AFTER HOURS

AFTER HOURS

Después de hora (Jo, ¡qué noche!, En España), título original After Hours, es una comedia del director Martin Scorsese rodada en 1985 a partir de un guion de Joseph Minion.

FICHA TÉCNICA

Título After Hours, (Después de hora (Jo ¡qué noche!, En España)

Dirección: Martin Scorsese

Producción: Robert F. Colesberry, Griffin Dunne, Amy Robinson

Guion: Joseph Minion

Música: Howard Shore

Fotografía: Michael Ballhaus

Montaje: Thelma Schoonmaker, James Kwei,Victoria Martin

Protagonistas: Griffin Dunne, Rosanna Arquette, Verna Bloom

País(es) . Estados Unidos

Año: 1985

Género: Comedia

Duración 97 min.

SINOPSIS

Al finalizar su jornada laboral, un solitario empleado de una compañía de informática (Griffin Dunne), se ve envuelto en una serie de extrañas circunstancias que le llevan a uno de los peores barrios de Nueva York en el Soho, donde pierde el último metro de la noche. Así comienza una aventura urbana inquietante, fascinante y peligrosa. Los agobios del estupendo Griffin Dunne ante la fauna nocturna de la gran manzana esconden un interesante viaje a la personalidad de cada individuo y su sitio en la sociedad. Todo ello aderezado con excelentes toques de comedia.(1)

PREMIOS

Año Premio Resultado Premio Persona

1986 Festival de Cannes Ganador Mejor director Martin Scorsese

1986 Festival de Cannes Nominada Palma de oro Martin Scorsese

1986 Indenpendent Spirit Award Ganadora Mejor director Martin Scorsese

1986 Indenpendent Spirit Award Ganadora Mejor producción Robert F. Colesberry

1986 Indenpendent Spirit Award Nominada Mejor fotografía el Ballhaus

1986 Indenpendent Spirit Award Nominada Mejor guion Joseph Minion

1986 Indenpendent Spirit Award Ganadora Mejor actriz Rosanna Arquette

1986 Golden Globes Nominada Mejor actor de comedia Griffin Dunne

1987 BAFTA Awards Nominada Mejor actriz Rosanna Arquette

COMENTARIOS

En 1985, tras ver cómo “La Última Tentanción de Cristo” no conseguía salir a flote, Martín Scorsese realizó una de sus películas más redondas, y menos reconocidas.

El actor Griffin Dunne y la productora Amy Robinson se encontraron con el guión escrito por Joseph Minion, decidiendo llevarlo a la pantalla como fuera. Se lo ofrecieron a Scorsese, que no había obtenido éxito con “El Rey de la Comedia”, pero declinó debido a su inmersión en el proyecto que preparaba sobre Jesús de Nazaret. Después contactaron con Tim Burton, el cual se mostró muy interesado, hasta que Scorsese, deprimido tras no conseguir llevar a cabo su visión de Cristo, volvió a interesarse y a tomar las riendas. Con el director al mando el rodaje se llevó a cabo sin ningún tipo de problema, y en un plazo corto acorde a su bajo presupuesto. El resultado es una cinta tragicómica que posee el sello de su director en cada fotograma.

Paul Hackett trabaja como administrativo en una empresa de Nueva York. Su vida es aburrida. En una cafetería, mientras lee “Trópico de Cáncer” de Henry Miller, conoce a una chica que le da su número de teléfono. Paul, solo en su apartamento, decide llamarla y quedar con ella. Será el comienzo de una noche llena de adversidades.

Bien podríamos decir que “After Hours” es la versión scorsesiana de “Alicia en el País de las Maravillas”. Nuestro protagonista es un hombre corriente, solitario, con un trabajo que le aburre y que anhela vivir experiencias nuevas, solo así entendemos que se atreva a dar el paso de llamar a la joven desconocida que acaba de conocer en la cafetería. Soñando pasar la noche en brazos de la chica acabará viviendo una travesía por los recónditos rincones del Soho neoyorquino, en donde se cruzará con todo tipo de personajes singulares.

Además de a la obra de Carroll podemos encontrar similitud con “El Mago de Oz”, con referencia implícita en la película incluida, ya que Paul intentará por todo los medios volver a casa tanto como Dorothy.

La película muestra a la perfección lo que puede ser una noche loca, en donde todo lo que ocurre escapa a nuestro control. Para el protagonista la noche comienza en el momento en que entra en su vida Marcy, una chica atractiva pero algo peculiar. En la cafetería en que se conocen comienza a cambiar el tono de la cinta por medio del personaje del camarero que intenta emular posiciones de ballet y ofrece a Paul el bolígrafo con una pirueta. Desde ese momento todo lo que ocurra, y no son pocas cosas, adquirirá un cariz surrealista que afectará en todo momento a nuestro protagonista. El taxi que transporta a Paul a la residencia de Marcy va a una velocidad exagerada que lo hace perder su único billete de veinte dólares; en el piso de Marcy conoce a la escultora Kiki, y empieza a sentir miedo hacía la que parecía ser su ligue nocturno, ya que resulta ser una chica con drásticos cambios de humor y algún problema de quemaduras; en el intento de coger el metro no podrá porque la tarifa nocturna es mayor; entra en el único bar que ve abierto y accede a ir al apartamento del barman para que así pueda abrir la caja registradora y darle un billete con el que pueda coger el transporte, pero la noche solo acaba de comenzar.

El guión de Joseph Minion no da respiro al pobre diablo de ciudad que ha ido a parar al Soho. No sale de una cosa cuando ya se ha metido en otra, consiguiendo que todo lo que sucede en la película gire en torno a él. Los personajes que se encontrará en el barrio forman una fauna urbana poco corriente, y es que de noche se encuentran especimenes de todas clases, entre los que encontramos algunos verdaderamente curiosos, desde mujeres que se divierten diciendo números mientras se intenta marcar en el teléfono hasta señoras que se pasan toda la noche en un bar soñando con el amor que no llega.

Si ya el guión es lo suficientemente bueno, lo es aún más gracias a la ejecución por parte de Scorsese, quien aquí si consigue momentos cómicos, al contrario que en su anterior, y más que reivindícale, film. La energía del director se nota desde el primer momento, por ejemplo la presentación de Paul es por medio de un rápido travelling a través de las mesas de oficina hasta llegar a él, introduciéndonos de golpe en la historia y en el estilo de vida del protagonista. Los movimientos de cámara característicos se alternan con el uso de planos cenitales o contrapicados, encuadrados de manera que se acreciente la sensación de angustia que vive el protagonista.

Cabe citar que podemos distinguir dos atmósferas. Una primera más comedida y tranquila durante los primeros 10 minutos, en que Paul se encuentra en su barrio, y una segunda desde el momento en que se sube al taxi camino al Soho y la acción se acelera de forma brusca, dando paso a un montaje dinámico con utilización de planos cortos, e incluso subliminales, que aumentan la atmósfera pesadillesca. Mucho más remarcado queda con el uso de la fotografia, luminosa al principio para dar paso a una mucho más oscura, con predominio de colores rojizos y azules. El resultado es otra nueva representación de Nueva York por parte del maestro.

Si pudiera destacar algo de todo el conjunto seguramente sería el final. A parte de por lo bien elegido que está (y eso que no era el favorito del director) y porque cierra circularmente la historia, añade ese toque surrealista idóneo, engrandecido con la interpretación de Dunne, que otorga tranquilidad y solemnidad a Paul cuando vuelve a entrar en su despacho, como si nada hubiere pasado esa noche, aunque las marcas de escayola que lo bañan indiquen lo contrario.

Griffin Dunne, además de producir la cinta, da vida de forma perfecta a Paul, el protagonista que se sumerge en la noche más inolvidable de su vida. Rosanna Arquette es Marcy, la causante de la noche loca de Paul. Linda Fiorentino es Kiki, la escultora punk compañera de piso de Marcy. Antes de ser padres de Macaulay Culkin en “Solo en Casa”, Catherine O´Hara y John Heard coincidieron aquí como Gail, la mujer que se divierte diciendo números mientras se marca, y Tom, el barman. Cheech Marin y Tommy Chong son los cacos del barrio. Citar el breve cameo de Scorsese en el bar punky.

La película consiguió ser un éxito gracias a su bajo presupuesto y le dio a Martín Scorsese el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes. Lo mejor fue que pocos años después conseguiría hacer realidad su sueño de llevar a cabo “La Última Tentación de Cristo”.

Divertida, con un guión original y ágil, “After Hours” es una de las obras más redondas de Scorsese. Así que adéntrense en el Soho con Paul Hackett en busca de aventuras para acabar en su mesa de trabajo, recordarlo todo y decir jo, qué noche.

Lo Mejor: Todo.

Lo Peor: Merece más reconocimiento.(2)

“- ¿Le importa que me eche en el sofá un par de horas? Estoy molido.

- ¿Por qué no se va a casa?

- Amigo… eso he estado preguntándome toda la noche.”

¿Alguna vez tuvieron una mala noche? No, no me refiero a esa vez que rebalsaron el inodoro en casa de un desconocido, o aquella en que los detuvo la policía… Me refiero a una noche realmente mala, una noche en la que el mundo parece confabularse en contra nuestra y no podemos encontrar un solo aliado. Una noche tortuosa, desenfrenada, retorcida… Kafkiana, si me lo permiten.

After hours (me niego rotundamente a usar la traducción española) iba a ser dirigida por Tim Burton, pero Scorsese se mostró interesado en el guión en el momento en que no conseguía financiar The Last Temptation of Christ, por lo que Burton se lo cedió.

Paul Hackett (Griffin Dunne) es un oficinista que conoce de casualidad a Marcy (Rossana Arquette), una artie del Soho que le muestra que de noche hay otras reglas… una realidad desquiciada y enferma, repleta de criaturas inquietantes, códigos que le resultan ajenos y peligros ocultos en la más inocente de las fachadas. Él viene de un mundo de escritorios, horarios fijos y casas vacías, mientras que el Soho está atento, vive pendiente, disfruta la noche, bebe en bares que no cierran, reclama cariño, atención y cuida a los suyos, principalmente, de alguien que no se comporte como ellos.(3)

Un individuo, por un obvio y casi insignificante motivo queda perdido en un barrio ajeno y extraño, sin un dólar en los bolsillos. De pronto se ve atrapado en su pesadillezca existencia, rodeado de raros personajes que como lo atraparon lo dejan ir. Aparentemente, la historia no tiene nada nuevo ni original. Sin embargo la pericia de un maestro la pudo llevar a buen término. Scorsese sabe cómo narrar una historia y sabe cómo filmarla. El individuo perdido en la mitad de la noche, en lo más oscuro del donwtown/under de Manhattan, es un actorcillo de segunda que curiosamente cumplió con su rol de tarado a la perfección. Griffin Dunne es su nombre, y debería darle las gracias a Dioscorsese por haberlo incluido en su película, ya que es sólo por este único film que es reconocido (por lo menos su cara). Convengamos también que en ese momento el gran Dioscorsese no tenía un mango y se dedicaba -aun- a filmar con más talento y ganas que con millones y prestigio. Arquette en su magnífica juventud, ya se perfila como la gran actriz que es hoy, afecta como siempre a actuar en películas fuera del circuito comercial. Linda Fiorentino seduce magníficamente en su rol de artista excéntrica. Dioscorsese controla el tiempo y, como una suerte de mago, puede manipularlo delante de tus ojos... sin darte cuenta, te encontrarás no sabiendo como pudo terminar de una manera tan correcta y precisa. Con este film su carrera vuelve a levantar vuelo después del fracaso estrepitoso con "El Rey de la comedia". Es una película completa e imperdible.(4)

CITAS:

1.- http://es.wikipedia.org/wiki/After_Hours

2.- http://cinemadreamer.wordpress.com/2010/03/24/after-hours-de-martin-scorsese/

3.- http://www.cafeycigarrillos.com.ar/2010/01/after-hours/

4.- http://fotograma.com/notas/reviews/62.shtml



RAGING BULL

TORO SALVAJE

Raging Bull, conocida en castellano como Toro salvaje , es una película de 1980 dirigida por Martin Scorsese, basada en el libro Raging Bull: My Story del boxeador Jake La Motta. Tiene a Robert De Niro como Jake La Motta, un boxeador de peso mediano cuya rabia sadomasoquista, celos sexuales y brutal apetito excenden los límites del cuadrilátero y destruyen su relación con su esposa y su familia. Joe Pesci interpreta a Joey, el hermano y mánager de La Motta que lo ayuda a luchar contra sí mismo, y Cathy Moriarty interpreta a su esposa. La película tiene a Nicholas Colasanto, Theresa Saldana y Frank Vincent en papeles secundarios. Fue nominada a 8 premios Óscar y se alzó con dos: los premios al mejor montaje y mejor actor para Robert De Niro.

FICHA TÉCNICA

Título: Raging Bull (Toro salvaje)

Dirección: Martin Scorsese

Producción:  Irwin Winkler. Robert Chartoff

Guion: Paul Schrader, Mardik Martin, Martin Scorsese, Robert De Niro, Jake LaMotta

Música: Pietro Mascagni

Fotografía: Michael Chapman

Montaje: Thelma Schoonmaker

Reparto

• Robert De Niro - Jake LaMotta
• Cathy Moriarty - Vickie Thailer LaMotta
• Joe Pesci - Joey LaMotta
• Nicholas Colasanto - Tommy Como
• Theresa Saldana - Lenora LaMotta (esposa de Joey)
• Frank Vincent - Salvy "Batts"
• Mario Gallo - Mario
• Frank Adonis - Patsy
• Charles Scorsese - Charlie
• Michael Badalucco - Vendendor de sodas
• John Turturro - Individuo del Webster Hall (sin acreditar)

País(es): Estados Unidos

Año: 1980

Estreno: 19 de diciembre, 1980

Género: Drama / Biografica

Duración: 129 minutos

Idioma(s): Inglés

Distribución: United Artists

Presupuesto: US$18.000.000

Recaudación: US$23.383.987

SINOPSIS

Jake La Motta es un joven boxeador que se entrena arduamente para llegar a ser el número uno en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano, Joey, verá este sueño hecho realidad mucho después. Pero la fama y el éxito solo consiguen empeorar las cosas. Su matrimonio va de mal en peor debido a su vida clandestina con otras mujeres, y por otro lado la mafia lo presiona para arreglar combates. Luego de gastar todo el dinero que tenía, vuelve al mismo punto donde comenzó.(1)

Premios

Oscar 1980

Año Categoría Persona Resultado

1980 Mejor película  Nominada

1980 Mejor director Martin Scorsese Nominado

1980 Mejor actor Robert De Niro Ganador

1980 Mejor actor de reparto Joe Pesci Nominado

1980 Mejor actriz de reparto Cathy Moriarty Nominada

1980 Mejor fotografía Michael Chapman Nominado

1980 Mejor montaje Thelma Schoonmaker Ganadora

1980 Mejor sonido Donald O. Mitchell Bill Nicholson, David J. Kimball, Les Lasarowitz, Nominados

COMENTARIOS

Jake La Motta fue un boxeador de los años cuarenta que vivió un vía crucis personal cuando perdió todo lo que tenía tras haber sido uno de los boxeadores más aclamados, tanto es así que luchó con Ray Sugar Robinson. Robert de Niro leyó la biografía de la Motta y se sintió atraído por la historia, se la hizo llegar a Martin Scorsese para que valorase la posibilidad de hacer una película con esa historia.

Fue De Niro mientras rodaban Taxi Driver quien le facilitó el libro sobre la Motta. El libro no lo escribió el boxeador, sino Peter Savage y Joseph Carter, a partir de los recuerdos narrados por el boxeador. Savage aparecía en el libro, con un guiño realmente interesante, ya que conoció al boxeador y para dar ficción a su amistad transformó su relación con él en el personaje de Joey, el hermano, muy bien interpretado por un actor que descubrió Scorsese, Joe Pesci. Lo curioso fue que Peter Savage tenía un pequeño papel en otra película de Scorsese, Taxi Driver.

Mardik Martin, muy amigo de Scorsese, trabajó en el guión durante dos años, para mejorar el libro y que pudiese ser llevado a la pantalla. Pero el intento de Mardik no funcionó y Martin no se sintió satisfecho de la labor de su amigo, de nuevo Paul Schrader, un hombre que arrastraba obsesiones, pero también una excelente forma de escribir, dio al guión forma y energía, en la línea de la magistral Taxi Driver.

Schrader suprimió toda la parte del libro dedicado a la infancia del boxeador en Little Italy, donde vivió Scorsese. También el paso por el correccional de La Motta, la violación de una amiga de Peter Savage por Jake. Scorsese suavizó así la película, porque, en realidad, la vida del boxeador nos hablaba de un hombre más atormentado y solo, un hombre más herido por la vida que lo que se muestra en la película.

Pero fue el mismo Scorsese y De Niro, amigos íntimos, quienes se reunieron en la isla de St. Martin, donde en diez días reescribieron las cien páginas del guión definitivo. Como productores se embarcaron en el proyecto los artífices de New York, New York, Robert Chartoff e Irwin Winkler.

El rodaje de la película comenzó en abril de 1979 y se prolongó hasta diciembre del mismo año, con una interrupción de cuatro meses en la que De Niro tuvo que engordar, llegando a pesar treinta kilos más para poder interpretar a La Motta en su decadencia.

La película se llevó dos Oscars, a De Niro como mejor actor y a Thelma Schoonmaker por el montaje. No ganó el Oscar a la mejor película ni al mejor director, porque se lo llevó una película mucho menos recordada y de calidad menor, Gente corriente, de Robert Redford, quien sí se hizo con el Oscar a la mejor dirección.

Prescindiendo de la alusión a los premios, la película es una radiografía de la soledad de un hombre que vive la angustia de tener las manos pequeñas para boxear como le dice a su hermano Joey en una excelente secuencia de la película, cuando le pide que le pegue en la cara, un hombre que vive obsesionado por los celos, creyendo que hasta su hermano se acuesta con su mujer, un hombre que se siente susceptible a cualquier comentario, como el que hace su mujer (la joven Cathy Moriarty y la que hace de cuñada, Theresa Saldana), sobre la belleza de Gianiro, otro boxeador, al decir que es bien parecido, por ello, La Motta le pega una paliza en el ring que casi le desfigura.

Como vemos, estamos delante de un hombre brutal, que hace de la violencia su forma de comunicación ante los demás. La elección del blanco y negro para casi toda la película respondió a una elección que tiene que ver con su pasión por el cine clásico, pero también con el afán de que veamos la ascensión y caída del boxeador en las luces y sombras del blanco y negro, frente a las secuencias en color, que son las fotos de boda, donde se puede ver un período de alegría en el matrimonio de Vicky y Jake.

La mujer rubia vuelve a aparecer como un ideal para el hombre obsesivo y solitario que es el principal personaje de las películas de Scorsese, si en Taxi Driver era Betsy, en Toro salvaje será Vicky, ambas se parecen, si Jake logra casarse con Vicky, la relación no funciona porque son dos seres muy diferentes, ella, una mujer sencilla y sin especial cultura, frente al aparente refinamiento de Betsy, pero mucho más refinada que Jake.

La soledad es un tema clave, pero, frente a Taxi Driver, aquí el boxeador no está solo, empieza la película con su hermano Joey, su confidente (como en Malas Calles De Niro y Keitel aparecían juntos en toda la película como amigos), sin embargo, Travis siempre aparece desvalido y sin compañía en la ciudad neoyorkina. Pero la violencia desmedida de Jake le irá dejando solo, porque sus celos y sus obsesiones le harán perder a su familia y se nos presenta en la segunda parte de la película como un hombre que regenta un club nocturno, obeso y sonado, que, incluso, es detenido por hacer trabajar en el club a menores de edad, es impresionante ver la escena en la cárcel cuando Jake golpea la pared de piedra, mientras grita que no es un animal, que es un hombre, demostrando que De Niro es un actor magistral y no había posible rival para llevarse el premio Oscar de 1980.

Para Scorsese, la película, aunque trate el mundo del boxeo, no es, esencialmente, una película acerca del mundo del boxeo, porque el director pretende ir más allá, lo que verdaderamente le interesa (él confesó que no le gustaba el boxeo ni el mundo que le rodeaba) es contar la historia de un hombre que ha derribado, por su incapacidad para convivir con los demás, las fronteras de la cordura y ha entrado, en la línea de Travis Bickle en Taxi Driver, un proceso de paranoia, sus celos enfermizos, y de violencia que acaba con su mundo familiar.

Lo que pretende el director es demostrar, a través de la dureza de las escenas de boxeo, la fisicidad de ese mundo, donde el combate cuerpo a cuerpo cobra dimensiones míticas. Pero, en el fondo de la historia, están los años en que Scorsese convivió con el mundo religioso, sin duda, La Motta se somete a la tortura de los golpes de Ray Sugar Robinson (en unos planos demoledores de la cara de De Niro cada vez más sangrante, donde estalla la sangre que llega al público) como Jesucristo ante la crucifixión.

No se puede entender de otra forma esa violencia, porque el final justifica este argumento, cuando, como redención, Scorsese nos habla de la Epístola a los corintios para hablarnos de la redención de La Motta, después de su calvario, la pérdida de la familia, su paso por la cárcel, los treinta kilos de más, su ruina económica y su fracaso en el ring.

Sobre el fracaso, unido a la soledad, tema tangencial que aparece en todo momento, porque nosotros sabemos que La Motta, pese a la confidencialidad con su hermano, pese al matrimonio con la chica, está siempre solo, en su mundo de sombras, consciente de tener las manos demasiado pequeñas para ser un boxeador de primera, como si conociese ya que su fatum terrible, su calvario, está ya presente en los inicios de su carrera como boxeador. Scorsese nos da a entender en la mirada de De Niro que nunca será el mejor, porque algo se lo impide, un defecto congénito, esas manos que no pueden tener la misma fuerza que las de hombres como Rocky Graziano o Ray Sugar Robinson.

Para José Enrique Monterde, en su estudio sobre Scorsese, publicado en Cátedra, Signo e Imagen, la idea del tiempo en la película es fundamental, porque, precisamente, es en el cuerpo de De Niro donde vamos viendo un hombre de apariencia normal, para verlo transformado en un ser casi deforme. El tiempo ha hecho mella en su cuerpo. Cito al crítico en su interesante opinión sobre este particular:

"Si los puños, las piernas, el torso, el rostro son la vía del triunfo y la derrota en el cuadrilátero, también será en el cuerpo de Jake donde hallaremos las huellas del paso del tiempo, de la decadencia y en el límite de la muerte" (p. 270).

Dice también que el esfuerzo de De Niro por engordar treinta kilos no puede atribuirse a un narcisismo del actor, sino a la necesidad, en una película de tanta fisicidad, de expresar el paso del tiempo, de convertir a su personaje en el deshecho en que se ha convertido (todos conocemos la meticulosidad de De Niro al afrontar sus personajes, en la línea de los actores del Actor´s Studio donde el actor debe convertirse en el personaje, sin duda, nos recuerda a Brando o Newman, actores magistrales y muy sólidos en cualquier papel que hayan interpretado, sin olvidar que Newman fue Rocky Graciano en Marcado por el odio de Robert Rossen).

José Enrique Monterde habla también de la diferencia esencial entre dos personajes claves de Scorsese, el Travis de Taxi Driver y el Jake de Toro Salvaje, se centra en la idea que secundo acerca de dos formas de exteriorizar la violencia (una hacia fuera, la de Travis, otra hacia sí mismo, la de La Motta), si Travis se prepara para atentar contra el senador Palantine, cultiva su cuerpo para matar a otro, se crea un objetivo, tras sentirse asqueado y solo en el mundo que lo rodea, La Motta se ofrece como víctima, aunque pegue a su mujer por los celos infundados que siente o, incluso, intente pegar a su hermano, es el mismo cuerpo de La Motta el que recibe la mayor parte de los golpes, hombre torturado, que debe vivir, como los místicos, su proceso de flagelación y de dolor.

El mismo La Motta hablará de ese deseo de flagelación, cuando, en la biografía que escribió Peter Savage, dice que aquél le contó que su lucha era contra todos, no le importaba que fuese con un peso pesado como Joe Louis, no apto para él, que era peso medio, porque su deseo era recibir todos los golpes que pudieran darle, como castigo a su incapacidad de comunicación. La Motta no sabe comunicarse, si no es a través de la violencia, por eso observa mucho y habla poco, fragua en su mente obsesiva una historia de celos que hace fracasar su matrimonio, no hace caso nunca a su hermano Joey, en su deseo de manifestarse, maltrata a los que le rodean, para quedarse, al final, solo.

Carlos Losilla, en el estudio antes citado sobre Taxi Driver, aparecido en Libros Dirigido / Programa Doble, núm. 26, 1997, cuando dice: "sólo en Toro salvaje el cine de Scorsese - y Schrader también en este caso- alcanza la paz espiritual, y lo hace mediante un itinerario en cierto modo inverso al de Taxi Driver: el film no termina con una explosión de violencia, sino con el protagonista en una celda completamente solo, súbitamente enfrentado a la verdad de su existencia" (p. 57).

La clave de la película es, sin duda, el encuentro del hombre consigo mismo, por ello, se mira al espejo, mientras interpreta las palabras de Brando y Rod Steiger en La ley del silencio, porque ya ha encontrado un rostro, después del calvario que ha vivido durante sus años de boxeador, al regentar el club, pese a que ello le lleva a una denuncia por contratar a una menor de edad y acaba en la cárcel, sabe que ahora es un hombre de verdad, porque, pese a lo triste de aquel club y el abucheo de la gente, ahora ya no tiene que pegar o ser pegado, ahora es el hombre que se interpreta a sí mismo, para vivir una vida sin violencia, donde, por fin, encuentre la paz espiritual que tanto necesitaba.

Toro salvaje fue un rotundo éxito de público y está considerada por los críticos una de las mejores películas de la historia, porque, más allá del boxeo, está la historia de un hombre que no ha sabido comunicarse, un solitario que, debido a su ignorancia y a su primitivismo, ha sufrido la peor de las derrotas, la soledad. Pocas películas de Scorsese nos dejan tan heridos como esta cinta de enorme impacto emocional para cualquiera de los espectadores del buen cine, con ese aire clásico que nos transmite la historia, ese clasicismo que Scorsese heredó en muchas sesiones de cine en su juventud y que le convierte en un director fundamental en el cine moderno.(2)

Jake La Motta (Robert De Niro) es un joven boxeador de peso medio que busca convertirse en el número uno de su categoría. Muy hábil y con aspectos un poco sadomasoquistas. Logra ese título con mucha dificultad y en sus finales de carrera, debido a su enemistad con parte del jurado y de los sectores administrativos del campeonato. Todo esto acompañado de su manager y hermano Joey La Motta (Joe Pesci). Jake es un personaje de lo menos habitual, celoso, y duro con sus mujeres, aunque a la vez romántico y capaz de enamorar a la más guapa. Y esta se casó con él. Vickie (Cathy Moriarty) era la chica más apreciada del lugar, y se terminó enamorando de Jake. El título de campeón de los pesos medios no le causó más que desgracias a Jake, pues desde ese instante la película muestra como va destrozándose, a si mismo, la vida por momentos.

Basada en hechos reales, está película busca mostrar la curiosa vida del ya fallecido, Jake La Motta. Basada, a la vez, en su libro, Raging Bull: My Story. Increíble película que te mantiene dentro de ella constantemente. Con una actuación brillante, una de las mejores interpretaciones jamás hechas la del actor Robert De Niro. Joe Pesci con un papel menos destacado lo realiza a la perfección, lo que le alza a la fama.

Aunque en esta época el cine en color ya era más que existente, Martin Scorsese decide que la película sea en blanco y negro, lo que le da una esencia espectacular. La película termia citando la famosa escena de la parte trasera del coche de La Ley del Silencio, y un versículo de la Biblia que a la perfección explica la moraleja, o la simple esencia de la película. Es una de las pelíclas más valoradas, y para muchas instituciones está entre las 10 mejores películas.(3)

Hace unos días se informó de que el director Martin Guigui tiene previsto comenzar el rodaje de "Raging Bull II" en junio, con William Forsythe interpretando a un viejo Jake La Motta, el personaje que Robert De Niro interpretó en la película original. "Raging Bull II" se considera tanto una precuela y una secuela, ya que se llevará a cabo tanto antes como después de la versión de Martin Scorsese

La revista GQ ahora se puso a la par con Scorsese para obtener su opinión sobre la nueva película. "Al final de 'Raging Bull,' [Jake La Motta se] mira en un espejo y él está cómodo con sí mismo, hasta cierto punto," explicó. "Él no está luchando, él no está golpeándose. Eso es todo. Por lo tanto, no sé a dónde van a ir. Realmente no sé qué 'Raging Bull II' sería."

Scorsese llegó a confirmar que él no está involucrado en "Raging Bull II," afirmando: "Creo que dijimos lo que teníamos que decir en ese momento. Todos seguimos hacia delante(4)."(4)

DATOS DE INTERÉS

• Robert De Niro ganó alrededor de 27 kilos (60 libras) para su personaje de Jake La Motta, marcando así un récord. Pero este fue roto algunos años después por Vincent D'Onofrio, quien ganó un poco más de 30 kilos (70 libras) para actuar en la película Full Metal Jacket.

• El director, Martin Scorsese hace un cameo, siendo la persona que en la escena final le dice a Jake La Motta que vaya al escenario.

• Robert De Niro accidentalmente le rompió una costilla a Joe Pesci en una escena de pelea.

• Para sentir la hermandad entre los actores principales, Robert De Niro y Joe Pesci vivieron y entrenaron juntos por un tiempo antes de las filmaciones. Desde entonces, ambos son amigos cercanos.

• Fue votada por ESPN como la tercer Mejor Película de deportes, siguiendo a Rocky y Bull Durham, respectivamente.

• El rol de la esposa de Jake La Motta fue el último en ser audicionado.

• La actuación de Robert De Niro como Jake La Motta fue ubicada en el puesto #10 de las "100 mejores actuaciones de todos los tiempos" de la revista Premiere.

• Sharon Stone audicionó para el rol de Vicki La Motta.

• Fue votada como la 5ta Mejor Película de todos los tiempos por Entertainment Weekly.

• La palabra fuck es usada 114 veces.

• Robert De Niro y Joe Pesci realmente se están golpeando en la famosa escena de pégame.

• Quedó clasificada en la posición nº 4 de en la lista de las "100 Mejores Películas" hecha por el American Film Institute.

• En otro ranking hecho también por el American Film Institute fue posicionado nº 1 en la lista de las "10 Mejores Películas en el Género de Deportes".

• Para que se viera mejor en una película en blanco y negro, el chocolate Hershey's fue usado como sangre.

• Según el director, Martin Scorsese, solo le tomó dos semanas en escribir el guion en la isla de San Martín en el Mar Caribe.

• Esta posicionada en el puesto #73 de la lista de las "250 Mejores Películas de todos los tiempos" en la web IMDB , con una puntuaciòn de 8.3/10.

• John Turturro sale durante unos segundos, en la escena en la que La Motta habla con unos comensales en un restaurante.

• En el doblaje a castellano participó el periodista José Félix Pons (5)

CITAS:

1.- http://es.wikipedia.org/wiki/Toro_salvaje

2.- http://www.cinecritic.biz/es/index.php?option=com_content&view=article&id=342

3.- http://carlos-elbuencine.blogspot.com/2011/04/toro-salvaje.html

4.- http://www.peliblog.com/2012/04/08/martin-scorsese-habla-sobre-raging-bull-ii/#ixzz1uqhWqqTW

5.- http://es.wikipedia.org/wiki/Toro_salvaje