DISTRITO 9

1. NEIL BLOMKAMP

Neil Blomkamp (nacido el 17 de septiembre de 1979) es un cineasta proveniente del África del Sur y Canadá, hace su primera película como director, llegando del mundo de la  publicidad. Blomkamp utiliza un estilo documental, con cámaras de mano,técnica cinéma vérité, mezclando naturaleza y foto realista generada por efectos de ordenador. És conocido como el escritor y director de la aclamada Distrito 9, su único largometraje hasta la fecha.

Blomkamp nació en Johannesburgo, Sudáfrica. A los 16 años comenzó a trabajar como animador para Deadtime en Sharlto Copley. Su familia se mudó a Vancouver , cuando tenía 18 años , donde se matriculó en la Escuela de Cine de Vancouver . En 2003, Blomkamp fue contratado para ilustrar fotos  reales  de futuros aviones para "Siguiente siglo de Popular Science en la aviación" y en 2004 fue contratado para ilustrar "El futuro del automóvil". Blomkamp trabajó como artista de efectos visuales en la Embajada de Efectos Visuales en Vancouver, así como de Efectos Digitales Rainmaker

En 2007, Blomkamp dirigió una trilogía de acción en vivo de cortometrajes (conocidos colectivamente como Recalada) colocada en el universo Halo, para promocionar el lanzamiento de Halo 3 . En 2008, Halo: Combat Evolved, el primero de los tres tramos, ganó el Cannes Lions 2008 - Leones de Cine de Gran Premio.(1)

2.- FILMOGRAFÍA

LARGOMETRAJES

• District 9 (2009) (escritor, director)

• Elysium (2011) (escritor, director)

CORTOMETRAJES

• Tetra Vaal (2004) (director, visual FX)

• Alive in Joburg (2005) (director, visual FX)

• Yellow (2006) (director, visual FX)

• Tempbot (2006) (director)

• Halo: Landfall (2007) (director)


COMERCIALES

• Nike - Crab (2003)[11] / Evolution (2004)

• Citroën C4 - Alive with technology (2004)

• Gatorade - Rain (2006)



3. DISTRITO 9

El film está ambientado en Johannesburgo en el 2010, casi 30 años después de la llegada de una nave alienígena a la ciudad sudafricana. Tras más de dos décadas desde el primer contacto, los extraterrestres conviven con humanos pero han sido relocalizados en una especie de gheto, el Distrito 9.

La historia se basa y se expande a partir de un cortometraje de Blomkamp del 2005, Alive In Joburg (Vivo en Johannesburgo).

4. SINOPSIS

Treinta años atrás tuvo lugar el primer contacto con extraterrestres. Los humanos esperaban ya fuera, un ataque o grandes avances tecnológicos, pero no ocurrió ni lo uno, ni lo otro, los extraterrestres eran en realidad refugiados, los últimos supervivientes de su mundo. A las criaturas se les alojo en un hogar provisional en el distrito 9 de África del sur, mientras las naciones del mundo es ponían de acuerdo en que hacer con ellas. Ahora la paciencia está por terminarse. El control de los alienígenas se ha cedido a Multi-National United (MNU), una compañía privada que no está interesada en el bienestar de los visitantes, en su lugar, si logra hacer funcionar el armamento extraterrestre, tendrán grandes beneficios. Hasta el día de hoy no han tenido éxito, ya que se necesita ADN extraterrestre para activarlas. La tensión entre humanos y alienígenas alcanza cotas elevadas cuando un agente de la MNU Wikus van der Merwe (interpretado por Sharlto Copley) contrae un virus que comienza a alterar su ADN. De inmediato Wikus se transforma en el hombre más buscado del planeta, así como el más valioso, él es la llave para desvelar los secretos de la tecnología de los extraterrestres. Sin amigos y condenado al ostracismo, sólo le queda un lugar para esconderse: Distrito 9. (2)

 
5.- FICHA TÉCNICA

Título: District 9

Año: 2009

Duración: 111 minutos

País: Nueva Zelanda / Sudáfrica

Director: Neill Blomkamp

Reparto: Jason Cope, Sharlto Copley, David James, Vanessa Haywood, Mandla Gaduka, Kenneth Nkosi, Eugene Khumbanyiwa, Louis Minnaar, William Allen Young

Guión: Neill Blomkamp y Terri Tatchell

Música: Clinton Shorter

Fotografía: Trent Opaloch

Producción: Wingnut Films / Key Creatives / QED International / Sony Pictures / Tristar

6. PREMIOS:

Candidata a Premios Oscar Año 2009

• Mejor Película

• Mejor Guión Adaptado

• Mejores Efectos Visuales

• Mejor Montaje


Candidata a Premios BAFTA Año 2009

• Mejor Director

• Mejor Guión Adaptado

• Mejor Fotografía

• Mejor Diseño de Producción

• Mejor Sonido

• Mejores Efectos Visuales

• Mejor Montaje

Candidata a Globos de Oro Año 2010

• Mejor Guión

7. ARGUMENTO

La película comienza como si se tratara de un documental. De esta forma, el espectador se entera de que una gigantesca nave alienígena llegó a la Tierra 28 años antes y quedó suspendida e inmóvil sobre Johannesburgo, en Sudáfrica. Tras varios meses sin que se observara movimiento, los humanos cortan la coraza de la nave para acceder al interior, allí encuentran un millón de alienígenas desorientados y desnutridos. Al principio los extraterrestres vagan por la ciudad revolviendo en la basura y tomando lo que necesitan, pero la gente se queja y logra que los mantengan en un área llamada Distrito 9. Los bichos, como los llama despectivamente la gente, toman gusto por la comida para gatos y tienen que vérselas con un grupo nativo de traficantes de armas que se las vende a cambio de armas alienígenas. Surgen también enfrentamientos entre alienígenas y nativos, y en general, existe un clima antialien que recuerda a los tiempos del apartheid. Los expertos también explican que la nave nodriza carece de su módulo de control, por lo que es imposible moverla, y que los alienígenas deben ser posiblemente obreros, desorientados por la ausencia de sus líderes. Aunque en principio el traslado al Distrito 9 iba a ser temporal, las naciones no se han puesto de acuerdo sobre qué hacer con ellos. Cuando el control de las criaturas pasa a la Multi-National United (MNU), una compañía privada, el interés se centra en manejar su armamento, sólo operable con ADNalienígena.

Un empleado de MNU, Wikus van de Merwe, yerno de uno de los directivos de la MNU, es el encargado de llevar a cabo una operación de desalojo de los 1,8 millones de habitantes del Distrito 9 para trasladarlos a un nuevo campo situado a decenas de kilómetros de Johanesburgo, pero un evento inesperado toma lugar: la exposición de Wikus a un fluido alienígena, que provoca que empiece a mutar a un estado alienígena, truncará el desarrollo normal de ésta.

Van de Merwe es el responsable de campo de la MNU y tiene el mando de la reubicación, que comienza entregando las notificaciones de desalojo el 9 de agosto de 2010. Durante el proceso de notificación, se muestra a un grupo de alienígenas destilando un líquido de una pieza de tecnología alienígena en un pequeño tubo de metal. Durante uno de los registros a los refugios de los alienígenas, Wikus descubre y confisca el contenedor, rociando accidentalmente el fluido en su cara. Uno de los alienígenas que estaba destilando el fluido (llamadoChristopher Johnson por la MNU) cuestiona la legalidad del desalojo y se niega a firmar la notificación. Sin embargo, amenazado por Wikus y sus escoltas armados de la MNU firma finalmente. Esa noche, Wikus regresa a su casa donde le espera una fiesta sorpresa para celebrar su ascenso. Sin embargo, el malestar que ha ido sufriendo durante el día (durante el registro en el que encontró el contenedor del fluido, que aún está en su chaqueta, hubo un enfrentamiento con un alienígena y Wikus resultó herido en la mano, la cual tuvo que ser vendada y puesta en cabestrillo; durante la tarde en la MNU se le habían caído dos uñas de la otra mano) se agrava y es llevado al hospital, donde al retirar los vendajes de la mano izquierda se comprueba que una de sus extremidades ha mutado completamente a alienígena. Ante este evento, miembros de la MNU se lo llevan del hospital, sin contarle nada a su esposa, que ve sin poder intervenir como su marido es llevado a la fuerza a las instalaciones de la MNU, donde es sometido a pruebas de operación de las armas alienígenas. Se le encuentra también el tubo con el fluido extraterrestre. Tras descubrir que Wikus puede disparar las armas debido a su ADN alienígena, los directivos de la MNU, entre los que se encuentra Piet Smit, el suegro de Wikus, deciden utilizar a Wikus con fines genéticos, intentando replicar sus habilidades para operar armas, ya que estas sólo son utilizables por el ADN de los alienígenas. Sin embargo, Wikus usa su nueva fuerza para reducir a sus captores y escapar.

Convertido en fugitivo, Wikus se las arregla para llegar de nuevo al Distrito 9 y vuelve al refugio de Christopher. La MNU propaga la historia de que Wikus tiene una infección fruto de haber tenido relaciones sexuales con alienígenas. En el trayecto, llama varias veces a su esposa, la cual, ante las historias inventadas por la MNU, le pide a Wikus que deje de llamarla. Ambos hablan una última vez, a iniciativa de Tania, pero se trataba de una trampa del padre de Tania para poder localizar el teléfono móvil desde el que habla Wikus.

Mientras tanto, en el refugio de Christopher, éste revela que el tubo que Wikus confiscó contiene un fluido que le permitiría poner en funcionamiento el módulo de control, que se halla bajo su refugio, acceder con él a la nave nodriza y dejar la Tierra. Tras el descubrimiento, Christopher acuerda con Wikus revertir su transformación genética si él le devuelve el tubo de fluido. Wikus acepta, y trata de comprar armas a la mafia nigeriana que domina el tráfico de drogas en el Distrito 9. Su cabecilla, Obesandjo, paralizado de cintura para abajo, al darse cuenta de la transformación que está sufriendo Wikus no sólo no le vende armas, sino que lo captura, creyendo que podría adquirir la habilidad de operar las armas alienígenas comiendo el brazo alienígena de Wikus. A punto de perder su brazo, Wikus se las arregla para tomar en sus manos un arma alienígena, matando con ella rápidamente a muchos de sus captores, y escapando con más armas extraterrestres.

Con las armas capturadas, Wikus y Christopher entran de forma violenta en las oficinas de la MNU y, tras acceder al Laboratorio de Biotecnología, consiguen recuperar el tubo de fluido. Tras un violento combate con tropas de la MNU, ambos se las arreglan para escapar y volver de nuevo al Distrito 9. Sin embargo, en medio de la lucha, Christopher se da cuenta de que la MNU estaba realizando experimentos en el Laboratorio sobre miembros de su especie, por lo que al volver al Distrito 9 le comunica a Wikus que ha cambiado de opinión y que antes de ayudarlo volverá a su planeta para conseguir ayuda para su pueblo, lo que calcula le tomará tres años. Frustrado por el cambio de opinión de Christopher, Wikus le golpea y le deja inconsciente, arrancando el módulo de control con la ayuda del hijo de Christopher. Sin embargo, poco después del despegue, la nave es derrivada por unas defensas antiaéreas de la MNU, cayendo a tierra sin uno de sus motores.

Las fuerzas de la MNU toman prisioneros a Wikus y Christopher pero la banda de Obesandjo les tiende una emboscada. Los nigerianos capturan de nuevo a Wikus y se preparan para servirle de nuevo el brazo mutante de Wikus a Obesandjo. Desde el módulo de control derribado, el hijo de Christopher se las arregla para activar la nave nodriza y un traje de combate mecanizado que mata a Obesandjo y sus hombres. Wikus entonces se introduce en el traje y libera a Christopher de los mercenarios de la MNU, permitiéndole volver al módulo de control. Christopher le promete a Wikus que volverá para revertir su transformación antes de volver a la nave nodriza. Muy malherido y en un estado de mutación mucho más avanzado, Wikus sale del traje de combate, sólo para verse encañonado por Koobus Venter, el capitán y único superviviente del batallón de la MNU. Afortunadamente para Wikus, antes de que Venter pueda matarlo, un grupo de alienígenas lo ataca, lo descuartizan, y se lo comen.

Por su parte, Christopher activa la nave nodriza lo que provoca el júbilo de los habitantes de Johanesburgo. A continuación, la película muestra una serie de entrevistas y noticieros televisivos que proporcionan diversas opiniones sobre los acontecimientos. Los alienígenas son reubicados con éxito en el Distrito 10 y ascienden a 2.5 millones y creciendo. Los experimentos ilegales con extraterrestres llevados a cabo por la MNU son hechos públicos por uno de los ayudantes de Wikus, lo que le lleva a la cárcel. Algunos de los entrevistados teorizan sobre el destino de Wikus, mientras que otros proporcionan hipótesis sobre el futuro retorno de Christopher Johnson por los refugiados o incluso con que declare la guerra a la humanidad.

En una de las entrevistas, Tania revela que ha encontrado una pequeña flor de metal en el umbral de su puerta y que gracias a ello piensa que su marido está vivo todavía. La última secuencia muestra a Wikus totalmente transformado en alienígena haciendo una flor de metal en un estercolero. (3)

8. COMENTARIOS

Como Alive in Joburg, el cortometraje en el que la película se basa, la creación del Distrito 9 se inspira en los acontecimientos históricos que tuvieron lugar en Sudáfrica durante el era del apartheid, con el título del filme hace referencia a todo el Distrito Seis. Distrito Seis, una zona de la ciudad residencial en Ciudad del Cabo, fue declarado "blancos" en la zona por el gobierno en 1966, con 60.000 personas desplazados por la fuerza y trasladados a Cabo Flats, 25 km (15 millas) de distancia. La película también hace referencia a los desalojos y desplazamientos forzados contemporánea a los nuevos ghetos en el post-apartheid de Sudáfrica y la resistencia de los residentes. El área de reubicación temporal llamado Blikkiesdorp también ha sido comparado con el campamento del Distrito 9 a través del Daily Voice

Temas de racismo y la xenofobia son presentadas por la película, en forma de especismo, que le aplica a los alienígenas. El "especismo" se manifiesta a través de la palabra "langostino" para describir a los alienígenas, siendo una referencia para el langostino Parktown, una especie de rey cricket considerado una plaga en Sudáfrica. Sin embargo, el actor Sharlo Copley dijo que esto no era el foco principal en la obra, y que incluso se podría perder, pero seguiría trabajando a un nivel subconsciente.

Un tema subyacente en Distrito 9 es la dependencia estatal sobre las empresas multinacionales como un tipo de gobierno privado y militar, una referencia a Blackwater Worldwide y KBR/Halliburton, en los Estados Unidos, como empresas militares privadas. Como MNU representa el tipo de sociedad que se asocia con los gobiernos, el retrato negativo de MNU en la película puede ser vista como una declaración acerca de los peligros de los gobiernos de la externalización de sus ejércitos y las burocracias a contratistas privados.(4)

Cuando una nave alienígena llega a Johannesburgo (Sudáfrica), los humanos no dan una muy buena bienvenida a sus ocupantes, destinándolos a vivir en condiciones penosas como refugiados,en una especie de campo de concentración construido en las afueras de la ciudad.

20 años después, los extraterrestres siguen en el District 9 y mientras que las naciones deciden que hacer con esta situación, se plantea la posibilidad de transladarlos a otra zona donde estarán mejor atendidos… y vigilados.

Posiblemente una de las mejores películas que he visto en lo que llevo de año y sin duda una gran novedad en el género de la ciencia ficción extraterrestre, tan poco visto últimamente. Dirigida por el debutante Neill Blomkamp, en el que Peter Jackson (Trilogía de “El señor de los anillos”) ha puesto toda su confianza, “Distrito 9” cuenta con una gran dosis de acción, drama, efectos especiales,… y todo gracias a un presupuesto administrado de una manera excelente.

Lo mejor y más valorable de la cinta es la increíble ambientación realista que nos lleva a plantearnos la verdadera posibilidad de llegar a esa situación si las circunstancias fueran propicias. Además, ese protagonista antihéroe, Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley), tan real como cualquiera de nosotros y que va madurando durante toda la película hasta convertirse en un superhéroe sin precedente, bien podría acabar de hacer una de las mejores interpretaciones del año, tanto cómica y como dramática.

Una buena definición para “District 9” sería su coherencia, seriedad y la poca sensación de fantasía que transmite al tratarse de un género que siempre abusa de los efectos especiales y de los increíbles escenarios. Además, esa profundización en el tema la xenofobia, el “apartheid” y la marginación por el miedo a lo desconocido, te hacen plantearte muchas cosas, sobre todo durante el rato en el que la película está rodada como un documental (cámara en mano tipo “REC”). Realmente acojonante.

Lo mejor: Que sea tan perfecta y magistral en todos los campos.

Lo peor: Tengo miedo a la posibilidad de una saga. Los que veáis la cinta entenderéis por qué digo ésto.

Como véis, no he desvelado nada de la trama principal, esperando que así os pique el gusanillo y vayáis a verla sin conocimiento, como yo, que no había visto ni el tráiler. ¡Ah!, y si la véis en versión original, pues mejor que mejor.(5)

Estás son algunas de las críticas de Distrito 9 en Estados Unidos, de las principales publicaciones traducidas del inglés.

Hollywood: Una original película de ciencia ficción que te atrapa inmediatamente, no dejándote escapar hasta el último segundo.

Variety: Esta terriblemente absorbente ficción especulativa lleva las huellas salpicadas de sangre de Jackson, pero también anuncia al director Neill Blomkamp con un diestro talento que merece la pena seguir

Bloody Disgusting: Distrito 9 es sin lugar a dudas la mejor película del verano, y ha conseguido que vuelva a amar el cine de nuevo. Engancha, es explosiva, no deja de impresionar ni un sólo momento – Como las grandes películas de verano deberían ser. (6)

Distrito 9 es toda una experiencia que no defrauda en el guión y, a pesar de las reticencias iniciales, deja momentos memorables para los amantes de efectos especiales.

El peso del relato cae sobre los hombros de un héroe atípico, Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley), un hombre feliz e ingenuo que acaba sumido en una pesadilla con pocas expectativas de acabar bien.

La película concluye con muchas preguntas aún en el aire, cuestiones que no desestabilizan el argumento pero que requieren una respuesta clara. Quizá es por eso por lo que el final parece tan abierto, para permitir una segunda parte, aunque hubiese sido de agradecer alguna explicación más sobre la extraña raza de extraterrestres devoradores de comida para gatos, capaces de atravesar el universo e inútiles a la hora de organizar ni tan siquiera un campamento de verano.(7)

Una de las mejores propuestas de género de los últimos años, capaz de sorprender al tiempo que carga con furor contra los abusos de poder de los gobiernos que actúan en base a intereses creados. De visión obligada.

Hace veinte años se despejaron todas las dudas acerca de si estábamos o no solos en el Universo, cuando una gigantesca nave espacial se posó sobre Johannesburgo sin mostrar ningún signo de hostilidad o actividad de cualquier tipo. Cuando las autoridades de la Tierra decidieron acceder al interior, encontraron a una tripulación desvalida e indefensa, que fue realojada a las afueras de la ciudad sudafricana. “District 9” nace de “Alive in Joburg”, corto filmado en 2005 por Neill Blomkamp en una experiencia similar a la que tuviera Ellory Elkayem con “Larger tan life” (1997) y la posterior “Arac attack” (2002); ahora falta comprobar si el talento que ha demostrado Blomkamp con este espectacular debut cinematográfico perdura parece que va a ser así, o acaba defenestrado como su colega, que poco ha logrado más allá de dos secuelas nefastas e innecesarias de la saga de “El retorno de los muertos vivientes”

Ciencia ficción, acción, drama, comedia y thriller se dan la mano en una propuesta que aprovecha al máximo los recursos a su alcance, un proyecto en el que el cineasta carga con fuerza contra nuestra convulsa realidad desde un prisma cáustico que arranca con disposiciones de tendencias documentalistas para derivar posteriormente en una aventura por la supervivencia de su protagonista (fantástico Sharlto Copey), en la que los poderes de facto terráqueos son peligrosamente similares a los que comandan nuestros destinos desde tiempos inmemoriales. El abuso de poder, los intereses económicos en torno a la investigación científica y militar, la utilización de grupúsculos mercenarios para defender inversiones privadas… todo ello contemplado desde la hiperrealista recreación de un verdadero gueto en el que los visitantes ─ forzosos, otro bofetón a nuestras conciencias que convierte la nave espacial en una suerte de patera descomunal ─ malviven hacinados en un vertedero social repleto de drogas, prostitución y demás lindezas regaladas por el progreso industrial

“District 9” consigue ser original y feroz a partes iguales, difuminando su mensaje a través de la aguda comicidad que regala la figura principal, en principio un perdedor histriónico y exagerado que va evolucionando por dentro y por fuera en una progresión que le llevará a replantearse los valores que mueven su existencia, reconociendo la igualdad en la diferencia y abriendo su percepción para aceptar al otro con el respeto que cualquier vida merece. Una proclama pacificadora vestida de divertimento palomitero inteligente y perspicaz, acertadamente situado en un punto neurálgico del Tercer Mundo que aporta un mayor interés por su “exotismo” de cara a la taquilla planetaria, hastiada de que toda aparición intergaláctica tenga lugar en las principales urbes norteamericanas. A pesar de que el guión abre múltiples interrogantes que no acaban de encontrar respuesta en ningún momento ─principalmente centrados en la extraña naturaleza de los caóticos alienígenas─, el dinamismo general y las referencias fácilmente identificables a infinidad de títulos de género recientes y pasados hacen de la cinta uno de los aciertos más frescos y agradables de los últimos años, destinada con total seguridad a convertirse en clásico de modo casi inmediato. (8)

Auspiciado por el ubicuo Peter Jackson, el director Neill Blomkam expande en District 9 una idea que ya plasmara en su cortometraje “Alive in Joburg” . Más allá de la evidente analogía con el apartheid africano, este relato de ciencia ficción sobre unos extraterrestres confinados en un gheto en sudáfrica trae renovados aires al género de la ciencia ficción.

Rodada a la manera de falso documental, Distrito 9 parte de una premisa sorprendente, pero sin renunciar a lugares comunes del género (títulos como La Mosca o Robocop nos vienen rápidamente a la mente.

Lo verdaderamente importante de esta película no está en sus bienintencionados subtextos, sino en su espíritu de serie B en el mejor y más divertido sentido de la palabra, sin prejucios ni complejos. Un título al que hay que aproximarse de igual manera, con la mente abierta y listos para disfrutar

Lo mejor: Su espiritu de la mejor serie B

Lo peor: Que muchos se la tomarán demasiado en serio(9)

Fantástica y sorprendente, está llamada a ser una de las mejores películas dentro de la ciencia ficción, es más, podríamos introducirla en el top ten de este género. Fantástica por el gran trabajo de los guionistas de adaptar una peculiar historia y así engancharnos poco a poco hasta convencernos de que ha merecido la pena el visionado. Y es que su línea argumental va de menos a más, sigue una ascendencia total en toda regla. Sorprendente por el hecho de que no se le escapa nada, ni un solo detalle a esta nueva maravilla. No sabes que puede pasar, que puede ocurrir en sus constantes giros argumentales. Tiene todo tipo de sustancia ficcionalista para disfrutar de su contenido al máximo.

Buena dirección por parte del debutante Neill Blomkamp utilizando el buen uso de las cámaras proporcionando buenas secuencias desde sus ángulos mejor imposible. Unos efectos visuales poderosos. Y que decir de su historia, a pesar del tema que se nos presenta con los alienígenas ocupando la tierra y definiéndose como una sociedad apartada, me atrevo a decir con voz alta que esta película es realmente humana. En definitiva, un más que notable trabajo por parte del equipo técnico sin olvidarnos de su música tan bien adaptada. Y es que cuando todo funciona solo queda queda sobrevalorar el gran trabajo que hay detrás.(10)

9. CITAS

1.- http://es.wikipedia.org/wiki/Blomkamp

2.- http://jifffilm.blogspot.com/2009/07/distrito-9-sinopsis.html

3.- http://es.wikipedia.org/wiki/District_9

4.- http://es.wikipedia.org/wiki/District_9

5.- http://www.cinepalomitas.com/2009/09/11/critica-de-distrito-9/

6.- http://artecg.com/cine-tv/criticas/criticas-distrito-9/

7.- http://www.muchocine.net/criticas/10470/Distrito-9

8.- http://opinion.labutaca.net/2009/08/24/distrito-9-in-the-ghetto/
9.- http://www.criticascine.com/district-9-distrito-critica-de-cine.html

10.- http://www.google.es/imgres?imgurl=http://2.bp.blogspot.com

7.- http://www.criticascine.com/district-9-distrito-critica-de-cine.html


8.- http://www.google.es/imgres?imgurl=http://2.bp.blogspot.com

SHERLOCK HOLMES

1 SHERLOCK HOLMES

Sherlock Holmes, que en un principio Doyle tenía previsto llamar Sherrinford, es un detective privado, alto, delgado, frío, irónico, ingenioso e intelectualmente inquieto. Watson le describe físicamente del siguiente modo al poco de conocerse:

Su estatura sobrepasaba los seis pies, y era tan extraordinariamente enjuto, que producía la impresión de ser aún más alto. Tenía la mirada aguda y penetrante, [...] y su nariz, fina y aguileña, daba al conjunto de sus facciones un aire de viveza y de resolución.

1.1 Biografía

Ateniéndonos a las pautas de textos de Doyle, Sherlock Holmes nació el 6 de enero de 1854. Su padre era un hacendado inglés y su madre descendía de una estirpe de pintores franceses. Tiene un hermano, Mycroft, que gracias a las portentosas facultades para gestionar ingentes cantidades de información que posee, trabaja casi anónimamente como coordinador general e informador interno de los asuntos del gobierno británico.

Sherlock Holmes parece haber sido un estudiante en la universidad, probablemente la de Oxford, pero sin duda no Cambridge. Tras su graduación, se aloja cerca del Museo Británico para poder estudiar las ciencias necesarias para el desarrollo de su carrera posterior. Conoce a Watson en 1881, en el Hospital Saint Bartholomew. Rehúsa el título de sir, pero acepta la Legión de honor.

Su gran enemigo, también de extraordinarias facultades intelectuales, es el profesor Moriarty, quien llegó a acabar aparentemente con la vida del eminente detective en la cascada de Reichenbach, Suiza (La aventura del problema final). Doyle tuvo que optar por resucitar a su héroe cuando miles de lectores protestaron llevando crespones negros en el sombrero en señal de luto. Sherlock Holmes reaparece en el caso La casa vacía (La reaparición de Sherlock Holmes, 1903).

Tras una carrera de 23 años, de los que Watson compartió 17 con él, Holmes se retiró a Sussex, donde se dedicó a la apicultura, y llegó a escribir un libro titulado Manual de apicultura, con algunas observaciones sobre la separación de la reina, y también, casi casualmente, resolvió uno de sus casos más complicados: "La aventura de la melena del león" (1907). Posteriormente a su jubilación como detective se dedicó dos años a preparar concienzudamente una importante acción de contraespionaje poco antes del inicio de la Primera Guerra Mundial. Nada más consta sobre él a partir de 1914.(1)

  

Estatua de Sherlock Holmes en Picardy Place

en Edinburgo, lugar de nacimiento de Conan Doyle.

2.- GUY RITCHIE

 Guy Ritchie (n. Hatfield, Hertfordshire, Inglaterra, 10 de septiembre de 1968) es un director de cine británico.

2.1 Biografía

Es el hijo pequeño de los dos que tuvieron John Vivian Ritchie y Amber Parkinson. Además tiene un hermano mayor (solo comparten madre), hijo que tuvo su madre cuando era adolescente. Dejó la Stanbridge Earls School a los 15 años, uno de los centros más importantes de Reino Unido especialistas en dislexia, problema que tiene Guy Ritchie desde siempre.

Guy Ritchie debutó en 1995 con el corto The Hard Case a la que siguió su primer largo Lock, Stock and Two Smoking Barrels (Juegos, trampas y dos pistolas humeantes) en 1998 la que se convertiría en una película de culto y creara una fiel legión de seguidores del director inglés. La película fue aclamada por su ingenio y puso de manifiesto su particular estilo de dirigir, con repartos corales y varias tramas que acaban entrelazándose. En Lock & Stock, le dio la oportunidad de salir en la gran pantalla al actor Jason Statham y al ex futbolista Vinnie Jones, quien a partir de ahí comenzó una fructífera carrera artística.

 Snatch, cerdos y diamantes en 2000 fue sin duda otro gran éxito y quizás la película que hizo despegar la carrera de Guy Ritchie a nivel internacional. Gran parte de ello se debe a Columbia Tri Star, la compañía que apoyó el proyecto económicamente y le dio una distribución digna de cualquier película de Hollywood. Por este gran apoyo, la película tuvo un amplio elenco de artistas entre los que destacan Brad Pitt, Benicio del Toro y Dennis Farina además de sus actores fetiches, Jason Statham , Vinnie Jones y Mark Strong.

Después de su matrimonio con Madonna, Ritchie comenzó a enfocarse en hacer filmes en torno a su famosa esposa, dirigiéndola en un video musical para la canción What It Feels Like for a Girl, controvertido porque mostraba a Madonna en actos violentos como atropellar gente con el coche. También la dirigió en el cortometraje Star, para la popular serie de filmes de BMW. Su siguiente trabajo, en el que incluyó a Madonna, fue un remake de la exitosa película de Lina Wertmüller de los años 1960 Swept Away (traducido en España como Barridos por la marea). Fue un fracaso de crítica y público, lo que significó un borrón en la carrera de Ritchie.

Su siguiente film fue Revolver, que fue tan aclamado como vapuleado.

Luego filmó RocknRolla, que ha vuelto a ser todo un éxito de crítica y público, volviendo al estilo de sus películas con un reparto coral, conformado en esta ocasión por Gerard Butler, Tom Hardy, Jeremy Piven, Thandie Newton o Tom Wilkinson entre otros y con varias tramas que se van sucediendo hasta que convergen.

 Su última película, Sherlock Holmes, se estrenó en diciembre de 2009 en Estados Unidos. Robert Downey Jr. y Jude Law dan vida a Sherlock Holmes y al Dr. Watson respectivamente.

En el año 2000, se casó con la estrella del pop Madonna, en Escocia. Tan solo nueve meses después nació su único hijo biológico, Rocco. En 2008, Madonna viajó a Malawi para adoptar al pequeño David.

Unas semanas más tarde, después de traerse a David, los portavoces de Guy y Madonna anunciaron su separación tras 8 años de matrimonio, ya que "eran incapaces de estar bajo el mismo techo". La batalla legal comenzó, no solo por los patrimonios de ambos (Guy Ritchie consiguió 50 millones de libras) sino por la custodia de sus dos hijos, Rocco y David. Meses más tarde, se dictó sentencia y ambos niños tendrán que vivir la mitad del año con su madre en Nueva York y la otra mitad con su padre en Londres.(2)

2.2 Filmografía

• 1995 The Hard Case
• 1998 Lock, Stock and Two Smoking Barrels
• 2000 Snatch: cerdos y diamantes
• 2001 The Hire: Star
• 2002 Swept Away
• 2005 Revolver
• 2008 Suspect
• 2008 RocknRolla
• 2009 Sherlock Holmes

 3 Sherlock Holmes

Sherlock Holmes es una película estadounidense del año 2009, dirigida por Guy Ritchie y protagonizada por Robert Downey Jr.

3.1 SINOPSIS

Sherlock Holmes debe enfrentarse a un nuevo enemigo, Lord Blackwood, y para ello cuenta con la ayuda de su fiel ayudante, el Dr. Watson, y de la bella Irene Alder, la única mujer que ha sido capaz de derrotarlo(3).

  

3.2 FICHA TÉCNICA

 Título Sherlock Holmes

 Dirección: Guy Ritchie

 Producción; Bruce Berman - Steve Clark-Hall

Guión: Lionel Wigram - Simon Kinberg

Música: Hans Zimmer - y Dominic Gibbs

 Fotografía: Philippe Rousselot

 Montaje: James Herbert

Vestuario .  

Alex Carey, Alison Beard, Anabel Temple, Anthony Brookman, Arlynn Abseck, Brian Lawler, Charlotte Law, Clare Spragge, David Otzen, Helen Ingham, Jane Law Jenny Beavan Jenny Hawkins, Joe Kowalewski, Lora E. Revitt, Martin Mandeville, Nathalie Karni, Rob Brown, Sally Turner, Stephen Miles, Steve O'Sullivan, Sue Bradbear, Vanessa Woolgar, Vivienne Jones

 Reparto

Robert Downey Jr. – Rachel McAdams - Jude Law - Mark Strong - Kelly Reilly

País(es) Reino Unido, Estados Unidos, Australia.

 Año 2009

 Género Acción

Duración 128 min.

Compañías: Productora Silver Pictures - Village Roadshow Pictures - Lin Pictures

Translux - Wigram Productions

 Distribución Warner Bros.

 Presupuesto $90 millones de doláres

 Recaudación $516,767,822 millones de doláres

  

3.3 Argumento

La película empieza con una persecución para encontrar a Lord Blackwood, líder de una secta oscura con poderes inexplicables. Holmes y Watson son los primeros en entrar a la cripta donde Blackwood (Mark Strong) realiza un ritual de sacrificio. El dúo llega a tiempo arrestando a Blackwood y salvando a una chica de manos de este luego de una pelea con los guardianes. Dos meses después, Watson invita a Holmes al Royal para presentarle a su prometida, Mary Morstan (Kelly Reilly); luego de que Holmes pruebe sus habilidades de deducción con ella, Watson y Mary se retiran ofendidos (Holmes descubre que ella estuvo casada por "una franja clara en el centro de su dedo"). Acto seguido, Holmes compite en una lucha contra un profesional al que, a pesar de eso, le propina una paliza. Más tarde, Watson arriva a Baker Street, donde tiene un encontrón con Holmes. Finalmente Holmes despierta al día siguiente acosado por Irene Adler (Rachel McAdams) quien le pide que busque a un pigmeo llamado Reordon. La búsqueda de dicho personaje viene acompañada de una serie de eventos que hacen del caso uno de los más siniestros que el detective londinense haya enfrentado. En primer lugar, Blackwood, después de ser ejecutado, reaparece como espectro, después de abandonar su tumba, en la que encuentran a Reordon en lugar de Blackwood, ademas de esto, Holmes encuentra pistas sobre las acciones de Reordon y el interés de Irene, y sobre todo de Blackwood, en aquel personaje.

Ambos, junto con un vagabundo llamado Tanner, viajan a la fábrica Nine Elms para rendir cuentas con Blackwood, pero caen en una trampa en el matadero, donde deben salvar a Irene, Watson persigue a Blackwood pero la fábrica explota y todos son heridos. Holmes realiza un ritual pagano para descubrir el método del villano, dando así con la conclusión del asesinato de los miembros del Parlamento, es arrestado y llevado donde un traidor estadounidense llamado Coward. Finalmente Holmes escapa con Watson y Adler y pelean contra los matones de Dredger para desactivar el arma oculta en el Parlamento, lo cual muestra una clara analogía con la Conspiración de la Pólvora. El clímax ocurre en Tower Bridge, donde Holmes mata a Blackwood, tras lo que Irene revela para quién trabajaba, el Profesor Moriarty, del cual Holmes ya conocía su profesión.

3.4 Reparto

• Robert Downey Jr. como Sherlock Holmes: Downey se encontraba de visita en las oficinas de Joel Silver con su esposa, la productora de cine Susan Downey, cuando se enteró sobre el proyecto. Ritchie estimó inicialmente que Downey era demasiado viejo para el papel. Sin embargo, Ritchie decidió darle la oportunidad de hacerle el casting en el papel de Holmes, Downey le dijo a la BBC que "creo que Guy y yo vamos a estar bien adaptados para trabajar juntos. Cuanto más miro en los libros, él más fantástico se vuelve. Holmes es un bicho raro."

La esposa de Downey le dijo "Si lees la descripción del personaje - maniático y algo chiflado - podría ser una descripción de tí." La intención de Downey fue la de centrarse más en el lado más patriótico y bohemio de Holmes, y consideró que su trabajo sobre Chaplin lo ha preparado para darle a él un acento Inglés. Ritchie siente que su acento es "impecable". Tanto Downey y Ritchie son los entusiastas de las artes marciales, y han improvisado gran parte de la "baritsu" introducido en el 1901 en The Adventure of the Empty House.

• Jude Law como Dr.Watson: Es el mejor amigo de Holmes y su aliado, cirujano y un veterano de guerra.

• Rachel McAdams como Irene Adler: una mujer fatal de Nueva Jersey que una vez venció a Holmes, que gana a regañadientes su respeto y que mantiene una tempestuosa relación con el detective.

• Mark Strong como Lord Blackwood: El malo de la película. Miembro de una organización.

 • Kelly Reilly como Mary Morstan: Watson desea irse a vivir con ella, causando un conflicto con Holmes.

• Eddie Marsan como Inspector Lestrade

• Hans Matheson como Lord Coward

• James Fox como Sir Thomas

• Robert Stone como Prizefighter

• William Hope como John Standish

• David Garrick como McMurdo

• William Houston como Constable Clark

• Robert Maillet como Dredger

 • Terry Taplin como Groundskeeper(4)

 3.5.- Premios

Óscar

 Año Categoría Película Resultado

2009 Mejor Dirección Artística Sarah Greenwood Katie Spencer Candidato

2009 Mejor Banda Sonora Hans Zimmer Candidato

Globos de Oro

 Año Categoría Película Resultado

2009 Mejor Áctor - Comedia o Musical Robert Downey Jr. Ganador

3.6.- COMENTARIOS

 Sherlock Holmes está protagonizada nada más ni nada menos que por el extraordinario Robert Downey, Jr (Ironman) quien hará el papel de Sherlock, el talentoso Jude Law (Alfie) como el Dr. Watson y Rachel McAdams como Irene Adler. La película está basada en las historias escritas por el británico Arthur Conan Doyle cuya primera publicación la hiciera en 1887.

La producción no ha develado mucho de su presupuesto ni detalles mayores acerca de su trama. Lo que si han recalcado es que será una historia contemporánea con un concepto parecido al de Batmans Begins. Recordemos que ésta no es la primera vez que se lleva al cine esta novela pues tan solo entre 1939 y 1946 se realizaron 13 filmes de recordados títulos como: The House Fear, The Pearl of Death, The Spider Woman y Sherlock Holmes Faces Death.(5)

La nueva adaptación al cine de las aventuras de Sherlock Holmes nace con la intención de crear otra saga que llene de oro las arcas de Hollywood.

Así, ya lleva recaudados sólo en USA 182 millones de dólares, una cifra más que respetable que ha tenido un coste de 90 millones. Además, en el resto del mundo lleva recaudados 131 millones y subiendo, con lo que está garantizado el nacimiento de una nueva franquicia cinematográfica.

De este modo, el director Guy Ritchie aceptó el reto de dirigir la película sobre Sherlock Holmes para quitarse la espina de sus últimos fiascos en taquilla y demostrar que sabe realizar cine palomitero. Sí, porque los que vayan a ver este Sherlock Holmes deben saber que lo que se van a encontrar es puro entretenimiento al estilo made in Hollywood: acción a raudales y buenos efectos visuales.

Aunque con esta película nacerá otra leyenda como la de Batman y Robien pues en esta nueva aventura, Sherlock Holmes y el Dr. Watson parecen algo más que amigos.

Sobre los actores, destacar que Robert Downey Jr. ha vuelto a resucitar, cinematográficamente hablando, y demuestra lo buen actor que es, aunque su personaje no haya por donde cogerlo. Por otro lado, Jude Law cumple en su papel de compañero de aventuras del protagonista.

En fin, la película Sherlock Holmes es la presentación de los protagonistas para que nazca una nueva franquicia donde, posiblemente, al fin veremos la cara del Profesor Moriarty en las próximas secuelas.(6)

La práctica de coger a un personaje, ya sea literario o de cómic, y reinventarlo en una nueva película cinematográfica ha demostrado ser un auténtico filón. A modo de ejemplo, ahí tenemos las fructíferas “Batman Begins” y “El Caballero Oscuro”.

Pues bien, la última apuesta de los estudios Warner Bros. por reinventar a otro viejo conocido nos lleva en esta ocasión a asistir a una reinterpretación del personaje literario más famoso de Arthur Conan Doyle, en una película que lleva simplemente por título “Sherlock Homes”.

Robert Downey Jr., al que muchos recordaréis por su interpretación del héroe de cómic “Iron Man”, es el encargado de ponerse en la piel de Holmes, mientras que el rol del Doctor John Watson recae en otro rostro conocido de Hollywood: Jude Law. Ambos, todo hay que decirlo, resultan perfectamente creíbles en esta reinvención del mito novelesco que llega a los cines hoy mismo.

Completan el reparto principal Eddie Marsan como el Inspector Lestrade; Kelly Reilly como Mary Morstan, la prometida de Watson por la que Holmes no alberga en principio especial simpatía; y Rachel McAdams como Irene Adler, una ladrona con la que Holmes mantiene una tormentosa y esporádica relación. Adler ve ampliado su papel en gran medida respecto a la obra literaria, pasando de ser un personaje que se menciona de pasada en una de las novelas a contar aquí con un papel secundario en toda regla.

No obstante, antes de continuar con la crítica, debo apuntar que mi conocimiento del personaje de Holmes es superficial, ya que no he leído ninguna de las novelas (salvo una versión para niños y en inglés del relato “The Adventure of the Dancing Men”). No obstante, la película no está basada en ninguna de dichas tramas y, por mi propia experiencia, puedo decir que no es necesario haberlas leído para disfrutar de la misma.

Tanto Sherlock Holmes como el Dr.Watson difieren en gran medida de sus homónimos literarios, siendo presentados en la película como auténticos tipos duros. El pausado Dr. Watson es aquí, además de médico, un ex-militar condecorado capaz de dar la talla en una pelea. En cuanto a Holmes, utiliza sus conocimientos de anatomía y su capacidad deductiva para adivinar los puntos débiles del enemigo antes de cualquier combate lo convierten en un adversario a tener en cuenta. Esto último, por cierto, se nos muestra profusamente en la cinta a través de la cámara lenta y una voz en off que va narrando los movimientos a ejecutar, ya desde el trepidante inicio de la película. Algo que se agradece porque, cuando éstos se produzcan a velocidad normal, serán muy difíciles de seguir.

 Puede que, con estas premisas, la historia no sea del agrado de los más puristas, que probablemente se llevarán las manos a la cabeza al ver a Holmes y Watson convertidos en sendos héroes de acción. Pero es una idea que, al fin y al cabo, funciona de manera bastante gratificante en la pantalla. No olvidemos, volviendo de nuevo la vista a las novelas, que Holmes era ya un experto boxeador, así que simplemente se han ampliado aquí sus habilidades pugilísticas con ciertos toques de artes marciales. Y es que como buena cinta de acción que se precie, las peleas y persecuciones no van a faltar, incluyendo al clásico matón de proporciones gigantescas que pondrá en apuros a nuestros protagonistas en varias ocasiones.

 No obstante, los elementos clave del personaje de Holmes están ahí, aunque han sido suavizados. Por ejemplo: sabemos que Holmes toca el violín. Esta peculiaridad se menciona varias veces en la película y, de hecho, aparece con uno en las manos en varias ocasiones, aunque se dedica más a jugar toqueteando sus cuerdas que a interpretar una pieza. El otro elemento icónico del personaje, su famosa pipa, también hace aparición en varias ocasiones. Sin embargo, en una decisión motivada por razones seguramente comerciales y de corrección política, no le veremos encenderla en prácticamente ningún momento (al menos que yo recuerde), aunque se la pone en la boca en más de una ocasión.

 En cuanto a la más que conocida afición de Sherlock Holmes por inyectarse cocaína, evidentemente también es obviada en la película, presentándonos por contra al personaje como un tipo aficionado a la bebida. No obstante, hay una referencia velada a la cocaína, aunque no es ni mucho menos fácil de encontrar. Una pista: es referente a cierto producto que Holmes bebe y que es usado para cirugía ocular.

 En ciertos momento, la relación que mantienen ambos personajes recuerda a la mantenida por House y el Dr. Wilson. Como algunos ya sabréis, estos personajes de la serie televisiva “House” están a su vez inspirados en los Holmes y Watson literarios, con lo se produce un curioso caso de inspiración recíproca y circular.

El encargado de dirigir este híbrido entre novela y cómic es el ex-marido de Madonna, Guy Ritchie, un británico de pura cepa. La acción nos traslada al Londres decimonónico, cuya reproducción histórica hace concesiones a la introducción de pequeños toques steampunk que, si bien no llegan ni por asomo a los del “Sherlock Holmes” de Hayao Miyazaki, si que aportan cierto toque futurista.

 Dada mi debilidad por las películas ambientadas en dicho período y lugar histórico (me encanta la Inglaterra victoriana), lo cierto es que, en mi caso, la ambientación es un punto más a favor de la película. Algo que no pude decir en su día de la infame “Sweeney Todd” (para mi gusto personal, insisto).

 Desde el comienzo, la cinta se nos presenta de forma espectacular. Así, nada más empezar la película, y sin tiempo para presentaciones, ya estamos plenamente metidos en la acción. Al igual que ocurre en las películas de James Bond, la narración parte aquí del acto final de una aventura anterior que nos sirve para conocer a los personajes. Una introducción efectista que cumple el objetivo de captar la atención del espectador desde el primer momento.

En cuanto a la historia en sí, esta gira alrededor del oscuro Lord Blackwood, personaje que interpreta Mark Strong de forma sobresaliente. Se trata de un villano de manual con ansias de “conquistar el mundo” que pondrá en más de un aprieto a Holmes y Watson con un poder que parece extraído de fuentes sobrenaturales. No entraré en detalles sobre el argumento, pero está bien hilvanado y no tiene fisuras preocupantes. Cierto es que no se trata de una historia de detectives propiamente dicha, pero aporta los toques necesarios de investigación como para que el personaje de Holmes sea reconocible en esta reinterpretación.

En definitiva, “Sherlock Holmes” es una cinta de acción ambientada en el Londres victoriano que resulta de lo más entretenida. Una buena opción para este fin de semana que cumple su cometido de entretenimiento a la perfección y que no creo que os decepcione. Y dado que la cinta acaba anunciando secuela de forma bastante evidente, seguro que si funciona bien en taquilla, pronto tendremos una nueva entrega.(7)

 

Pocas veces un divorcio le ha venido tan bien al mundo del cine. Y es que cuando Guy Ritchie se había ganado el estatus de director de culto gracias a Lock & Stock y Snatch llegó su matrimonio con Madonna.

Cuando en 2002 estrenó Barridos por la marea, película al servicio de su diva y esposa, todo el mundo se llevó las manos a la cabeza. ¿Cómo era posible que el director que había sorprendido con sus diálogos afilados, personajes entrañables, situaciones absurdas y gángsters imposibles realizase tal bazofia cinematográfica? Su siguiente película, Revolver, aunque mejoraba ligeramente ya que se dejaba de horteradas romanticonas para volver a su tipo de cine, seguía siendo una película menor y que pasó prácticamente desapercibida.

 

Pero llegó lo que todos los aficionados al séptimo arte estábamos esperando: Su divorcio. Y con él, recuperamos al Ritchie de siempre. Rock&Rolla nos reconcilió con su cine y sirvió como antesala a su siguiente y esperado proyecto: Sherlock Holmes.

  Pese a que en un principio pudiese sonar extraña la elección de Ritchie para llevar al cine el personaje de Conan Doyle (y más siendo éste interpretado por un americano como Downey Jr.) una vez vista podremos decir que estamos, junto a El Secreto de la Piramide y El Perro de los Baskervilles de Fisher, ante una de las mejores películas del famoso detective.

 El Sherlock Holmes de Ritchie es trepidante, frenético y divertidísimo. El estilo del director está presente en cada fotograma con un montaje que no da el tiempo al respiro, con situaciones divertidísimas y con unos personajes geniales. El tándem Downey/Law tiene una química grandiosa y que sirven de réplica perfecta a un Mark Strong que está enorme. Su interpretación de Lord Blackwood, al más puro estilo villano de la Hammer, confirman a este actor como uno de los mayores talentos que ha dado el cine británico en los últimos años.

  Pese a ser un guión que no está basado en ninguna de las aventuras de Holmes que escribió Doyle, sí es muy fiel a la obra en su conjunto (más de lo que pueda parecer). Aparte de los susodichos Holmes/Watson, también pasarán por pantalla el inspector Lestrade, Mary Morstan, Mrs. Hudson e Irene Adler (aka La Mujer). No obstante, este personaje interpretado por Rachel McAdams, no tiene en la película el protagonismo y la importancia que tal vez merecía.

 No hay duda que el Sherlock Holmes de Ritchie, además de ser una propuesta divertidísima, va a servir como punto de inicio a una saga que no tardará en tener una segunda entrega. ¿Quizás con Brad Pitt haciendo de Moriarty? El tiempo lo dirá...

  

Lo Mejor: La química Holmes/Watson y Mark Strong

  Lo Peor: Habrá gente que hubiese preferido una película "más seria".(8)

 CITAS:

1.- http://es.wikipedia.org/wiki/Sherlock_Holmes

2.- http://es.wikipedia.org/wiki/Guy_Ritchie

3.- http://www.cinevistablog.com/pelicula-sherlock-holmes-trailer-subtitulado/

4.- http://es.wikipedia.org/wiki/Sherlock_Holmes

5.- http://www.cinevistablog.com/pelicula-sherlock-holmes-trailer-subtitulado/

6.- http://www.actualidadcine.com/2010/01/19/critica-a-la-pelicula-sherlock-holmes-entretiene-que-no-es-poco/

7.- http://www.ionlitio.com/sherlock-holmes-la-pelicula/

8.- http://www.aullidos.com/pelicula.asp?id_pelicula=4051

EL HIJO DE LA NOVIA

1. Juan José Campanella

Juan José Campanella (Buenos Aires, 19 de julio de 1959) es un director de cine y televisión argentino. Una de sus películas, El secreto de sus ojos, ganó el premio Óscar de la Academia de Hollywood como mejor película extranjera en 2010.

1.1. BIOGRAFÍA

Juan José Campanella desarrolló parte de su carrera en Estados Unidos, trabajando en series como La ley y el orden (en inglés, Law & Order), Dr. House (2 capítulos: el 12º de la tercera temporada y el 6º de la cuarta) y 30 Rock, entre otras. En Argentina ha trabajado en varios programas educativos y sociales del canal Encuentro del Ministerio de Educación de la Nación. En el programa "Entornos Invisibles" llegó a desempeñarse como uno de los principales actores.

Además de director también ha sido el co-coguionista de sus cuatro películas más conocidas: El mismo amor, la misma lluvia; El hijo de la novia; Luna de Avellaneda y El secreto de sus ojos. Su último filme El secreto de sus ojos ganó el Óscar a la Mejor Pelicula Extranjera.

En 2006 le fue concedida la nacionalidad española por carta de naturaleza, una concesión especial del Reino de España a personas de particulares méritos.(1)

Premios

• 2001: El hijo de la novia es nominada a los premios Óscar en la categoría «mejor película de habla no inglesa».

• 2010: Su película El secreto de sus ojos es ganadora del premio Goya como «mejor película hispanoamericana».

• 2010: Su película El secreto de sus ojos es ganadora del premio Óscar en la categoría «mejor película extranjera».


2. FILMOGRAFÍA

Series de TV

• .2000: Strangers with Candy, EE. UU., 6 capítulos.
•  2001: Culpables, Argentina, guión.
•  2006: Six Degrees (EE. UU.), director del 1.º capítulo.
•  2006: Law & Order: Special Victims Unit, episodio «Recall» (como Juan J. Campanella), EE. UU.
•  2006: 30 Rock (EE. UU.), director del capítulo »Jack meets Daniel».
•  2006: Vientos de agua, director-guionista.
•  2008: Dr. House, director del capítulo 12, temporada 3, «Un día, una habitación».
•  2008: Dr. House, director del capítulo 6, temporada 4, «Lo que sea necesario».
•  2009: Dr. House, director del capítulo 18, temporada 5, «Ven gatita».
•  2010: Dr. House, director del capítulo 18, temporada 6, «La caida del caballero».
•  2010: Dr. House, director del capítulo 20, temporada 6, «La elección».

Como actor

• 1979: Prioridad nacional (mediometraje)
• 1982: Victoria 392 (no estrenada comercialmente).
• 2001: El hijo de la novia (médico).

Como director

Categoría principal: Películas dirigidas por Juan José Campanella

• 1979: Prioridad nacional (mediometraje)


• 1982: Victoria 392 (no estrenada comercialmente)

• 1991: The Boy Who Cried “Bitch” (El niño que gritó «puta»)

• 1997: Ni el tiro del final

• 1999: El mismo amor, la misma lluvia

• 2001: El hijo de la novia (nominada al premio Óscar de la Academia de Hollywood como mejor película extranjera)

• 2004: Luna de Avellaneda

• 2010: El secreto de sus ojos (ganadora del premio Óscar de la Academia de Hollywood como mejor película extranjera)

• 2012: Futbolín (en fase de preproducción)

2.- EL HIJO DE LA NOVIA

2.1.- SINOPSIS

Rafael piensa que las cosas deberían irle mejor: dedica 24 horas al día a su restaurante, está divorciado, ve muy poco a su hija, no tiene amigos y elude comprometerse con su novia. Además, desde hace mucho tiempo no visita a su madre, internada en un geriátrico porque sufre el mal de Alzheimer.

Una serie de acontecimientos inesperados le obligan a replantearse su vida. Entre ellos, la intención que tiene su padre de cumplir el viejo sueño de su madre: casarse por la Iglesia

2.2.- FICHA TÉCNICA

Dirección: Juan José Campanella.

País: Argentina.

Año: 2001.

Duración: 124 min.

Interpretación: Ricardo Darín (Rafael Balverde), Héctor Alterio (Nino Balverde), Norma Aleandro, (Norma Balverde), Eduardo Blanco (Juan Carlos), Natalia Verbeke (Naty), Gimena Nóbile (Vicky), David Masajnik (Nacho), Claudia Fontán (Sandra), Atilio Pozzobón (Francesco), Salo Pasik (Daniel), Humberto Serrano (Padre Mario), Fabián Arenillas (Sciacalli).

Género: Comedia-Drama.

Guión: Juan José Campanella y Fernando Castets.

Producción general: Adrián Suar.

Música: Ángel Illaramendi.

Fotografía: Daniel Shulman.

Montaje: Camilo Antolini.

Dirección artística: Mercedes Alfonsín.

Vestuario: Cecilia Monti.

Decorados: Pablo Racioppi.

2.3.- ARGUMENTO

Un argentino de clase media, cuarentón y divorciado, vive sin ideales y sin afecto, absorbido obsesivamente por la administración del restaurante que heredó de sus padres. Está rodeado de gente que lo quiere pero a la que él no presta atención, encerrado en un universo de egoísmo, frustraciones y pequeñas revanchas. Pero algo inesperado lo obliga a enfrentar la realidad y tratar de cambiar su vida y la de sus seres cercanos.

Muy influido por las comedias clásicas del director estadounidense Frank Capra, Campanella se apoya en el carisma actoral de Darín, quien en 20 años de trabajo ha pasado de galán de TV a actor de culto.

Curiosamente, este segundo intento, pese a contar con un mayor presupuesto, es menos pretencioso que su antecesor, que trataba de describir dos décadas de cambios políticos y sociales de la Argentina a través de la marchas y contramarchas de una pareja de enamorados.

Aquí Campanella se concentra en narrar apenas unos pocos días en la vida del personaje principal con un argumento que profundiza en cuestiones personales y afectivas y solo se permite unas pinceladas de testimonio social.

El resultado es una obra convencional pero intensamente emotiva, que se convirtió en una de las películas más taquilleras de 2001 en la Argentina. Además de Héctor Alterio y Norma Aleandro, aparece en un pequeño papel otro actor de prestigio: Alfredo Alcón.(2)

2.4.- COMENTARIOS

Aunque Rafal Belvedere tiene 42 años y regenta un restaurante familiar de prestigio, no está contento con la vida ni consigo mismo. ¿Cómo es posible que a los 42 años uno no haya cimentado aún la vida y viva como un adolescente? Este mito del “eterno adolescente”, que ya fue desarrollado por Juan José Campanella en la cinta “El mismo amor, la misma lluvia”, nos vuelve a ofrecer algunos elementos para entender la vocación como opción de vida que implica una toma de decisiones.(3)

Rafael vive marcado por su pasado familiar. Se siente como el inútil de la familia, aquél que defraudó un día a su madre. Vive con esta herida. Y al heredar el restaurante de sus padres hereda también la presión para estar a la altura de las expectativas, a lo que se añade la angustia de la crisis financiera del país. No obstante ahora que el restaurante marcha bien su madre no lo puede apreciar porque sufre alzhéimer.(4)

Rafael Belvedere no está conforme con la vida que lleva. No puede conectarse

con sus cosas, con su gente, nunca tiene tiempo, se aferra al zapping y se consuela con los viejos capítulos de su serie preferida: El Zorro. A los 42 años no se parece en nada a su héroe de ficción.

Aquellos años de su infancia en los que se ponía la capa negra, el antifaz y jugaba a ser la personalidad oculta de don Diego de la Vega inevitablemente pasaron. Su realidad es mucho más compleja. No alcanza las expectativas de nada ni de nadie. No tiene ideales, vive metido hasta el tope en el restaurante fundado por su padre; carga con un divorcio, no se ha tomado el tiempo suficiente para ver crecer a su hija Vicky, no tiene amigos y prefiere eludir un mayor compromiso con su novia. Además, hace más de un año que no visita a su madre que sufre de Mal de Alzehimer y está internada en un geriátrico. Rafael sólo quiere que lo dejen en paz. No lo puede todo, y a la vez, pareciera como si su esfuerzo no fuera suficiente para nadie”.

En resumen, podríamos decir que Rafa vive como un malabarista que no presta atención a lo importante para centrarse sólo en lo urgente. Y como se podría prever, Rafa sufre un infarto que le hace plantearse la venta del restaurante para llevar una vida un poco más relajada. No obstante sigue siendo un egoísta como lo muestra el sueño que le cuenta a Nati: reconoce que todo lo hizo mal, por lo que quiere “irse a la mierda”, pero sólo, nadie más cuenta en su vida. La cara que se le pone a Nati escuchando esta confesión es memorable. Rafa no se compromete con nadie porque siempre tuvo miedo al compromiso.

Dos hechos le ayudaran a dar un paso más y evolucionar. Primero será el rencuentro con Juan Carlos, antiguo amigo de la infancia. Él, que perdió a su mujer y su hija en un accidente, que tuvo que rehacer su vida, se presentará como un elemento desestabilizador para Rafael y le ayudará a reconstruir su pasado.

El segundo hecho lo protagoniza su padre y su deseo de querer casarse con Norma por la Iglesia.

Nino no lo quiso hacer entonces por fidelidad a sus principios, y aunque le dio a su mujer todo lo que ella quiso, reconoce que la boda por la Iglesia fue el único gusto que no le concedió. Pero nunca es tarde, en cierto modo él está de vuelta de todo y sigue tan enamorado como nunca a pesar del estado en el que se encuentra ella. Al cabo de los años ¿qué son los principios personales ante el amor? Este amor apasionado de Nino al principio se le presenta a Rafael, hombre práctico, como una locura. Pero después terminará reconociéndolo como un amor del que él no es capaz.

La gota que colma el vaso se da cuando Nati le confiesa que le deja porque es un egoísta y no se siente valorada. Rafa tendrá que enfrentarse consigo mismo y con su pasado. Y entonces se desencadenarán una serie de gestos que muestran que algo está cambiando: la venta del restaurante, la reconciliación con Juan Carlos, la poesía con su hija, la conversación catártica con su madre (“quiero que te sientas orgullosa de mí. No quiero ser un boludo. Quiero ser alguien”) y la declaración final que le hace a Nati por el portero automático (“Quiero tus problemas”). La adquisición del nuevo restaurante no es sino un final abierto a la imaginación del espectador.(5)

En resumen en esta película de Campanella descubrimos la necesidad de tomar decisiones para madurar en la vida. En definitiva el tema vocacional es el de optar por una manera de vivir aceptando todas las consecuencias y asumiendo los compromisos que se derivan. La vocación es una llamada que exige una respuesta valiente y decidida, aceptando el nuevo estilo de vida que implica.

Señalamos para terminar la imagen estereotipada y tópica que se nos presenta de la Iglesia, en concreto del párroco.(6)

Sabedor de que la vía de la comedia es la que le abre mejores posibilidades para encarar todos los temas -incluidos los más serios y hasta los más penosos-, Juan José Campanella ("El mismo amor, la misma lluvia") adopta el tono humorístico para exponer la crisis personal de un cuarentón muy porteño y muy reconocible.

No es un camino sencillo porque hay aquí un costado entrañable, autobiográfico, que lo aproxima a temas y realidades muy dolorosas (el mal de Alzheimer o la vejez, por ejemplo), nada fáciles de armonizar con el registro de comedia que domina la mayor parte del relato y que él conduce con mano maestra.

El realizador se apoya en personajes que han sido nítidamente dibujados en el libro (suyo y de Fernando Castets, habitual colaborador) y que un elenco admirable colma de verdad y de vibración humana, y así logra cierta fluidez en la articulación de los sectores más humorísticos del relato (allí donde reinan una ironía y un sarcasmo emparentados con los de la comedia italiana) y aquellos en los que pesa más el costado sentimental. No obstante, queda en evidencia algún desnivel.

Está claro que el terreno de la comedia no es sólo el que más favorece a Campanella sino el que lo distingue como uno de los poquísimos autores locales tan conocedores de su arquitectura formal como para filtrar en ella sus opiniones. Tal seguridad en el oficio, así como el brillo que parece espontáneo y que es fruto de su agudeza de observación y de su ingenio, quedan expuestos en la construcción de las escenas, en el ritmo picante y sostenido del diálogo, en la lógica y la contundencia de sus remates, en el rigor necesario para abandonar una situación antes de que empiece a dar señales de agotamiento. En cambio, cuando toca la cuerda sentimental y se aproxima al melodrama, el lenguaje se hace más directo -a veces, bordea lo sentencioso y lo discursivo- y el film empalidece, aunque el efecto emotivo no se desdibuje, sobre todo gracias a la sincera convicción de los intérpretes.

Ajetreado hasta el vértigo en la carrera por la supervivencia, distraído de sus responsabilidades como hijo, padre, marido (separado) y novio, Rafael se topa de golpe con el oportuno parate que lo invita a recapitular.

Es como si todo se hubiera conjurado para colocarlo frente al espejo de su íntima disconformidad consigo mismo: el restaurante con el que se ha ganado una posición empieza a trastabillar acosado por los problemas financieros y la presión de las grandes cadenas a la caza de negocios chicos y consolidados; crecen los reclamos -de índole diversa- de su hija, de su ex mujer y de su actual pareja; inesperadamente reaparece un amigo de la infancia que ha sobrevivido a una terrible tragedia personal. Y -como llegado de otro planeta en el que toda esa agitación resulta vana- su padre viene a pedirle ayuda porque piensa hacerle a su eterna compañera (ahora instalada en un geriátrico por causa de la enfermedad) el único regalo que le debe: la boda por la iglesia.

No hay corazón que resista; el de Rafael tampoco. Dice lo que siente cuando asegura que lo único que quiere es que lo dejen en paz, pero todavía le costará algún esfuerzo reconocer que el problema no proviene de los demás. Ellos en todo caso -el padre o el amigo, con sus sencillas y esenciales certezas- le tenderán una mano.

"El hijo de la novia" es un film muy argentino. Lo es en el carácter reconocible de los personajes, en la forma con que se los ve hacer equilibrios entre la lucha por la supervivencia, la desdicha afectiva y el juicio de los otros; en el ejercicio de un humor burlón, cáustico y muchas veces autodirigido como escudo defensivo ante la adversidad; en la resignada familiarización con una anormalidad que ya se ha vuelto rutina; en el límite difuso y amoldable que separa lo lícito de la corrupción o la inmoralidad. Y hasta lo es también en la dificultad que evidencia el film cuando debe poner en palabras sentimientos y emociones que entre nosotros, muchas veces, se prefiere dar por sobreentendidas.

En tren de comedia, Campanella hace observaciones agudas sobre la situación actual, sobre los cambios experimentados en la vida social y el comportamiento. Pero no las subraya con discursos, se infieren de la propia historia. Hay apuntes sabrosos que surgen del contraste visible entre los valores que marcaron el mundo de los padres y el de Rafael; en la propia evolución del restaurante familiar; en la relación que mantiene el protagonista con sus parejas y su hija. Y casi siempre, la observación viene prendida de la ocurrencia, la situación cómica o el chiste rápido.

Se ha dicho que Campanella tiene socios irreemplazables en sus magníficos actores. No es sólo la desenvoltura de Darín, ni el oficio de Aleandro ni la transparencia de Alterio. Hay más: Darín no se conforma con la comodidad de un papel que le calza como anillo al dedo y busca enriquecerlo con reveladores detalles personales. Norma Aleandro evita tanto la sobreactuación (cómica o patética) como la insipidez a la que la podría haberla conducido tomar el rumbo contrario: su Norma es tierna, graciosa y conmovedora, y tan real que uno cree adivinar en esa mujer entorpecida por la enfermedad a aquella otra joven de la que su marido todavía está enamorado.

Que esa imagen de la mujer que fue llegue tan nítida hasta el espectador es también mérito de Alterio, ese apacible Nino Belvedere cuya mirada diáfana desnuda toda su nobleza. Son sin duda dos personajes elaborados desde el libro con la materia del cariño.

Hay en el elenco muchos otros trabajos impecables -los de Eduardo Blanco, Claudia Fontán y Salo Pasik, en especial- y hasta un par de sorpresivos invitados -Alfredo Alcón y Adrián Suar- que se interpretan a sí mismos en una escena que responde menos a una necesidad del libro que a la voluntad de hacerle un guiño simpático al espectador.(7)

Es esta una película que deja al espectador preguntándose por las razones que han provocado en él una impresión tan favorable. Es muy fácil exponer los errores de una mala película, pero resulta, curiosamente, bastante complicado encontrar una razón que englobe todos los aciertos de ésta : desde el humor a la limpieza de los diálogos. Cualquiera sirve como una cuña para provocar en el que escucha la recomendación la curiosidad suficiente como para que vaya a verla pero ninguna sirve como resumen, como base.

Es el recuerdo del libro de Oscar Tusquets "Dios lo ve" , que no tiene nada que ver con la religión, a pesar de su título, el que ayuda a descubrir la clave de esta historia. En uno de sus capítulos, se presenta la fotografía de Carlos Fernández Casado, un arquitecto español, junto a una estructura de metal básica. Oscar se pregunta por las razones de esa fotografía. Después de analizar otras obras semejantes llega a una conclusión.

"Esta pieza de alambres no es más que el cuchillo de la armadura de un tramo del puente del Pardo diseñando por el ingeniero. ¿Por qué se habrá fotografiado junto a una cosa tan prosaica, sencilla, que tiene un mero papel resistente? Pues porque está orgulloso de esta creación, de su claridad, de su economía estructural, donde cada barrita de hierro está allí, en el lugar preciso, y tiene la sección justa, mínima, para el trabajo que debe realizar. El hierro era en esa época, 1935, un material raro y precioso en nuestro país ; no se puede hacer más con menos despilfarro. Por eso don Carlos se hace fotografiar junto a esta ramadura, porque cuando esté dentro de la viga…sólo Dios la verá."

Ese intento de Nino se revela como la armadura de un puente inacabado entre él y su mujer y se convierte centro de la película y la clave para comprenderla. Un deseo , una boda por la Iglesia, que su mujer no pudo cumplir y que el marido quiere, por motivo de su cumpleaños, realizar ahora. Tanto Nino, que se gastará en la boda el dinero ahorrado para un viaje a Europa como Rafael, que tendrá que encontrar un tiempo que la dedicación a su restaurante y a su hija no le dejan, verán sus vidas cambiadas por lo que parece un simple capricho.

En una situación económica muy complicada, en una Argentina pendiente del índice riesgo, de los problemas para pagar la deuda, de los malabarismos con la tarjeta de crédito, en un escenario en el que la clase media va desapareciendo a un ritmo de 500.000 personas por año, un hombre sigue el camino opuesto al de la multitud y se queda sin ahorros por un proyecto que, como dice Tusquets, sólo Dios va a ver.

Un tema simple y proclive al sentimentalismo si en el fondo de la historia no estuviera el Alzheimer de Norma, la imposibilidad de que ésta sea consciente de lo que va a suceder alrededor de ella. Una enfermedad que es al gesto de Nino lo que la viga a la estructura del ingeniero.

Y si uno de los elementos fundamentales en el análisis de Tusquets es el de armadura, representado por el sueño de Nino, otro, simétrico, es el de Dios. Explica Tusquets :

"Parece ser que, en una ocasión, uno de los jóvenes colaboradores de Luthyens se encontraba grafiando la fachada trasera de una de las casas que se estaban proyectando en el estudio. El Maestro, tras estudiarla con detenimiento, observó que la posición de una de las ventanas alteraba la composición general, a lo que su colaborador objetó : -Esto no es problema : el muro que cierra el patio de servicio está tan próximo que esta abertura no se puede relacionar con el resto de la fachada. Nadie podrá ver esta falta de rigor geométrico. A lo que el arquitecto repuso impasible : -Dios sí lo ve."

Un Dios que, como se presenta en la película, poco tiene que ver con la religión o con la Iglesia. Un Dios que se presiente como estructura, como razón, como ley que hay que cumplir sin que sea necesario acudir a los dogmas o a las escrituras. Un Dios que está dentro, anterior a la legislación, a la jerarquía o a la Historia.

Un Dios que, en una de las mejores escenas de la película, ese diálogo entre Rafael y el sacerdote, parece incapaz, atrapado por las leyes, de entender el significado del rito que Nino pretende. No es una cuestión de religión. Es algo anterior, más básico, la fundamentación de una ética, la muestra de que hay algo que existe en el fondo. Algo que no admite una formulación. Algo que impulsa al acto. Algo que ni siquiera va a ser visible.

¿Entonces por qué hacerlo? Esa es la pregunta del hijo y la película es el camino que tiene que recorrer para comprender algo que el padre ya sabe , la exigencia de esos actos que sólo Dios puede ver. Frente a esa estructura interna del padre, el trabajo del hijo se centra en lo externo : desde el éxito de su restaurante, hasta su relación con su ex - mujer, su hija y la mujer con la que vive.

No es sólo el enfrentamiento entre lo externo y lo interno, sino el que se produce entre el ámbito de la complicidad y el de los mercaderes, en palabras de Martín Garzo al estudiar las figuras de Abraham y Sara. Uno representa el diálogo con la exigencia y la otra la mirada encantada con el mundo. Padre e hijo representan esos dos polos opuestos en el arranque. El ataque al corazón no es sino la posibilidad que tiene el hijo de elegir entre las dos opciones.

La aproximación del hijo al punto de vista del padre se produce, a pesar de la distancia, de forma gradual y, por esto, creíble. Es un camino lento que a Naty (una Natalia Verbeke en la deberían mirarse falsas encumbradas como Penélope Cruz) , en la escena de la Iglesia, no le cuesta nada recorrer. Le basta ese momento para entender qué es lo que busca el padre y para, inmediatamente, desearlo para ella. Al hijo esa evidencia se le aleja, dejándole sólo la lección de los continuos fracasos : desde la falta de reconocimiento de su madre hasta la crítica dura de su ex - mujer pasando por el intento de Natalia de dejarle. Armadura, Dios y, al final, el humor, un ingrediente que no aparece en el libro de Tusquets y que resulta imprescindible en la película .Un humor que sirve para unir aquello que es materialmente imposible juntar. Como ese césped que convierte a las piedras en camino, creando un sendero por el que avanzar a pesar de los contratiempos. El vínculo que muchas veces no existe entre la realidad y el deseo y que cada uno crea con los materiales que le resultan más válidos.

La opción de Campanella por el humor no es una mera elección de tono, sino una estrategia de supervivencia frente al humor de pasatiempo, previsible y sin consistencia. Es un humor que los personajes se dirigen a sí mismos, sin esperar reacción de ningún espectador : cuando Rafael tiene que luchar por ese pedido de vino blanco o cuando Nora, al ver el cartel de la residencia, dice que ella no deja ahí a su marido.

Es un humor, en fin, que comienza como algo personal y termina en un escenario, en la falsificación de la ceremonia, como esa única forma de unir lo que la Iglesia, paradójicamente, no quiere unir.

"El mundo como un bosque, como los puertos, como las ciudades que crecían en las rutas de los comerciantes; pero también como un aposento, como la cámara más secreta, donde la intimidad es mayor", dice Martín Garzo. "El hijo de la novia" es el descubrimiento de esa cámara más secreta que no funciona como escondite, sino ,como explica Tusquets, como fundamento de la realidad. Básica aunque no se vea.

Nino con su gesto parece convertirse en la respuesta de Campanella a la actual situación argentina. Una respuesta que se echa de menos en películas recientes como "Pizza, birra, faso" , "Nueve reinas" o "La ciénaga", que se quedan, cada una en su estilo, en la mera descripción de la realidad.(8)

Esta producción argentina del año 2001, dirigida por Juan José Campanella, es una agradable comedia agridulce - en la línea de films como por ejemplo el alemán Good bye, Lenin.

Uno de sus principales atractivos son las magníficas interpretaciones del trío protagonista, Ricardo Darín (Rafael Belvedere) y sus padres en la ficción Héctor Alterio (Nino) y Norma Aleandro (Norma), bien secundados por Eduardo Blanco (Juan Carlos), Natalia Verbeke (Naty) y Gimena Nóbile (Vicky). La película fue nominada en el año 2002 al Oscar® al mejor film de habla no inglesa.

Cuando el padre de Rafael, Nino, quiere volver a casarse por la Iglesia con Norma -enferma de Alzheimer-, puesto que su matrimonio de 44 años atrás fue sólo civil, la vida del estresado Rafael y de todos los que le rodean sufrirá un giro radical.

Con fotografía dirigida por Daniel Shulman y rodada con objetivos esféricos para una relación de aspecto en cines de 1.85:1, este DVD de Filmax respeta el formato original cinematográfico e incluye mejora anamórfica.

La transferencia es bastante buena, aunque no está exenta de algunos defectos de celuloide. Normalmente, éstos son muy pequeños, en forma de pequeñas manchitas blancas; sin embargo, muy de tanto en tanto aparece alguna mancha de cierto tamaño, como una que hay -por si a alguien le apetece buscarla- en 1h 39' 44'', en la escena de la lluvia.

La definición es correcta, aunque ciertamente no resulta extraordinaria. Hay muy poco grano en la película y por lo tanto tampoco se aprecia ruido de compresión de bajo nivel. El contraste es el adecuado en todo momento.

Un curioso efecto -o más bien defecto- que se aprecia en esta transferencia es un más que apreciable viraje hacia el verde de todos los colores, lo que en algunos momentos da la impresión de estar viendo Matrix o alguna de sus secuelas. Aunque no podemos afirmar hasta donde esta coloración viene del máster usado para la transferencia o bien es un fallo del procesado posterior del vídeo, las capturas adjuntas demuestran claramente que este viraje del color existe y que le quita naturalidad al film. De hecho, las letras de los títulos iniciales y finales se ven claramente verdosas, en lugar del habitual color blanco.

Con una tasa de bits media para la imagen de 6.5 Mbps, no aparecen defectos de compresión, ni incluso en las escenas más difíciles -que en esta película son muy pocas- como por ejemplo, la lluvia. Si que se puede observar algún defecto ocasional de líneas en zigzag (aliasing), que provoca un curioso efecto Moiré de parpadeo con la camisa a cuadros que lleva Vicky, alrededor de 1h 03'.

El disco es un DVD-9, con un buen cambio de capa, en un salto de escena donde no interrumpe el audio.

En resumen, una imagen que sería francamente buena, de no ser por esta tonalidad verdosa que se nos antoja anómala.(9)

CITAS:

1.- htttp:// http://www.wikipedia/, /joseluiscampanella
 
2.- http://www.pantalla.info/pel/1/1597.html


3.- www.cineyvocacion.org

4.- http://www.cineol.net/pelicula/533_El-Hijo-de-la-novia

5.- http://ar.geocities.com/pampacine_2002sp/hijo/cinematotal.htm


6.- http://www.cineyvocacion.org/pdf/cineyvocacion_el%20hijo%20de%20la%20novia.pdf

7.- http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=327864

8.- http://www.arrakis.es/~maniacs/Hin01.htm


9.- http://www.zonadvd.com/modules.php?name=Reviews&rop=showcontent&id=327