescente en este, con toda la complejidad que puede llevar todo este hecho. En el plano familiar, el personaje de Danielle (Juliette Lewis también fue nominada al Oscar, en este caso a la mejor actriz secundaria) está cargado de tensiones: desde las típicas de su edad hasta su vivencia de las discusiones entre sus padres, la atracción hacia las drogas, el despertar de su sexualidad… y la atracción (como su madre) hacia la figura de Max Cady. Sobre este último detalle, cabe destacar la escena en la que Danielle asiste a una presunta clase con Max Cady “disfrazado” de profesor de arte dramático. Sin duda es esta la mejor escena del film. Es una escena cargada de sensualidad, en la que Cady ejerce todo su poder de seducción ante la débil adolescente. Las siguientes palabras de Scorsese pueden acabar de perfilar el dibujo de la escena: «… la escena en el teatro entre De Niro y Juliette Lewis…, que al final yo planteé como una seducción, en principio estaba escrita como una escena de terror. Max perseguía a la chica por el sótano y las aulas del colegio… Habría sido una de esas persecuciones que, con Spielberg, resultan todo un tour de force, pero por mucho que me guste ver ese tipo de cine, me aburriría si intentara hacerlo. Así que empezamos a trabajar en esa escena del teatro, y construimos la película a partir de ella. Para mí sigue siendo la escena más provocadora. Jugamos con la idea de que el mal es atractivo y peligroso…» . No hace falta añadir mucho más a estas palabras para enfatizar la importancia de esta escena en el film, es en ella donde se resume toda la esencia y el sentido de la película. En la escena, Cady introduce su dedo pulgar en la boca de Danielle en un juego de carga erótica irrefutable. En la siguiente escena, el padre, al descubrir que su hija ha estado con Cady, pone su mano violentamente sobre la boca de Danielle. Queda claro que para Danielle, Cady representa la libertad que sus padres quieren negarle, de ahí su atracción hacia Cady y hacia todo aquello prohibido para ella.

Cuando la película finaliza, nos encontramos con una familia que ha purgado sus pecados. El ángel vengador ha caído sobre ellos y han podido expiar sus penas. Y será, precisamente, Danielle la primera en emprender este camino al agredir a Cady con agua hirviendo primero, y con un líquido corrosivo después. Paradigmático es, en este sentido, el plano final en el que Bowden lava sus manos llenas de sangre en el río: las manos aparecen totalmente límpias de sangre (y metafóricamente, de pecado o culpa).

Cineasta de la violencia

Uno de los aspectos más repetidos en el cine de Scorsese es el tratamiento de la violencia. «La violencia pertenece a la vida. Por tanto, yo la muestro… Tal como odio la violencia, también sé que ella está en mí, en usted, en todos y cada uno, y quiero explorarla. Intento hablar incluso de la pequeña violencia, de una cantidad de pequeñas violencias que están diseminadas por la vida». En estas sentido, El cabo del miedo resulta ser un claro exponente de esta sentencia de Scorsese. Cape Fear trata, evidentemente, de esa violencia desmesurada que encarna el personaje de Max Cady; pero sobre todo, muestra la vulnerabilidad de una familia en conflicto consigo misma, y por este motivo, más vulnerable a los ataques que provienen del exterior. Y es en el seno de esta familia, lugar en que las tensiones surgidas entre sus miembros alcanza cotas de verdadera violencia -tanto física como psíquica-, donde Scorsese se sumerge en uno de sus puntos básicos de su universo temático. Scorsese no es un cineasta violento. La violencia que muestra en su cine no acostumbra a ser gratuita sino que se circunscribe al desarrollo de la historia que se narra, dejando de lado cualquier tipo de efectismo.

La violencia más explícita de la película, Scorsese la muestra en el último tramo del film, en las escenas del barco. Se trata de una parte mínima en el metraje del film pero en la que se invirtió mucho tiempo de rodaje. Es la parte de la película más alejada del universo de Scorsese, por sus giros poco creíbles y su violencia guiñolesca (que alcanza su cénit en el no muy afortunado hundimiento del barco).

Con El cabo del miedo Martin Scorsese emprende un proyecto de experimentación cinematográfica que, desde entonces, no abandona. Una experimentación centrada en la escritura de la gramática cinematográfica, reutilizando muchos de sus elementos (movimientos de cámara casi imposibles, movimientos bruscos, montaje rápido que elude los momentos muertos, efectos especiales, planos y ángulos rebuscados, fundidos en color amarillo y rojo, escena complicadas de de rodar como la de la tormenta final…).

Todo ello ayuda a ver El cabo del miedo como algo más que un film de encargo.(1)

Tenemos aquí un caso de buena película. Aunque parezca increíble con los tiempos que corren. Mucho más turbia que su predecesora de 1962, "El cabo del miedo" de Scorsese traspasa el tema del derecho humano, y pulula con gracia sin par entre los conceptos de derecho natural o divino. Para no liarnos, esta película cuenta la historia de un abogado que se reencuentra con un antiguo defendido, que ha pasado 14 años en la cárcel por violación, porque su abogado escamoteó al fiscal la información sobre el pasado promiscuo de su víctima, consciente de que eso liberaría a semejante elemento. Larga frase. Cuando el reo sale de prisión se encargará de hacer la vida de nuestro protagonista imposible, en dilatada venganza.

En un primer momento todos podemos darnos cuenta que Nick Nolte, el abogado, es el "bueno”, y Robert DeNiro, el violador, es el "malo". Sin embargo, DeNiro ha aprendido leyes en la cárcel, y es capaz de hostigar a la familia de nuestro protagonista sin llegar a la ilegalidad en ningún momento, mientras que Nolte, desesperado recurre a tácticas no lícitas y desde luego no legales. En este punto se apoyan todos los que sostienen que la brillantez de esta película reside justamente en ese difuso límite moral que existe entre los dos protagonistas. En el hecho de que no hay ni un bueno ni un malo. Y tienen razón. Mientras Max Cady es capaz de sortear las reglas y mostrarse como un ciudadano ejemplar, el abogado Sam Bowden llega a premeditar un asesinato con todo lo que ello conlleva.

Sin embargo, la película tiene aún otra vuelta. Y es que, si bien en cuanto al nivel del derecho "humano" ambos personajes se confunden, sí que en la película hay una reflexión sobre el derecho "natural". Si Nolte escamotea los antecedentes de promiscuidad de la víctima de su defendido, es porque sabe que la "ley de los hombres" va a fallar. Porque sabe que ese informe dejará en libertad a alguien que no semerece tenerla. Y aplica su propia justicia, mucho más acorde con la noción que tenemos todos que con la que suele aparecer reflejada en las leyes, sobre todo en estos casos. Si Bowden planea matar a Cady, es porque las leyes son incapaces de controlar semejante engendro... Porque la ley de los hombres acostumbra a permanecer impertérrita hasta que el daño ya está hecho. Y Bowden va a intentar evitar ese daño a toda costa.

Y aquí es donde entra en juego el concepto de "derecho divino", pues al fin y al cabo, ¿quién es Bowden para tomarse de semejante manera la justicia por su mano saltándose las leyes humanas? Primero provocando que a su propio defendido le caigan 14 años, y luego a través de todas las escaramuzas que prepara para quitarse de en medio a Cady ¿Se cree Dios?. No se acaba aquí este aspecto. Robert DeNiro, Cady, lo ilustra a la perfección, y su propio personaje aparece dibujado como un psicópata que se cree el enviado del altísimo para hacer la justicia (de ahí el famoso tatuaje de la balanza o las peroratas pseudoreligiosas que se marca el hombre). Lo dicho, una película compleja, apoyada en un excelente guión.

La realización es algo desacostumbrada, pero impactante, y tiene de principio a fin un tono apocalíptico remarcado poresos cielos rojos y de colores cálidos y la magnífica banda sonora de Bernard Herrmann, convertida ya en todo un clásico. El aspecto visual está muytrabajado con juegos de profundidad de campo, y en general todo el filme huye del naturalismo, sobre todo en la escena final, cuando cuesta más rematar a Max Cady que hacer una contra-reloj sin sillín. Jugando con la empatía del público, toda la película está orientada a crear la sensación de desasosiego y angustia en el espectador ante una injusticia manifiesta de la que todos podemos ser víctimas impotentes. Las interpretaciones son todas dignas de encomio, y hasta Robert DeNiro parece que hace lo mismo de siempre (satánico), pero en ésta ocasión como que resulta de maravilla. Imposible acabar sin recordar la escena del dedito entre DeNiro y Juliette Lewis, que ya entonces, aún jovencita, apuntaba maneras de oligofrénica.

Película altamente recomendada, que también ha sido homenajeada en los Simpsons y que posee numerosos momentos ya pertenecientes a las imágenes míticas del cine (como el primer plano de la espalda de De Niro). Ahora que me acuerdo, Incluso es homenajeada en el programa de "Cruz y Raya", quienes imitan magistralmente tanto a DeNiro, como a su doblador habitual balando "Abogaaadooo"...(2)

Interesante remake, similar en calidad a la versión original y para muchos incluso mejor.

Historia con mucho material para hacer una excelente producción, esta vez colocando como villano al vengador ya que muchas películas justifican la venganza, aquí se cuestionan los métodos de la venganza ¿quién en el lugar de Cady no sentiría rencor hacia un abogado así?

Tiene muchos matices, críticas al sistema legal así como a las personas que se saltan dicho sistema y que por ello sufren las consecuencias de no actuar conforme a las leyes; el actuar de un abogado que juzgó a su defendido y no le representó debidamente, y otra cosa que pasa desapercibida igual de demoledora: El hecho de que un abogado se aproveche de la ignorancia de sus clientes para defraudarles la confianza.

Tiene muchos toques sumamente absurdos, la venganza comienza de manera genial pero se vuelve incoherente, el personaje de De Niro está muy mal delineado, un criminólogo lo notará al instante.Los diálogos tienen frases muy interesantes y hasta geniales, la banda sonora consigue crear atmósfera desde el inicio. Vestuario y maquillaje correctos.

En la dirección me parece que flojeó Scorsese, no sé de las dificultades que haya enfrentado pero va de más a menos como si hubiera tenido que terminar a la carrera, la secuencia del yate tiene buen ritmo pero la acción se hace confusa y los planos muy equivocados, en mi opinión quiso crear desasosiego pero falló.

En el reparto hay detalles interesantes, los principales muy bien a excepción de la risa de De Niro que no me convence, me parece que la mejor fue la señorita Lewis, la escena entre ella y De Niro estuvo genial, fue totalmente improvisada por ellos dos y salió al primer intento, aparecen los actores de la versión original Mitchum y Peck, la chica que hace de amiga de Lewis (con quien habla antes de la mencionada escena con De Niro) es hija del director, actúa tan mal que de no ser por el parentesco no aparece en pantalla nunca.(3)

CURIOSIDADES

La película es una re-elaboración de un filme de 1962 del mismo nombre. En la cual aparecían los actores Robert Mitchum y Gregory Peck, en los papeles del villano y el héroe, respectivamente. Para esta nueva versión el director decidió darles pequeños papeles, con la intención contraria. La película se convirtió en un éxito y recibió aclamaciones de la crítica, llegando a ser considerada superior a la de 1962, por su oscuridad, desnudez y las grandes interpretaciones tanto de De Niro como de Lewis.

• De Niro pagó a un dentista 5,000 dólares estadounidenses para darle un aspecto maltratado a sus dientes para el papel de Cady. Después de la filmación pagó 20,000 dólares para arreglarlos.

• Los tatuajes de De Niro fueron hechos con tinta vegetal, que desaparecieron varios meses después de la filmación.

• La escena de Lewis y De Niro en el teatro de la escuela fue totalmente improvisada.

• La cinta estaba programada originalmente para ser dirigida por Steven Spielberg, y Martin Scorsese estaba llamado a realizar La lista de Schindler. Cuando Spielberg estaba programado para realizar el filme, su primera opción para Cady fue Bill Murray].

• Para prepararse para el papel, De Niro llevó partes del guion y una grabadora a varios pueblos sureños de los Estados Unidos, pidiéndole a varias personas que grabaran sus líneas, esto para poder comprender mejor el acento sureño. Scorsese declaró sentir escalofrios por el acento tan marcado de De Niro como Max Cady. Como broma, De Niro llamó varias veces a casa del director dejando mensajes como Cady.

• Fue la última aparición cinematográfica de Gregory Peck.

• Harrison Ford, Robert Redford y Kevin Kline fueron considerados para el papel de Sam Bowden (Nolte).

• De Niro preparó su cuerpo meses antes de la filmación para aumentar su musculatura, al grado de bajar su cuerpo a sólo un 10% de grasa corporal. Nick Nolte debió bajar considerablemente de peso para parecer físicamente inferior a De Niro.

• Meg Ryan, Jennifer Jason Leigh, Demi Moore, Jodie Foster, Helen Hunt, Bridget Fonda, Diane Lane, Brooke Shields, Nicole Kidman, Drew Barrymore, Molly Ringwald y Shannen Doherty fueron consideradas para el papel de Danielle. En cambio, Tiffani Thiessen, Sarah Jessica Parker, Nicole Eggert, Alyssa Milano, Winona Ryder, Christina Applegate y Jennifer Connelly lo rechazaron].

• La cinta fue parodiada en un episodio de Los Simpson titulado en España Lago del terror y en Latinoamérica Cabo de miedosos. (4)

CITAS:

1.- http://www.miradas.net/0204/estudios/2003/02_mscorsese/elcabodelmiedo.html

2.- http://es.wikipedia.org/wiki/Cape_Fear_(pel%C3%ADcula_de_1991)

3.- http://www.laoffoffcritica.com/criticas/cr20040629.html

4.-http://www.blogger.com/blogger.g?blogID=8805037860571723455#editor/target=post;postID

THE SOCIAL NETWORK

The social network

The social network (La red social en España y Red social en Hispanoamérica) es una película dirigida por David Fincher que fue estrenada el 1 de octubre de 2010 en Estados Unidos. Está basada en el libro Multimillonarios por accidente, de Ben Mezrich, y narra la historia de la conocida red social Facebook. La adaptación del guión estuvo a cargo de Aaron Sorkin y los papeles protagónicos pertenecen a Jesse Eisenberg, Andrew Garfield y Justin Timberlake, quienes interpretan a Mark Zuckerberg, Eduardo Saverin y Sean Parker respectivamente (los dos primeros son los creadores de Facebook, mientras que el último es uno de los fundadores de Napster, quien en el 2004 se unió a la presidencia de Facebook).

La primera exhibición de la película se realizó al comenzar la cuadragésima octava versión del Festival de Cine de Nueva York el 24 de septiembre de 2010.

FICHA TÉCNICA

Título Red social (Hispanoamérica), La red social (España)

Producción: Michael De Luca, Scott Rudin, Kevin Spacey

Diseño de producción: Donald Graham Burt

Guion: Aaron Sorkin

Música: Trent Reznor, Atticus Ross

Fotografía: Jeff Cronenweth

Montaje: Kirk Baxter, Angus Wall

Protagonistas

• Jesse Eisenberg como Mark Zuckerberg.

• Andrew Garfield como Eduardo Saverin.

• Justin Timberlake como Sean Parker.

• Brenda Song como Christy Lee.

• Rooney Mara como Erica Albright.

• Armie Hammer como Cameron y Winklevoss.

• Josh Pence actuó como doble para Hammer.

• Max Minghella como Divya Narendra.

• Malese Jow como Alice Cantwell.

• Dakota Johnson como Amelia Ritter.

• Joseph Mazzello como Dustin Moskovitz.

• Trevor Wright como Josh Thompson.

• Rashida Jones como Marylin Delpy.

• Dustin Fitzsimons presidente del The Phoenix

• Patrick Mapel como Chris Hughes.

• Douglas Urbanski como Larry Summers.

• Wallace Langham como Peter Thiel.

• Denise Grayson como Gretchen.

• Trevor Wright como Josh Thompson.

• John Getz como Sy.

• Shelby Young como K.C.

País. Estados Unidos

Año: 2010

Género: Drama

Duración 120 minutos

Idioma(s). Inglés

Productora Michael De Luca Productions, Scott Rudin, Productions, Trigger Street Productions

Distribución Columbia Pictures, Sony Pictures

Presupuesto $50.000.000

Recaudación $224.920.315

ARGUMENTO

En el año 2003, el estudiante de Harvard, Mark Zuckerberg, tuvo la idea de crear un sitio web para calificar el atractivo de sus compañeras de universidad luego de que su novia terminara con él. Con sus habilidades informáticas, Mark logró extraer nombres y fotografías de varias alumnas desde las bases de datos. Usando un algoritmo suministrado por su mejor amigo, Eduardo Saverin, Mark creó una página llamada FaceMash, donde sus compañeros elegían a la chica más atractiva. Finalmente, Mark fue castigado con seis meses de suspensión académica cuando el tráfico de su sitio colapsó la red de Harvard, mientras la mayoría de sus compañeras lo vilipendiaban.

A pesar de todo, la popularidad de FaceMash y el hecho de que fue creado en una noche, mientras Mark estaba ebrio, llamó la atención de los gemelos Cameron y Tyler Winklevoss, miembros del equipo de remo de Harvard, y su compañero de negocios Divya Narendra. Los tres le explicaron a Mark que estaban buscando un programador que llevara a cabo su idea de un nuevo sitio web: Harvard Connection. Mark decidió ayudarlos.

Poco tiempo después, Mark se acercó a su amigo Eduardo, quien recientemente había sido invitado al club social de pregrado The Phoenix – S K Club. Mark tenía una idea de lo que él llamaba «Thefacebook», una herramienta de conexiones sociales en línea exclusiva para los estudiantes de Harvard. Según él, este sistema permitiría a las personas compartir cierta información sin que invadieran su privacidad. Eduardo estuvo de acuerdo en ayudarlo, suministrándole mil dólares para comenzar el proyecto. Mark y Eduardo finalmente crearon Facebook, distribuyendo el enlace con los contactos de Eduardo en The Phoenix – S K Club.

El sitio se hizo popular rápidamente entre el alumnado de Harvard. Cuando Narendra supo sobre el lanzamiento de Thefacebook, le dijo a los gemelos Winklevoss que Mark le había copiado su idea. Tyler y Divya querían demandar a Mark por robo de propiedad intelectual, pero Cameron se opuso.

Durante una conferencia de Bill Gates, la estudiante de Harvard, Christy Lee, y su mejor amiga, Alice, se presentaron ante Eduardo y Mark. Lee les pidió ingresar a la red Facebook, lo cual los impresionó. Mientras bebían con Christy y Alice, Mark corrió hacia su ex novia, que no sabía de la existencia de Facebook. Mark decidió expandir el sitio a más escuelas. Christy, Mark y Eduardo regresaron después a la habitación de Mark, donde perfilaron la estructura de la compañía y el plan para progresar.

La popularidad de Facebook creció y llegó a otras escuelas del noreste de Estados Unidos, como Yale, Columbia y Stanford, mientras los hermanos Winklevoss y Narendra se ofuscaban cada vez más al ver que «su idea» avanzaba sin ellos. Tyler se negaba a demandarlos, pero acusó a Mark de violar el código de conducta de los estudiantes de Harvard. Gracias a los contactos de sus padres, lograron reunirse con el presidente de Harvard, Larry Summers, quien desestimó cualquier acción disciplinaria contra el sitio Thefacebook. A través de Christy Lee, ahora novia de Eduardo, Eduardo y Mark se reunieron con el cofundador del sitio Napster, Sean Parker. Cuando Christy, Mark y Eduardo conocieron a Parker, Eduardo desconfió de él por su problemática historia personal y profesional. Mark, sin embargo, quedó impresionado con Parker desde que le presentó una visión similar de Facebook. Aunque no se llegó a ningún acuerdo, Parker sugirió que quitaran la palabra The de Thefacebook para hacer el nombre más simple: Facebook.

Mientras Eduardo permanecía en Nueva York, Mark y Dustin Moskovitz mudaron las oficinas de la compañía a Palo Alto. Cuando Eduardo los visitó desde Nueva York, se enfureció al ver a Sean Parker viviendo en la casa y tomando decisiones sobre el negocio de Facebook. Luego de una discusión con Mark, Eduardo congeló la cuenta bancaria que había abierto para la compañía y regresó a Nueva York. Una vez allí, Christy y Eduardo tuvieron una discusión por el perfil de él en Facebook y Christy terminó quemando un pañuelo que él le había regalado. Mientras Eduardo extinguía el fuego, Mark le reveló por teléfono que ellos tenían dinero asegurado gracias a un inversor ángel. Posteriormente, Eduardo le informó a Christy que la relación había terminado.

En Inglaterra, los gemelos Winklevoss se enfurecieron al ver que Facebook se había expandido a otras universidades del Reino Unido y decidieron presentar una demanda. Mientras tanto, Eduardo se enteró de que Mark y Sean habían reducido su participación en la compañía y decidió demandarlos también. En una fiesta donde se celebraba el primer millón de miembros de Facebook, Sean y varios colegas suyos fueron arrestados por posesión de cocaína.

Durante la película, se muestran escenas de Mark testificando por dos demandas: la de los hermanos Winklevoss y la de Eduardo. En la escena final, un abogado defensor le informa a Mark que llegarán a un acuerdo con Eduardo, debido a que los sórdidos detalles sobre la creación de Facebook jugarían en contra suya frente al jurado.

La película termina con Mark enviando por Facebook una solicitud de amistad a su ex novia, Erica, y actualizando la página de su navegador repetidas veces.

AUDICIÓN

La búsqueda de actores para The social network comenzó de manera abierta en agosto de 2009 en varios estados de Norteamérica. Shia LaBeouf y Michael Cera fueron considerados para el papel de Mark Zuckerberg. El primero en ser confirmado como parte del elenco fue Jesse Eisenberg en septiembre de 2009. Varios días después, se anunció que el cantante Justin Timberlake y Andrew Garfield interpretarían Sean Parker y Eduardo Saverin. En octubre de 2009, Brenda Song, Rooney Mara, Armie Hammer y Josh Pence fueron contratados para el proyecto. Max Minghella y Dakota Johnson también fueron confirmados por el director de Donnie Darko, Richard Kelly.

FILMACIÓN

El rodaje de The social network comenzó en octubre de 2009 en Cambridge, Massachusetts. Las escenas fueron filmadas en los campus de las dos preparatorias de Massachusetts, la Academia Phillips y la Academia Milton.

Las grabaciones continuaron en los cuadrángulos Keyser y Wyman del campus principal de la Universidad Johns Hopkins los días 1, 2, 3 y 4 de noviembre. Esta universidad sirvió para ilustrar la Universidad Harvard en el filme. Entre el 16 y el 22 de noviembre de 2009, el rodaje siguió en la Universidad de Harvard.

BANDA SONORA

El 1 de junio de 2010 se anunció que Trent Reznor —del grupo Nine Inch Nails— y Atticus Ross compondrían la música de la película.

La banda sonora de The social network fue lanzada el 28 de septiembre de 2010 en diversos formatos por el sello The Null Corporation. Al mismo tiempo, cinco piezas del álbum fueron puestas en la página web del sello para descarga gratuita.

La canción «Baby, you're a rich man» concluye el filme, lo cual es llamativo porque The Beatles pocas veces permiten que sus temas sean usados en largometrajes. Esta canción y las diecisiete restantes que aparecen durante la película —algunas de ellas pertenecientes a Bob Marley, 10cc, Gluecifer y The White Stripes— no fueron incluidas en el álbum de la banda sonora.

PROMOCIÓN

El póster oficial de la cinta fue divulgado por Columbia Pictures el 18 de junio de 2010 y en él se ve el rostro de Jesse Eisenberg cubierto con la frase «You don't get to 500 million friends without making a few enemies» ('No puedes tener 500 millones de amigos sin ganarte algunos enemigos'). Siete días después, comenzó a circular por Internet el teaser de la cinta. El avance cinematográfico completo debutó el 15 de julio de 2010 acompañado de la canción «Creep», original de Radiohead, versionada por el grupo coral belga Scala & Kolacny Brothers.

AVANCES

El primer avance de The social network se muestran una serie de características que indican la personalidad de Zuckerberg en el momento de la creación de Facebook. En el segundo tráiler se mostró una serie de comentarios de algunos personajes del filme, simulando ser un «muro» de Facebook. En el tercer avance se mostró con mucho más detalle algunas escenas del filme acompañadas por el grupo Scala & Kolacny Brothers y su nueva versión de «Creep», original de la banda Radiohead. El cuarto tráiler es un poco más resumido que el anterior, pero se muestran algunas escenas con más detalle y se escucha la canción «Power», del rapero Kanye West.

RECEPCIÓN

«Codicia, obsesión, imprevisibilidad y sexo» fueron algunos términos usados para describir a The social network antes de su estreno, lo que sorprendió a importantes comerciantes cinematográficos, quienes aseguraron que la película podría ser «aburrida» por tratarse del origen de Facebook. El periódico Cardinal Courier señaló al respecto: «Aunque hay más de 300 millones de usuarios en Facebook, ¿eso significa que The Social Network puede convertirse en un rentable éxito de taquilla?». En respuesta a estas afirmaciones, el productor, Kevin Spacey, señaló que The social network sería mucho más divertida que lo que la gente esperaba.

TAQUILLA

Durante su primer fin de semana en las salas de cine, The social network recaudó $22.445.653, quedando en el primer lugar de la taquilla de Estados Unidos.5 A nivel mundial el filme recaudó $224.920.315.

CRITICA

Luego de su primera exhibición en el Festival de Cine de Nueva York el 24 de septiembre de 2010, la cinta recibió críticas mayoritariamente positivas. Peter Travers, de la revista Rolling Stone, le otorgó la máxima calificación (cinco estrellas). Por su parte, Manohla Dargis, de The New York Times, la calificó con una A. Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, le dio la máxima puntuación y agregó: «Una gran película, no por su estilo deslumbrante o inteligencia visual, sino porque está espléndidamente bien hecha». Justin Chang, crítico del semanario Variety, opinó: «Continúa la fascinante transición de Fincher de un director de género extraordinario a un imborrable cronista de nuestros tiempos». Kirk Honeycutt, de The Hollywood Reporter, declaró: «Un hipnótico retrato de un hombre que en cualquier otra época quizás sería considerado un loco o un inútil, pero en la era de Internet tiene la agilidad mental para transformar una idea en un imperio». Ángel Ferro, en Sin Permiso, destacó, entre otras cosas, la nula mención a las denuncias y críticas a Facebook en relación al uso de datos personales, aunque consideró muy acertados el bucle y la paradoja implícita respecto al comienzo y el final de la película.

«The social network is the movie of the year. [...]». ('La red social es la película del año'). Peter Travers (Rolling Stone)

A brilliant film». ('Un filme brillante')Frank Rich (The New York Times

PREMIOS

En diciembre de 2010, la National Board of Review of Motion Pictures ('Asociación nacional de críticos de cine de Estados Unidos') seleccionó a The social network como mejor película, a David Fincher como mejor director, a Jesse Eisenberg como mejor actor y a Aaron Sorkin como mejor guion adaptado. También en diciembre, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles anunció que sus premios a la mejor película, mejor guion y mejor música serían entregados a The social network en una ceremonia que se realizó el 15 de enero de 2011 en la ciudad de Los Ángeles. En la Costa Este de los Estados Unidos, el Círculo de Críticos Cinematográficos de Nueva York premió a The social network en las categorías de mejor película y mejor director.

En Europa, la cinta recibió cuatro premios de parte del Círculo de Críticos Cinematográficos de Londres, incluyendo el de mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actor de reparto a Andrew Garfield.(1)

Sin duda uno de los fenómenos de Internet más impresionantes de hoy en día es Facebook. El 1 de octubre se va a estrenar una nueva película en USA que se llama The Social Network, está basada en un libro muy recomendable “MultiMillonarios por accidente” por Ben Mezrich (Alienta Editorial) y cuenta la historia de la creación de Facebook, la idea que resalta del contenido del libro, es que fue creado simplemente para que los fundadores de esta red social pudieran ligar de forma fácil con chicas de su universidad (Harvard). El director de la película es David Fincher y los actores que forman parte del reparto son Jesse Eisenberg, Justin Timberlake.

Aunque hay gente que critica la forma de creación de Facebook, lo cierto es que han hecho un buen trabajo creando una de las redes sociales más influyentes del mundo, ya que actualmente cuentan con más de 500 millones de usuarios (150 millones de los cuales utilizan Facebook a través de su teléfono móvil)(2)

El cofundador de esta red social, Dustin Moscovits, dijo sin embargo que en el film The Social Network se describe bien las cualidades de su compañero Mark Zuckerberg. Los cofundadores de Facebook, Mark Zuckerberg y Dustin Moscovitz, desaprobaron los puntos en los que pone énfasis la esperada película The Social Network , basada en la historia de la conocida red social.

Mozcovits publicó una sincera evaluación de esta próxima entrega en el sitio web Quora , diciendo que los adelantos se ven “mucho más emocionantes” que el desarrollo real de Facebook durante sus primeros días.

Zuckerberg, actual CEO de Facebook, emitió algunos comentarios negativos acerca del film cuando tuvo la palabra en la conferencia D8 el mes pasado. El empresario expresó su deseo de que la película no hubiera sido filmada.

Mozcovitz no estuvo totalmente en desacuerdo con el film, pero la mayoría de sus comentarios sarcásticos revelaron que desde su punto de vista la película es todo, menos históricamente precisa.

“Es interesante ver mi pasado reescrito en un modo que pone énfasis en cosas que no importaron”, escribió refiriéndose a un pleito legal contraído con los estudiantes de Harvard, Tyler y Cameron Winklevoss en el 2004.

El cofundador continúa su comentario, donde califica a la película como una “dramatización de su historia”, diciendo que “muchas cosas intensas ocurrieron en el 2004, pero trabajamos y nos estresamos durante la mayoría de estas”.

“La versión en el adelanto se ve mucho más interesante y yo elijo recordar que nos emborrachamos (Zuckerberg y él) y tuvimos relaciones con un montón de compañeras de estudio”.

Sobre la representación que hacen de Zuckerberg en la película, Mozcovits es al menos cautamente pesimista y adulador.

“El argumento del guión lo ataca imperturbablemente, pero en realidad sentí que muchas de sus cualidades positivas se reflejan realmente en el adelanto de la película”, escribió.

“Finalmente, no pudieron hacer menos que representarlo como el tenaz, pionero genio que él es” añadió Mozcovits.”(3)



Mucho se ha venido hablando en las últimas semanas sobre la película de David Fincher 'La Red Social' un retrato, nada amable, sobre el fundador de Facebook Mark Zuckerberg. Hasta el momento sólo había trascendido que Zuckerberg, junto a otros miembros de su empresa, había asistido a un pase de la película en un cine de Palo Alto. Ahora ha dado un paso más y ha opinado sobre el film.

Zuckerberg ha decidido hablar sobre la película pero no le ha dedicado más de dos minutos. Fue el pasado 16 de octubre en una conferencia en la universidad de Stanford, California.

La charla se desarrolla con toda normalidad. Hay momentos para las risas y por supuesto para las preguntas. La moderadora decide preguntarle sobre que le parece la película. Zuckerberg bromea y dice... "¿Por donde empiezo?". A continuación reproducimos la conversación :

Moderadora: "¿Qué diferencia hay entre la película y lo que pasó en realidad?"

Mark Zuckerberg: "¿Por dónde empiezo?"

Moderadora: "Por la mayor diferencia"

Mark Zuckerberg: "Es divertido lo que se han empeñado en mostrar de forma acertada porque todas las camisetas y todos los forros polares que salen en la película, son camisetas y forros polares que tengo. Hay otras cosas que hicieron bien pero otras en cambio que hicieron mal. Lo que peor está es el principio de la película. Empieza con esa chica que nunca existió en la vida real y que en teoría me deja. Algo que ha pasado en la vida real muchas veces".

"Parece que la única razón por la que quería hacer Facebook es porque quería conocer a chicas o porque quería entrar en alguna institución social. Creo que eso es bastante significativo de cómo la gente que hace películas nos ve a los que estamos creando cosas en Sillicon Valley. Parece que no se dan cuenta que hay gente que construye cosas porque les gusta construir cosas".

"Conozco muy bien mi vida y no es tan dramática"

Pero no es esta la primera vez que Zuckerberg se pronuncia sobre la película. Hace unas semanas apareció en el programa de Oprah Winfrey para anunciar una donación de 100 millones de dólares a los colegios de Nueva Jersey. Entonces la presentadora aprovechó la ocasión para preguntarle sobre el film: "Es una película, es diversión, mucho de lo cuenta es ficción, lo reconocen hasta los guionistas, lo que intentan es construir una buena historia. Pero créame, conozco muy bien mi vida y no es tan dramática".

El realizador David Fincher ('Seven', 'El club de la lucha') dirige 'La red social', una película con el guión de Aaron Sorkin ('El ala oeste de la Casa Blanca') que cuenta en el reparto con los jóvenes actores Jesse Eisenberg, Andrew Garfield y el cantante Justin Timberlake, quien da vida en el filme al creador de Napster. Facebook nació en Harvard, universidad en la que estudiaba Marc Zuckerberg, creador de la famosa red social. Las aptitudes de este visionario de las nuevas tecnologías serán proporcionales a la dificultades que encuentra para relacionarse con el resto del mundo, al que termina enfrentándose por la propiedad de la idea original de esta herramienta.(4)

La historia del nacimiento de Facebook ha capturado la atención del público norteamericano, que en su primer fin de semana la ubicó en el primer lugar en la lista de estrenos, con nada menos que 23 millones de dólares de recaudación.

The Social Network (La Red Social), ha recibido un gran apoyo del público que se ha visto reflejado en la cantidad de blogs de cine en las que se han escrito acerca de la cinta.

Sin embargo, no todo es felicidad, pues algunos comentarios acerca de la falta de fidelidad de la historia se han hecho sentir, especialmente por parte de los primeros trabajadores de Facebook y del mismo fundador, Mark Zuckerberg, por la poca precisión al momento de describir el trabajo de una empresa de Internet basada en la innovación, como lo son las de redes sociales.

En la historia, que se centra en la figura de su fundador, se muestra a un Zuckerberg prepotente, un genio que solo está dispuesto a dialogar lo justo; un hombre con pocos escrúpulos, introvertido y ambicioso. Muchos críticos han dicho que el perfil creado por el guionista Aaron Sorkin, ha resultado muy parecido al original, haciendo que la imagen del creador de Facebook se torne más dura.

Asimismo, en la cinta se narra la relación de amistad entre Zuckerberg y su socio, Eduardo Saverin, y cómo esta se va deteriorando a causa de la adquisición de poder de la red social. En este camino, la película se muestra a sí misma como una historia real de lo que fue el proceso de creación de la famosa Facebook, no obstante, la empresa ha rechazado desde un inicio que sea una copia fiel de su realidad.

Otro de los atractivos de la película, además del excelente trabajo de Sorkin en la elaboración del guión, es el cuidado trabajo del director David Fincher, cuyas cintas El club de la pelea y Se7en, le valieron el reconocimiento como extraordinario director de género; y finalmente, un impresionante trabajo por parte del actor Jesse Eisenberg, que da vida al fundador de Facebook, Mark Zuckerberg.

El tan esperado estreno logró no solamente un récord de taquilla, sino que ha cosechado excelentes críticas por parte de algunos miembros votantes de la Academia, quienes habrían asistido a una proyección de la película en el teatro de la Academia de Cine Samuel Goldwyn en Beverly Hills.

Según The Hollywood Reporter, dentro de este grupo se encontraban los actores Angie Dickinson, Robert Foster, y el productor de Little Miss Sunshine, Ron Yerxa, quienes figuran como miembros votantes de la Academia.(5)

¿Es el fundador de Facebook, Mark Zuckerberg, una persona insegura, egomaníaca o antisocial? La película «The Social Network» -estrenada esta semana en Estados Unidos- muestra un personaje con estas características que, sin embargo, diversos expertos insisten en calificar como «incierta».

«El film únicamente contiene un 40% de verdad», asegura David Kirkpatrick, autor del libro «El efecto Facebook: la historia interna de una compañía que conecta el mundo». Según el escritor, Zuckerberg es «increíblemente» seguro y nunca se muestra tan «sarcásticamente cruel» como en el papel interpretado por Jesse Eisenberg.

La película comienza con la novia de Zuckerberg dejando la relación y enumerando una innumerable serie de defectos del protagonista. Posteriormente, el joven emprendedor inicia un viaje en el que se muestra arrogante y envidioso, además de obsesionado con convertirse en millonario.

«Resulta muy importante remarcar que tuvo una novia durante todo el periodo que abarca la película, por lo que no encaja el papel de obseso sexual desesperado por conseguir la atención de las mujeres», añade Kirkpatrick, según la «BBC».

Asimismo, la idea de que Zuckerberg traicionase deliberadamente a un amigo es desmentida por Karel Baloun, ingeniero de Facebook durante un año y que trabajó codo con codo con el fundador de la red social.

«Es ficción, él realmente quería que el trabajo saliera adelante y deseaba que las horas invertidas en Facebook fuesen recompensadas», apunta Baloun, quien también echa un cable a Sean Parker, el cofundador que tampoco sale bien parado en la película.

Retratado en la película por Justin Timberlake, Parker se convirtió en multimillonario gracias al 6% de acciones de la red social y en su primera iniciativa: Napster. Según explica Baloun, se trata de un «visionario», aunque, eso sí, «con un punto de locura».

Para el crítico Dennis Bingham, los directores -en este caso, David Fincher- tienen la «obligación» de ser fieles a la verdad, puesto que en la «memoria pública» suele perdurar la imagen ofrecida por el film y no la real.(6)

CITAS:

1.- http://es.wikipedia.org/wiki/The_social_network

2.- http://www.promocionweb20.com/2010/07/15/facebookthesocialnetwor/

3.- http://elcomercio.pe/tecnologia/609830/noticia-pelicula-sobre-facebook-genera-critica-sus-fundadores

4.- http://www.cadenaser.com/tecnologia/articulo/creador-facebook-habla-fin-pelicula-red-social/csrcsrpor/20101020csrcsrtec_1/Tes

5.- http://www.blogalaxia.com/b/escena/peliculas/la-red-social-pelicula-sobre-facebook.html

6.- http://www.abc.es/20101001/medios-redes/facebook-pelicula-verdadamedias-201010011258.html



AFTER HOURS

AFTER HOURS

Después de hora (Jo, ¡qué noche!, En España), título original After Hours, es una comedia del director Martin Scorsese rodada en 1985 a partir de un guion de Joseph Minion.

FICHA TÉCNICA

Título After Hours, (Después de hora (Jo ¡qué noche!, En España)

Dirección: Martin Scorsese

Producción: Robert F. Colesberry, Griffin Dunne, Amy Robinson

Guion: Joseph Minion

Música: Howard Shore

Fotografía: Michael Ballhaus

Montaje: Thelma Schoonmaker, James Kwei,Victoria Martin

Protagonistas: Griffin Dunne, Rosanna Arquette, Verna Bloom

País(es) . Estados Unidos

Año: 1985

Género: Comedia

Duración 97 min.

SINOPSIS

Al finalizar su jornada laboral, un solitario empleado de una compañía de informática (Griffin Dunne), se ve envuelto en una serie de extrañas circunstancias que le llevan a uno de los peores barrios de Nueva York en el Soho, donde pierde el último metro de la noche. Así comienza una aventura urbana inquietante, fascinante y peligrosa. Los agobios del estupendo Griffin Dunne ante la fauna nocturna de la gran manzana esconden un interesante viaje a la personalidad de cada individuo y su sitio en la sociedad. Todo ello aderezado con excelentes toques de comedia.(1)

PREMIOS

Año Premio Resultado Premio Persona

1986 Festival de Cannes Ganador Mejor director Martin Scorsese

1986 Festival de Cannes Nominada Palma de oro Martin Scorsese

1986 Indenpendent Spirit Award Ganadora Mejor director Martin Scorsese

1986 Indenpendent Spirit Award Ganadora Mejor producción Robert F. Colesberry

1986 Indenpendent Spirit Award Nominada Mejor fotografía el Ballhaus

1986 Indenpendent Spirit Award Nominada Mejor guion Joseph Minion

1986 Indenpendent Spirit Award Ganadora Mejor actriz Rosanna Arquette

1986 Golden Globes Nominada Mejor actor de comedia Griffin Dunne

1987 BAFTA Awards Nominada Mejor actriz Rosanna Arquette

COMENTARIOS

En 1985, tras ver cómo “La Última Tentanción de Cristo” no conseguía salir a flote, Martín Scorsese realizó una de sus películas más redondas, y menos reconocidas.

El actor Griffin Dunne y la productora Amy Robinson se encontraron con el guión escrito por Joseph Minion, decidiendo llevarlo a la pantalla como fuera. Se lo ofrecieron a Scorsese, que no había obtenido éxito con “El Rey de la Comedia”, pero declinó debido a su inmersión en el proyecto que preparaba sobre Jesús de Nazaret. Después contactaron con Tim Burton, el cual se mostró muy interesado, hasta que Scorsese, deprimido tras no conseguir llevar a cabo su visión de Cristo, volvió a interesarse y a tomar las riendas. Con el director al mando el rodaje se llevó a cabo sin ningún tipo de problema, y en un plazo corto acorde a su bajo presupuesto. El resultado es una cinta tragicómica que posee el sello de su director en cada fotograma.

Paul Hackett trabaja como administrativo en una empresa de Nueva York. Su vida es aburrida. En una cafetería, mientras lee “Trópico de Cáncer” de Henry Miller, conoce a una chica que le da su número de teléfono. Paul, solo en su apartamento, decide llamarla y quedar con ella. Será el comienzo de una noche llena de adversidades.

Bien podríamos decir que “After Hours” es la versión scorsesiana de “Alicia en el País de las Maravillas”. Nuestro protagonista es un hombre corriente, solitario, con un trabajo que le aburre y que anhela vivir experiencias nuevas, solo así entendemos que se atreva a dar el paso de llamar a la joven desconocida que acaba de conocer en la cafetería. Soñando pasar la noche en brazos de la chica acabará viviendo una travesía por los recónditos rincones del Soho neoyorquino, en donde se cruzará con todo tipo de personajes singulares.

Además de a la obra de Carroll podemos encontrar similitud con “El Mago de Oz”, con referencia implícita en la película incluida, ya que Paul intentará por todo los medios volver a casa tanto como Dorothy.

La película muestra a la perfección lo que puede ser una noche loca, en donde todo lo que ocurre escapa a nuestro control. Para el protagonista la noche comienza en el momento en que entra en su vida Marcy, una chica atractiva pero algo peculiar. En la cafetería en que se conocen comienza a cambiar el tono de la cinta por medio del personaje del camarero que intenta emular posiciones de ballet y ofrece a Paul el bolígrafo con una pirueta. Desde ese momento todo lo que ocurra, y no son pocas cosas, adquirirá un cariz surrealista que afectará en todo momento a nuestro protagonista. El taxi que transporta a Paul a la residencia de Marcy va a una velocidad exagerada que lo hace perder su único billete de veinte dólares; en el piso de Marcy conoce a la escultora Kiki, y empieza a sentir miedo hacía la que parecía ser su ligue nocturno, ya que resulta ser una chica con drásticos cambios de humor y algún problema de quemaduras; en el intento de coger el metro no podrá porque la tarifa nocturna es mayor; entra en el único bar que ve abierto y accede a ir al apartamento del barman para que así pueda abrir la caja registradora y darle un billete con el que pueda coger el transporte, pero la noche solo acaba de comenzar.

El guión de Joseph Minion no da respiro al pobre diablo de ciudad que ha ido a parar al Soho. No sale de una cosa cuando ya se ha metido en otra, consiguiendo que todo lo que sucede en la película gire en torno a él. Los personajes que se encontrará en el barrio forman una fauna urbana poco corriente, y es que de noche se encuentran especimenes de todas clases, entre los que encontramos algunos verdaderamente curiosos, desde mujeres que se divierten diciendo números mientras se intenta marcar en el teléfono hasta señoras que se pasan toda la noche en un bar soñando con el amor que no llega.

Si ya el guión es lo suficientemente bueno, lo es aún más gracias a la ejecución por parte de Scorsese, quien aquí si consigue momentos cómicos, al contrario que en su anterior, y más que reivindícale, film. La energía del director se nota desde el primer momento, por ejemplo la presentación de Paul es por medio de un rápido travelling a través de las mesas de oficina hasta llegar a él, introduciéndonos de golpe en la historia y en el estilo de vida del protagonista. Los movimientos de cámara característicos se alternan con el uso de planos cenitales o contrapicados, encuadrados de manera que se acreciente la sensación de angustia que vive el protagonista.

Cabe citar que podemos distinguir dos atmósferas. Una primera más comedida y tranquila durante los primeros 10 minutos, en que Paul se encuentra en su barrio, y una segunda desde el momento en que se sube al taxi camino al Soho y la acción se acelera de forma brusca, dando paso a un montaje dinámico con utilización de planos cortos, e incluso subliminales, que aumentan la atmósfera pesadillesca. Mucho más remarcado queda con el uso de la fotografia, luminosa al principio para dar paso a una mucho más oscura, con predominio de colores rojizos y azules. El resultado es otra nueva representación de Nueva York por parte del maestro.

Si pudiera destacar algo de todo el conjunto seguramente sería el final. A parte de por lo bien elegido que está (y eso que no era el favorito del director) y porque cierra circularmente la historia, añade ese toque surrealista idóneo, engrandecido con la interpretación de Dunne, que otorga tranquilidad y solemnidad a Paul cuando vuelve a entrar en su despacho, como si nada hubiere pasado esa noche, aunque las marcas de escayola que lo bañan indiquen lo contrario.

Griffin Dunne, además de producir la cinta, da vida de forma perfecta a Paul, el protagonista que se sumerge en la noche más inolvidable de su vida. Rosanna Arquette es Marcy, la causante de la noche loca de Paul. Linda Fiorentino es Kiki, la escultora punk compañera de piso de Marcy. Antes de ser padres de Macaulay Culkin en “Solo en Casa”, Catherine O´Hara y John Heard coincidieron aquí como Gail, la mujer que se divierte diciendo números mientras se marca, y Tom, el barman. Cheech Marin y Tommy Chong son los cacos del barrio. Citar el breve cameo de Scorsese en el bar punky.

La película consiguió ser un éxito gracias a su bajo presupuesto y le dio a Martín Scorsese el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes. Lo mejor fue que pocos años después conseguiría hacer realidad su sueño de llevar a cabo “La Última Tentación de Cristo”.

Divertida, con un guión original y ágil, “After Hours” es una de las obras más redondas de Scorsese. Así que adéntrense en el Soho con Paul Hackett en busca de aventuras para acabar en su mesa de trabajo, recordarlo todo y decir jo, qué noche.

Lo Mejor: Todo.

Lo Peor: Merece más reconocimiento.(2)

“- ¿Le importa que me eche en el sofá un par de horas? Estoy molido.

- ¿Por qué no se va a casa?

- Amigo… eso he estado preguntándome toda la noche.”

¿Alguna vez tuvieron una mala noche? No, no me refiero a esa vez que rebalsaron el inodoro en casa de un desconocido, o aquella en que los detuvo la policía… Me refiero a una noche realmente mala, una noche en la que el mundo parece confabularse en contra nuestra y no podemos encontrar un solo aliado. Una noche tortuosa, desenfrenada, retorcida… Kafkiana, si me lo permiten.

After hours (me niego rotundamente a usar la traducción española) iba a ser dirigida por Tim Burton, pero Scorsese se mostró interesado en el guión en el momento en que no conseguía financiar The Last Temptation of Christ, por lo que Burton se lo cedió.

Paul Hackett (Griffin Dunne) es un oficinista que conoce de casualidad a Marcy (Rossana Arquette), una artie del Soho que le muestra que de noche hay otras reglas… una realidad desquiciada y enferma, repleta de criaturas inquietantes, códigos que le resultan ajenos y peligros ocultos en la más inocente de las fachadas. Él viene de un mundo de escritorios, horarios fijos y casas vacías, mientras que el Soho está atento, vive pendiente, disfruta la noche, bebe en bares que no cierran, reclama cariño, atención y cuida a los suyos, principalmente, de alguien que no se comporte como ellos.(3)

Un individuo, por un obvio y casi insignificante motivo queda perdido en un barrio ajeno y extraño, sin un dólar en los bolsillos. De pronto se ve atrapado en su pesadillezca existencia, rodeado de raros personajes que como lo atraparon lo dejan ir. Aparentemente, la historia no tiene nada nuevo ni original. Sin embargo la pericia de un maestro la pudo llevar a buen término. Scorsese sabe cómo narrar una historia y sabe cómo filmarla. El individuo perdido en la mitad de la noche, en lo más oscuro del donwtown/under de Manhattan, es un actorcillo de segunda que curiosamente cumplió con su rol de tarado a la perfección. Griffin Dunne es su nombre, y debería darle las gracias a Dioscorsese por haberlo incluido en su película, ya que es sólo por este único film que es reconocido (por lo menos su cara). Convengamos también que en ese momento el gran Dioscorsese no tenía un mango y se dedicaba -aun- a filmar con más talento y ganas que con millones y prestigio. Arquette en su magnífica juventud, ya se perfila como la gran actriz que es hoy, afecta como siempre a actuar en películas fuera del circuito comercial. Linda Fiorentino seduce magníficamente en su rol de artista excéntrica. Dioscorsese controla el tiempo y, como una suerte de mago, puede manipularlo delante de tus ojos... sin darte cuenta, te encontrarás no sabiendo como pudo terminar de una manera tan correcta y precisa. Con este film su carrera vuelve a levantar vuelo después del fracaso estrepitoso con "El Rey de la comedia". Es una película completa e imperdible.(4)

CITAS:

1.- http://es.wikipedia.org/wiki/After_Hours

2.- http://cinemadreamer.wordpress.com/2010/03/24/after-hours-de-martin-scorsese/

3.- http://www.cafeycigarrillos.com.ar/2010/01/after-hours/

4.- http://fotograma.com/notas/reviews/62.shtml