IVANHOE

1. RICHARD THORPE

Richard Thorpe (24 de febrero de 1896 - 1 de mayo de 1991) fue un director de cine estadounidense.

Nacido como Rollo Smolt Thorpe en Kansas, comenzó su carrera en el entretenimiento actuando en vodevil y en obras de teatro. En 1921, ingresó al medio del cine, actuando en películas mudas, y en 1923 dirigió su primera película, The fatal photo, lo cual dio inicio a una carrera de más de ciento ochenta películas dirigidas. Por sus contribuciones a la industria fílmica, Thorpe tiene una estrella en el Boulevard de la fama de Hollywood.(1)

Filmografía parcial
• The Fatal Photo (1923)
• Rarin' to Go (1924)
• Ride 'em High (1927)
• Desperate Courage (1928)
• The Fatal Warning (1929)
• The Utah Kid (1930)
• The Lady From Nowhere (1931)
• Green Eyes (1934)
• Last of the Pagans (1935)
• Strange Wives (1935)
• Tarzan Escapes (1936)
• Dangerous Number (1937)
• The Crowd Roars (1938)
• The Adventures of Huckleberry Finn (1939)
• Tarzan's New York Adventure (1942)
• Bajo sospecha (1943)
• Two Girls and a Sailor (1944)
• The Thin Man Goes Home (1945)
• This Time for Keeps (1947)
• On an Island with You (1948)
• Malaya (1949)
• Black Hand (1950)
• The great caruso (1951)
• Ivanhoe (1952)
• El prisionero de Zenda (1952)
• Knights of the Round Table Los caballeros del rey Arturo (1953)
• All the Brothers Were Valiant Todos los hermanos eran valientes (1953)
• Ten Thousand Bedrooms (1957)
• El rock de la cárcel (1957)
• Killers of Kilimanjaro (1959)
• The Honeymoon Machine (1961)
• The Tartars (1961)
• The Last Challenge (1967)

2. IVANHOE

Ivanhoe es una película de 1952, basada en la novela del mismo título de Sir Walter Scott. Es una coproducción anglo-estadounidense dirigida por Richard Thorpe, con Robert Taylor en el rol principal, acompañado por Elizabeth Taylor, Joan Fontaine, George Sandersy Finlay Currie, entre otros. Obtuvo tres nominaciones a los Premios Óscar.

3. FICHA TÉCNICA

• Título original: Ivanhoe
• Año: 1952
• País: UK
• Duración: 106 min
• Estreno en España: 1952
• Estreno en USA: 1952
• Director: Richard Thorpe
• Reparto: Robert Taylor, Elizabeth Taylor, Joan Fontaine, George Sanders, Emlyn Williams, Finlay Currie, Guy Rolfe, Robert Douglas
• Guión: Noel Langley
• Música: Miklós Rózsa
• Productora: Metro-Goldwyn-Mayer
• Género: Aventuras - Grandes clásicos

 

  

4. SINOPSIS
A su vuelta de las cruzadas, el Rey Ricardo Corazón de León es apresado en Austria. Para su rescate es necesaria una elevada suma de dinero que su hermano Juan se niega a pagar, ya que así puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. Entre los partidarios de Ricardo se encuentra el caballero Ivanhoe, que lucha por conseguir el rescate. Nominada a 3 Oscar, entre ellos el de mejor película.(2)

 

5. COMENTARIOS

Regrese al mundo de los nobles caballeros y ruborosas doncellas con esta brillante adaptación del clásico de Sir Walter Scott. Ambientada en Inglaterra del siglo XII la historia sigue los intentos de un hombre valeroso para reponer a Ricardo Corazón de León en el trono usurpado por su perverso hermano, el Príncipe John, pero con toda su excitante acción, también es una tierna historia de amor. Robert Taylor interpreta al intrépido caballero errante, hechizado no sólo por una hermosa dama, si no por dos, Rebeca la de los ojos oscuros soñadores (Elizabeth Taylor) y Rowena, la majestuosa princesa sajona, (Joan Fontaine). Como contraste a esta romántica fiesta, George Sanders es el maligno De Bois Guibert, mortal enemigo de Ivanhoe y su constante amenaza.' Ivanhoe es una película suntuosa y dramática' afirma con entusiasmo el Saturday Review. La acción es continua y vigorosa, presentada con evidente buen gusto y contiene una de las más espectaculares escenas de combate jamás filmada.(3)

 

Película basada en una novela de Walter Scott. Con guión de Noel Langley ("El Mago De Oz", "Paso Al Noroeste") y Aeneas Mackenzie ("La Vida Privada De Elizabeth y Essex", "Los Diez Mandamientos").

El leal caballero Ivanhoe (Robert Taylor) regresa a Inglaterra tras luchar en las Cruzadas al lado de su monarca Ricardo Corazón de León (Norman Wooland), quien ha sido dado por muerto. A su llegada descubre que el hermano traidor del rey, el príncipe Juan (Guy Rolfe), se ha apoderado del trono gracias a la alianza con los normandos. Su próximo objetivo será encontrar al rey Ricardo para que vuelva a ocupar su puesto real y expulse a los conspiradores.

Esta película es un clásico del cine de aventuras basado en el libro homónimo de Walter Scott que dirigió Richard Thorpe, avezado artesano de la aventura en la Metro Goldwyn Mayer que ofrece aquí una mezcla entre romance y acción con una exposición un tanto teatral y apelmazada con vaivenes rítmicos y exceso palabrero.

 

El encuentro épico entre sajones, normandos y judíos encuentra su mejor momento en el clímax del duelo final y en la hermosa plasmación de sus espacios naturales fotografiados por Freddie Young.

El gran reparto y el lujo de la producción Metro tendrían que estar mucho mejor aprovechados.(4)

 

A su regreso de las Cruzadas, el rey Ricardo Corazón de León (Norman Wooland) es apresado en Austria. Para su rescate es necesaria una elevada suma de dinero que su hermano Juan Sin Tierra (Guy Rolfe) se niega a pagar, ya que así puede seguir usurpando el trono de Inglaterra. Entre los partidarios de Ricardo se encuentra el caballero sajón Wilfred de Ivanhoe (Robert Taylor), quien lucha por conseguir el rescate. Ivanhoe era hijo de Cedric el sajón (Finlay Currie), líder de la resistencia sajona, frente a la dominación normanda. Pero éste había renegado de su hijo porque éste había marchado a las Cruzadas sin su autorización, abandonando temporalmente a Lady Rowena (Joan Fontaine), última descendiente de la realeza sajona. Es por este motivo que Ivanhoe tendrá que reconciliarse primero con su padre, para conseguir con él y los demás sajones que apoyan al rey Ricardo, luchar contra Juan Sin Tierra a fin de lograr restaurar en el trono a su legítimo rey.

Para conseguir el perdón paterno, Ivanhoe acude a un torneo organizado por el príncipe Juan y sus varones traidores, pero antes de participar en él, Ivanhoe salva a un judío, Isaac de York (Felix Aylmer), de ser asesinado. Como recompensa por su acción, su hermosa hija, Rebeca, (Elizabeth Taylor) le obsequia sus joyas a Ivanhoe con el fin de que pueda adquirir armadura, armas y caballo para participar en el torneo. Rebeca ha comenzado a enamorarse de Ivanhoe.

Cuando Ivanhoe llega de incógnito al torneo, con el nombre de El Desheredado, los campeones normandos han vencido a todos los sajones que han osado enfrentarse a ellos. Ivanhoe los enfrentará uno a uno hasta derrotarlos a todos; a saber, sir Ralph de Vipont, Phillip de Malvoisin, Frente de Buey (Francis De Wolff), sir Hugh de Bracy ( Robert Douglas) y el Templario, sir Brian de Bois-Gilbert (George Sanders), quien ya se había enfrentado a Ivanhoe en Tierra Santa. Es precisamente Bois-Gilbert quien hiere gravemente a Ivanhoe en el último combate, aunque igualmente cae derrotado pues De Bracy lo había herido levemente en el anterior choque.

 

Finalmente, Ivanhoe es declarado vencedor y se le concede el derecho de elegir a la reina del torneo, Ivanhoe elige a Lady Rowena, ante la decepción de Rebeca que ha acudido con su padre a ver el encuentro. Ivanhoe se desploma a causa de sus heridas y todos descubren su identidad, que hasta entonces había permanecido oculta; incluso su padre lo ensalza por su hazaña. Pero, es Rebeca, quien previa conversación y acuerdo con Lady Rowena, también muy preocupada por la suerte del guerrero Ivanhoe, se ocupa de trasladarlo a su casa a fin de cuidarlo y curar sus heridas hasta alcanzar su completa recuperación. A partir de este momento la acción se torna agitada. En el traslado de Ivanhoe, es hecho prisionero junto con sus protectores judíos, al igual que su padre y su séquito, en el cual está Lady Rowena. Todos ellos son llevados al castillo de Frente de Buey, donde Bois-Gilbert cortejará a Rebeca, y De Bracy a Lady Rowena.
Pero los traidores normandos son sorprendidos por Robin de Locksley (Robin Hood) (Harold Warrender) y sus hombres, que asaltan el castillo. Frente de Buey muere en la defensa, de Bracy se rinde, y Bois-Gilbert huye con Rebeca al santuario de los Templarios. Ivanhoe logra reunir el rescate para Ricardo, recibiendo entre otras la aportación de Isaac de York y parte del pueblo judío que contribuyen con dinero emolumentos de su pueblo para lograr la liberación del rey Ricardo.

 

Mientras, Rebeca es juzgada como hechicera o bruja, por usar sus conocimientos de herbolaria para curar enfermos, y acusada de haber hechizado al caballero Bois-Gilbert, quien en el fondo está perdidamente enamorado de ella. A punto de ser condenada, Ivanhoe lanza su guante, como símbolo de reto y solicita un Juicio de Dios, en el cual la inocencia o culpabilidad de Rebeca se decidirá en un torneo a muerte entre el retador de la acusada, Ivanhoe, y el campeón elegido por la acusación, que definitivamente es Bois-Gilbert.

Rebeca asiste al duelo entre los dos valerosos guerreros: uno, al que ella ama, empeñado en demostrar su inocencia; el otro que la ama a ella, condenado a demostrar su culpabilidad, tras una demostración de los dos caballeros en su habilidad en manejo de las armas, Ivanhoe dará muerte a Gilbert y salvará a Rebeca. En ese instante, el rey Ricardo Corazón de León irrumpe en el torneo junto a sus caballeros, su hermano Juan Sin Tierra, el usurpador, baja la cabeza en señal de sumisión y es sometido, mientras el verdadero rey, Ricardo Corazón de León, exhorta a todo el pueblo a fortalecer la unión. (5)

 

CITAS:
(1)http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Thorpe
(2)http://www.estoescine.com/sinopsis3600.htm
(3)http://www.bazuca.com/pelicula-11226-Ivanhoe
(4)http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article797.html
(5)http://es.wikipedia.org/wiki/Ivanhoe

NIKITA

Nikita

   

ikita es una película franco-italiana de 1990, del género policíaco, drama, dirigida por Luc Besson. Protagonizada por Anne Parillaud, Tchéky Karyo, Jeanne Moreau, Jean-Hugues Anglade y Jean Reno en los papeles principales.

Ganadora del premio César 1991 a la mejor actriz (Anne Parillaud) y candidata a 8 premios más. Ganadora del premio David di Donatello a la mejor actriz (Anne Parillaud)

Esta película dio origen a una serie de televisión canadiense protagonizada por Peta Wilson llamada La Femme Nikita y en septiembre de 2010 volverá a ser adpatada en forma de serie de televisión en EE.UU. por la CBS donde Nikita será interpretada por la asiatica Maggie Q.

1. FICHA TÉCNICA

Título	Nikita, dura de matar (España), Niñita, La cara del peligro (Argentina)
Dirección	Luc Besson
Producción	Patrice Ledoux
Guión	Luc Besson
Música	Eric Serra
Fotografía	Thierry Arbogast
Montaje	Olivier Mauffroy
Reparto	Anne Parillaud, Tchéky Karyo, Jeanne Moreau, Jean-Hugues Anglade, Jean Reno, Philippe Leroy
País(es)	Francia, Italia
Año	1990
Género	Policíaco, drama
Duración	115 minutos
Idioma(s)	Francés, Italiano
Productora	Gaumont, Les Films du Loup, Cecchi Gori Group Tiger Cinematografica
Distribución	Gaumont International

2. ARGUMENTO

Una joven de 19 años (Anne Parillaud) desarraigada, pandillera y adicta a las drogas, es encarcelada después de haber cometido varios robos y asesinatos. Pero las autoridades se dan cuenta de que tiene algo especial que la hace diferente a los demás y que puede convertirse en un arma mortífera. Por eso la incluyen en un programa secreto de formación de sicarios donde la entrenan con dureza y le asignan una nueva identidad: Josephine. Desde ahora, su misión será matar en beneficio de los intereses del gobierno francés.[i]

3. SINOPSIS

NIKITA es sentenciada a cadena perpetua por asesinato. El Estado le obliga a sellar un pacto: las autoridades declaran su defunción y se le da una nueva identidad, ofreciéndole una relativa libertad a cambio de convertirse en una asesina profesional para los servicios secretos.[ii]

4. COMENTARIOS

Los fans de la acción, las historias de espías y asesinos, recuerdan bien a las Nikita que han pasado hasta ahora por cine y televisión. En 1990 Anne Parillaud se convirtió en la Nikita original, la del mítico cineasta francés Luc Besson. Unos años más tarde, en 1997, Peta Wilson se convirtió durante 96 episodios (cinco temporadas) en la Nikita de la televisión, una versión distinta a la del cine. Y ahora, en 2010, la famosa actriz hawaiana Maggie Q salta a la pequeña pantalla caracterizando a una nueva versión de éste conocido personaje de éxito internacional. Lo hace con Craig Silverstein en la creación, y con la productora Warner Bros. Television al mando y la cadena The CW Television Network como canal de emisión en los Estados Unidos.[iii]

  

Después de ser sentenciada por matar a un policía, Nikita debe escoger entre su ejecución o ser entrenada por una agencia secreta del gobierno para convertirse en asesina. Con una nueva identidad, nuevas habilidades y nueva vida, proporcionadas por su mentor Bob, Nikita se transforma en Josephine, una seductora y sofisticada mujer que además, es una máquina de matar casi perfecta.

El siempre genial, y sobre todo original Jean-Luc Besson nos muestra de forma cruda y realista el trabajo sucio de una agencia del gobierno francés. Reclutan a parias, a criminales, que pueden escoger entre la pena de muerte o trabajar para el gobierno como asesinos profesionales.

Nikita, en un principio desgreñada y descuidada, y con una gran dosis de violencia. Despues es refinada y domesticada para ser una asesina de alto stánding.

Su violencia y agresividad son reprimidos, pero para ser canalizados en el asesinato deliberado. Bajo su capa de dureza e insensibilidad late un corazón, que no puede soportar tanta crueldad meditada.

Entre medio surge una relación sentimental con su entrenador, que acaba de complicar las cosas. De nuevo el cine francés nos sorprende con su originalidad, y Besson crea una obra de arte al no pararse en la acción y la trama, como hizo la industria americana con el remake de esta película, titulado "La profesional", sino que Besson profundiza en los personajes.

Sin embargo, ni la imitación ni la serie conservan lo más importante: la profundidad de los personajes. El universo Besson es tridimensional, no se conforma con un argumento y su realización, sino que se adentra en los individuos y examina sus personalidades a fondo, con lentitud deliberada.

La deshumanización de la agencia gubernamental, sus asesinatos calculados, son elementos más condenables aún que la violencia fruto de la ceguera de la droga o de la delincuencia callejera. Cuando es el gobierno el que asesina e inflinje la ley, es más terrible, porque precisamente el gobierno es el encargado de hacer cumplir la ley.[iv]

Anne Parillaud, en la década de 1990 comenzó con su lanzamiento al estrellato internacional con el filme clásico Nikita (1990), dirigida por Luc Besson, su entonces esposo, que la hizo ganar dos importantes premios internacionales: el premio César 1991 a la Mejor actriz, y el premio David di Donatello 1991 a la Mejor actriz extranjera. El éxito del filme en los Estados Unidos la motivó a trasladarse a ese país para filmar Innocent Blood (1992) del director John Landis.[v]

Ay Besson, Luc Besson! Uno de los directores más injustamente vapuleados del cine francés “ayanquizado”. Por mi parte, lo banco a morir…Sus películas siempre tienen ese “no-se-qué” que las lleva por un destino incierto dentro de tres posibilidades: son un éxito de taquilla (El Quinto Elemento) y/o se convierten en filmes de culto (Azul Profundo) y/o simplemente rozan la perfección (El Perfecto Asesino). Por suerte en su filmografía existen obras de arte unívocas como Nikita, y así los críticos aprenden a callar y deleitarse con la oscura belleza de los gritos pelados de Anne Parillaud.

Desde los créditos iniciales, hermosamente coreografiados con el particular travelling de todas las películas de Besson, Nikita nos introduce en un oscuro submundo de violencia junkie parisina: cuatro ladrones armados hasta los dientes y drogados hasta la médula irrumpen en la farmacia de los padres de uno de ellos, desatando un inminente tiroteo con la policía, del que sólo sobrevivirá nuestra anti-heroína de pelo revuelto. Desde el primer momento se imprime con tinta negra el clima del film: un emocionante thriller, armas de lo más pesadas, piernas femeninas descubiertas y rostros desencajados.

“Nikita”, violenta y adicta, parece tener un largo futuro en la cárcel, pero su destino termina siendo mucho más prometedor: el servicio secreto francés la tiene entre ojos y no piensa desperdiciar su potencial. De un día para otro, y cual Men In Black, pierde su identidad y comienza un arduo entrenamiento para convertirse en una feroz asesina a sueldo y, a la vez, una de las más aguerridas y sexies femmes fatales de la historia. Desde el momento en que se “gradúa” de la agencia-secreta-de-asesinos-a-sueldo-franceses (imponente Desert Eagle calibre 50 de por medio) nuestra heroína comienza un nuevo camino que la llevará eventualmente a buscar una meta en su vida y encontrar su verdadero amor, que no conoceremos realmente hasta el final de la cinta.

Una de Besson no es una de Besson sin dos personas más: Thierry Arbogast, el dire de Fotografía, pinta el celuloide de tal manera que emociona (Besson ha dicho repetidas veces que no podría trabajar sin él) y Eric Serra, compositor incondicional del director, también da clases de maestría musical con esos climas épicos incomparables, que acompañan a las imágenes en la acción, el suspenso y el romance como si fuesen una sola cosa… tal y como debe ser en una obra tan cerrada y magnífica como esta.

Rítmica y emocionante, Nikita cautivará hasta a los menos amigos del género, que encontrarán en este film una atrapante historia de amor y secretos, que todo espía desde James Bond hasta Bourne ha sabido tejer en la historia del cine.

MIRÁ QUIÉN VINO: La bella Anne Parillaud nos cautiva con sus gritos durante todo el film, y cuando “aprende” a sonreír bien entrada la película…sacre bleu!; por otra parte, el inconfundible Jean “soy el francés más grosso del mundo” Reno aparece hacia la mitad de la cinta para dibujarnos una sonrisa de satisfacción, en el papel de (oh! sorpresa) otro asesino a sueldo.

IMPORTANTE: Imprescindible apagar las luces. No puede ser vista a la luz del solo se corre el riesgo de pérdida de intensidad.

ADVERTENCIA: Parillaud pega unos gritos que irritan y seducen a la vez…Incomparables. La simpatía que despierta esta chica en ambos sexos es inevitable, nuevamente un mismo consejo: no se resistan.

QUÉ BIEN: El casting, la fotografía (gracias Thierry!), la música (te escucho, Serra), la Parrillaud y sus ojos, Tchéky Karyo (el espía “Bob”) con la frialdad que sólo Nikita sabe doblar, el siempre confiable Jean Reno y su “limpiador” (que ampliaría en El Perfecto Asesino cuatro años más tarde), París y Venecia!

QUÉ MAL: Los críticos que no se ponen de acuerdo con el pobre de Besson; la siempre conveniente (ni lentos ni perezosos) y poco convincente remake yanqui de turno realizada en 1993 por el director de Fiebre de Sábado por la Noche, con la sensual Bridget Fonda, Gabriel “el sospechoso” Byrne y Harvey “The Wolf” Keitel. Un cast bastante WTF para una tibia remake.

QUÉ DUDOSO: Existe una serie de TV canadiense llamada La Femme Nikita que fue muy exitosa en todo el globo (duró 5 temporadas del ’97 al 2001), pero a mi no me llama mucho. Esta Nikita estirada a varios episodios es interpretada por la blonda Peta Wilson y puede ser vista en repetición por el cable (MGM o Hallamark creo) y también en sus respectivos DVDs recopilatorios.

 

Nikita (aplicarse indistintamente al film o al personaje): bella, potente, apasionante![vi]



Una joven de 19 años (Anne Parillaud) desarraigada, pandillera y adicta a las drogas, es encarcelada después de haber cometido varios robos y asesinatos. Pero las autoridades se dan cuenta de que tiene algo especial que la hace diferente a los demás y que puede convertirse en un arma mortífera. Por eso la incluyen en un programa secreto de formación de sicarios donde la entrenan con dureza y le asignan una nueva identidad: Josephine. Desde ahora, su misión será matar en beneficio de los intereses del gobierno francés[vii]

Luc Besson puede haber escapado de su pedestal en los últimos tiempos, lo que con la interminable cadena de nunca de Transporter y secuelas de taxi. Pero en los años noventa no se puede negar que estaba en la cresta de la ola. Nikita parecía recién salido de la parte posterior del comercial y crítico de éxito El Gran Azul, a unirse a una nueva ola de alta francesa películas octanos conocidos colectivamente como cine Mira du.

Mira du Cinema fue un movimiento cinematográfico francés caracterizado por imágenes muy estilizado en el que la mirada era más importante que la trama o el realismo. Directores como Jean-Jacques Beineix (Diva, Betty Blue), y Leos Carax (Les Amants du Pont-Neuf) ejemplifica la escena.  películas de Luc Besson, ciertamente encaja el guante de Cine Mira du, pero no es justo, como algunos críticos lo hacen, para llamar a Nikita un triunfo del estilo sobre el contenido. Nikita tiene un intrincado trazado arco de la historia, y una profundidad de sentimiento que va mucho más allá de la superficie. Se mantiene el drama y la tensión en todo e incluso puede presumir de un cameo deliciosa de la niña mimada del cine francés Jeanne Moreau.

Nikita se introdujo por primera vez en la pantalla como una drogadicta amarga y repugnante adolescentes. Ella parece insensible a sus crímenes, el último de los cuales ha dado como resultado la muerte de un oficial de policía, y es abiertamente hostil a, bueno, casi todo el mundo. Con una sentencia de muerte que ahora se cierne sobre ella, Nikita se le da una segunda oportunidad. Una agencia clandestina reconocer en ella la capacidad de matar sin remordimientos, y decide que en vez de poner a muerte que va a la cola del vestido como un espía y un asesino. Tienen la intención de poner su personalidad nihilista buen uso para los propósitos secretos del gobierno.

El hecho de que la atención se centra en una mujer asesina es lo que diferencia a esta película, aparte de otros Shoot Em 'hasta películas de acción. Eso, y una forma de Luc Besson, la esposa de tiempo, la actriz Anne Parillaud, habita en el personaje de Nikita de emoción primas.. Su actuación comienza como brutal y psicóticos, sino que transforma a la perfección en una descripción matizada de una mujer vulnerable, los jóvenes en conflicto. Parillaud es una opción poco convencional como protagonista femenina, pero con su pelo muy corto de color marrón oscuro y el marco de niño que nunca es menor que creíble. Ella maneja hábilmente la curva de transformación de Nikita de bueno para nada adicto a una mujer de la sustancia.

En muchos sentidos, Nikita es una mujer ordenada giro en 007, pero lo que hace Bono para la reina y el país Nikita hace porque no tiene otra opción. Esto es lo que hace que la película tan diferente, y hasta conmovedor en algunos lugares. Cuando Nikita se enamora de Marco (Jean-Hugues Anglade), se da cuenta de cómo está atrapado. La obligación de mantener oculta su verdadera vocación, el corazón de Nikita se estira hasta el límite con la idea de poner en peligro su nuevo amor.


Este torbellino de emociones, corriendo constantemente en el fondo, es lo que da a la película de su alma. Small wonder then, that No es de extrañar entonces, que Nikita trajo el éxito en todo el mundo a Luc Besson y finalmente llevó a la película que se re-hecho en los Estados Unidos (como el punto de no retorno) y comisionado como una serie de televisión (La Femme Nikita).

El re-make, protagonizada por Bridget Fonda, sigue bastante fielmente la historia pero simplemente no tiene la misma resonancia que el original. Fonda aparece como demasiado dulce e inocente - nunca un asesino, con problemas o no. La serie de televisión (como es de esperar de los escritores que iban a hacer 24) fue mucho mejor, al menos en términos de drama. Sin embargo, muchos fanáticos en desacuerdo con el reparto incongruente de rubia explosiva Peta Wilson como Nikita para la pequeña pantalla.

Para todos todo el entretenimiento, que agarra de principio a fin y se ejecuta un guante emocional, no es sólo la película original sin golpes de Luc Besson[viii]

CITAS:

[i] http://es.wikipedia.org/wiki/Nikita_(pel%C3%ADcula)

[ii] http://es.movies.yahoo.com/n/nikita-dura-de-matar/index-13955.html

[iii] http://www.sosmoviers.com/2010/09/critica-nikita/

[iv] http://www.elcachondeo.cl/foro/showthread.php?t=29338

[v] http://es.wikipedia.org/wiki/Anne_Parillaud

[vi] http://primerarte.blogspot.com/2009/08/nikita-luc-besson-1990.html

[vii] http://listas.20minutos.es/lista/las-mas-grandes-heroinas-del-cine-en-la-historia-especial-dia-internacional-de-la-mujer-278184/

[viii] http://www.suite101.com/content/an-appreciation-of-luc-bessons-film-nikita-a70165

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BLACK SWANN (cisne negro)

 

 

1.      DARREN ARONOFSKY

Darren Arnofsky desde su debut en el en la pantalla grande, se ha dedicado a realizar cine de autor. Sus films, minuciosamente confeccionados, han abarcado temáticas muy humanas, pero siempre con un enfoque visual innovador. Otra de las características de su cine es el uso de fuertes personajes, que en su recorrido entre el infierno y la redención se nos quedan clavados en la retina.

Su debut con PI (Mejor película en Sundance 1998), de la cual también fue guionista, develó, sin duda un talento en bruto con un film profundo, intrincado y fascinante. La historia del matemático, que basado en la teoría del Caos (según la cual pequeñas cosas pueden causar grandes cambios) intenta descifrar el mundo bursátil, deslizándose peligrosamente entre un gran descubrimiento y la locura, logra quedarse en el espectador como un gran interrogante. Su segundo film ‘Requiem for a dream’ revelaba mayor profesionalismo y un mayor presupuesto que el director utilizó innovando con los enfoques y la edición al punto de utilizar más de cien efectos de cámara distintos para recrear un mundo de carencia de afecto y autodestrucción. Una cinta donde la protagonista es la adicción, monstruosa y con vida propia, que se va apoderando de los personajes, entre los cuales resalta Ellen Burstyn con un performance magistral. En el 2006 nos entregó The Fountain, una película que medita sobre los conceptos de la vida, la muerte y el amor, a través de una historia desgarradora y poética. Esta cinta de altísimo presupuesto y baja recaudación de taquilla, dividió a la crítica, algunos la consideraron la peor película del realizador y otros la catalogaron como una obra de arte. En el 2008 nos entregó la inolvidable “ The Wrestler” , con un poderoso Mickey Rourke, que soporta firmemente el 80% del film, con una actuación fenomenal. Se suma el talento de Aronofsky con su interesante trabajo de dirección y como es usual su genial utilización de la imagen con uso de la cámara en mano y planos secuencia que logran trasmitir la adrenalina de los camerinos y el ring, así como el mundo interno del protagonista.

Aronofsky, nacido el 12 de Febrero de 1969, estudió en la prestigiosa Universidad de Harvard donde conoció al cinematógrafo Matthew Libatique y el músico Clint Mansell, quienes lo han acompañado desde sus primeros cortos hasta su última película. Ambos creativos han ganado diversos premios en sus trabajos con Darren. Y de veras, hay que dales crédito por la impecable fotografía que ha caracterizado a las cintas de este director así como las potentes bandas sonoras, complementos perfectos para un magnífico estilista de la imagen. Y es que Aronofsky sabe como contar historias que trascienden, usando la tecnología y el buen ojo para realzar lo que sus personajes representan en base a una estudiada y impresionante puesta visual basada en decisiones de encuadre, cámaras en mano, subjetivas, planos secuencia y diversos recursos para enfatizar la narrativa. ¿Qué lo diferencia de otros directores? Logra que la imagen intensifique el impacto emotivo en el espectador, ya sea embrujándolo en pasajes inolvidables, o sumergiéndolos en infiernos inimaginables, el director logra mover nuestro mundo interior, nos sacude emocionalmente, en base a la conjugación de los elementos cinematográficos. A eso se suma, la elección de temáticas interesantes, historias que valen la pena ser contadas. Eso sí, de sus películas no se sale ileso y en cada uno de sus films hay escenas que ocuparan un lugar en nuestra memoria.

Este creativo, se a dedicado a hacer el cine que quiere, nunca se ha casado con la maquinaria hollywoodense y llegó a rechazar realizar Batman Begins, lo que implicaba un asegurado éxito internacional , alta taquilla y buenas ganancias, por su proyecto experimental “The Fountain”.

Se trata de uno de los más interesantes y prometedor director, guionista y productor norteamericano de los últimos tiempos.[i]

He aquí una lección de puesta en escena. Darren Aronofsky es un cineasta de imágenes, no de palabras. A veces se le va la mano en el subrayado en la caracterización de los personajes, pero la fuerza visual de su cine es apabullante. Y lo mismo se puede decir de la dirección de actores: como Ellen Burstyn en Réquiem por un sueño, como Mickey Rourke en El luchador, Natalie Portman está portentosa.

La película está dedicada a ella, entregada en cuerpo y alma a interpretar a esta bailarina frágil, que ve cómo su identidad desciende a los infiernos cuando un coreógrafo de prestigio la escoge para protagonizar un nuevo montaje de El lago de los cisnes. Portman se mueve y habla como un animal herido y tambaleante, temeroso de que su lado oscuro se apodere por completo de ella.

Aronofsky no sólo sabe filmar la danza, participando del frenesí de movimientos del proceso creativo de un ballet, sino también la creciente paranoia de nuestra heroína, que despierta nuestra adhesión a pesar de que su visión de la realidad es tan deforme como lo que cree que le ocurre a su cuerpo.

No os voy a desvelar nada más: sólo que el clímax es épico, monumental, y aunque hay alguna trampa que podría molestar a los más escépticos, el poderío de la puesta en escena de Aronofsky, hipnótica y envolvente, gana al espectador desde el primer minuto de proyección. Hemos empezado bien, sí señor.[ii]

Con semejante nombre cualquiera podría pensar que se trata de un realizador recién llegado de Europa Central y no un hombre de apenas 41 años nacido en Brooklyn y que, a esa edad, tierna para un director de cine, cuenta con cinco películas, todas ellas muy elogiadas.

“Pi”, extraña reflexión matemática; “Requiem for a Dream”, formidable visión de la adicción; “The Fountain”, tres historias en diferentes épocas; “The Wrestler”, admirable historia sobre la sicología de un luchador envejecido, y ahora la que para nosotros, por lo menos, es la mejor de todas: “Black Swan”.

Este filme es realmente fascinante.

La progresión dramática y sicológica de su personaje central, la bailarina de ballet Nina Sayers ha sido trazada con meticulosa pero exaltada precisión por Aronofsky.

La joven ballerina, sobreprotegida por una madre que resiente su pasado, viviendo minuto a minuto la rivalidad y feroz competencia de sus pares en la compañía, presionada por el director del grupo, Thomas LeRoy (Vincent Cassel) enfrenta el reto de interpretar el personaje central de “El Lago de los cisnes”, clásico y hermoso ballet de Piotr Ilich Tchaikovsky.

Pero ese personaje es mentalmente dual: ella debe ser el cisne blanco, que es toda inocencia y candor, pero también el cisne negro, que es el retrato de la maldad y la furia desatadas.

En principio, ella se luce como cisne blanco, pero LeRoy aduce que le falta fuerza, vigor y dureza para ser el negro, lo cual desata una reacción sicológica increíble en Nina a través de su relación con Lily, compañera y competidora y de la presión de LeRoy y Erica, la madre protectora avasallante.

Claro, una historia de semejante naturaleza, tan excelentemente concebida por Andrés Heinz y llevada al guión por el mismo Heinz, MarkHeyman y John McLaughlyn, además de no ser fácil de crear precisamente, necesariamente, de una mano firme, conocedora, exquisita para ser puesta en escena porque el más mínimo desliz la puede convertir en algo vulgar y hasta grotesco.

Pero Aronofsky demuestra con cada obra que es mejor, más elegante en su estilo, más preciso, detallista en la puesta en escena, en la plasticidad de sus tomas y movimientos de cámara, en la preciosa conjunción de los hermosos detalles visuales del ballet con la belleza impresionante de la música de Tchaikovsky, y aún con la partitura de Clint Mansell que señorea sobre la torturada y apasionante vida de Nina en su hogar o en las escasas oportunidades fuera de ese ambiente o del escenario, los camerinos, tras bambalinas.

2.      FICHA TÉCNICA

Título: Cisne negro
Título original: Black Swan
Dirección: Darren Aronofsky
Guión: Mark Heyman, Andres Heinz
Música: Clint Mansell
Fotografía: Matthew Libatique
Año: 2010
Duración: 103'
Producción: Thérèse DePrez
Reparto: Mila Kunis, Natalie Portman, Christopher Gartin, Winona Ryder, Sebastian Stan, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Janet Montgomery, Toby Hemingway, Kristina Anapau
Montaje: Andrew Weisblum
Dirección artística: David Stein

3.      SINOPSIS

Nina comparte casa con su madre, Erica (Barbara Hershey) una mujer que dedicó varios años de su juventud al baile, ahora ya retirada apoya con gran entusiasmo la ambición de su hija que sueña en convertirse en profesional. Desde este punto de vista todo parece andar con tranquilidad, incluso se podría decir que todo marcha bastante bien para Nina, hasta que tiene que competir con una rival que amenaza con tomar el puesto que tanto anhela. De pronto aparece una nueva bailarina, la hermosa Mila Kunis con el nombre de “Lily”, con talento impresionante y dedicación sobrenatural.

El drama se desarrolla en base a la rivalidad que nace entre ambas estrellas, dos chicas que luchan por interpretar el papel que mejor se adecua a cada una de ellas en la producción de temporada “El Lago de los Cisnes”. [iii]

4.      PREMIOS

a.      PREMIOS DEL ESPIRITU INDEPENDIENTE

Entre los galardones obtenidos por la cinta en la versión de los Premios Spirit, está mejor película, mejor actriz para Natalie Portman, mejor fotografía para Matthew Libatique.y mejor director para Darren Aronofsky.[iv]

b.     PREMIOS BAFTA

Natalie Portman se ha alzado con el premio Bafta a la 'Mejor Actriz' por su papel en 'Cisne Negro' en la ceremonia que ha tenido lugar este domingo 13 de febrero en la Royal Opera House de Londres.[v]

c.      PREMIOS OSCAR

Natalie Portman, de 29 años, se alzó hoy con la estatuilla de mejor actriz en la 83 edición de los Óscar de Hollywood por su papel protagonista en la película "Black Swan.

La actriz obtuvo la estatuilla un día después de conquistar también el título de mejor intérprete en los premios de cine independiente Spirit, que se entregaron el sábado en Los Ángeles, y tras triunfar en enero en los Globos de Oro y en los Screen Actors Guild (SAG).[vi]

5.      COMENTARIOS

Para tanta perfección, un reparto inesperadamente formidable: Natalie Portman, de quien no teníamos conocimiento de la danza clásica, y que, aunque sabemos que hay trucos y sustituciones, de todos modos luce a perfección bailando y maravilla actuando.

Mila Kunis, magistral como Lily; Vincent Cassel, como LeRoy, y hasta Barbara Hershey como Erica Sayers. Winona Ryder, como Beth Mackintyre, apenas tiene tiempo para hacerse ver, pero no desentona en tan exquisito reparto, digno de premio conjunto.

Desde ya, “Black Swan” figura y figurará entre las mejores películas de este presente año 2011, porque no creemos posible que aparezca una docena de películas mejores para desplazarla.[vii

La actriz Natalie Portman sin duda tiene muchas razones para ser feliz, y más durante el 2011. Su relación con el coreógrafo Benjamin Millepied va viento en popa –la pareja se va a casar y además esperan su primer hijo- y en el terreno profesional no le podría ir mejor.

El último de sus triunfos se lo llevó en la entrega de los Globos de Oro, premios que se consideran como antesala de los Oscar. Portman fue galardonada como 'mejor actriz protagonista en drama' por su trabajo en 'El cisne negro'. Además de ella, fueron muchos los afortunados que, sobre el escenario del hotel 'Beverly Hilton' de Los Ángeles, recogían sus premios.

Para gusto se han hecho colores, dice el antiguo dicho, pero este “Cisne Negro”, es muy difícil de entender ¿eran los sucesos productos de la imaginación de Nina (Portman), o eran realidad? Los psicólogos se darán gusto haciendo un montón de deducciones, pero para el público en general, no creo sea tan sencillo. La dualidad de las situaciones da pie a la confusión que puede existir en la mente del espectador, al terminar la película.

Las crónicas de los rotativos cuentan el tiempo que la actriz dedicó a practicar y entender las bases de la danza clásica, que la hizo perder 20 libras, entrenada por Mary Helen Bowers, antiguo miembro del New York City Ballet. De la misma compañía, de la que es actualmente principal, el coreógrafo Benjamin Millepied es el responsable de los segmentos coreográficos de la obra, cambiados o interpolados a la maravillosa obra de Petipa-Ivanov, que van acompañados por la inmortal música de Tchaikowsky. La divina música se oye no solamente en las escenas de danza, sino como música de fondo a través de toda la cinta fílmica.

La propia Portman ejecuta secuencias de danza clásica en los Pas de Deux del segundo acto, pero en los pasajes difíciles (como las vueltas), la cámara se aleja y entonces vemos en la lejanía a una brillante Sarah Lane, solista del American Ballet Theatre, ejecutando múltiples giros. Sobre el argumento, aquí es donde se marchan a casa el buen gusto y la decencia, Sí, ¿por qué no admitirlo?: No soy “politically correct”.

El director de la ficticia compañía y coreógrafo del falso “Lago de Cisnes”, Thomas Leroy (Vincent Cassell), tratando de que Nina muestre más apasionamiento en el role de la malvada Odile, el Cisne Negro del título, le insinúa que aprenda a darse satisfacción personal, o sea, masturbarse (y aquí pido perdón a los lectores por usar la palabra). La escena no se hace esperar, y aparece en la pantalla, suficientemente explícita para mi asombro. Pero la pasión no surge en la interpretación de Odile, por más que el director la encuentra en otra bailarina, Lily (Mila Kunis) que incita a Nina a beber en la noche antes del debut, la seduce en una escena de lesbianismo, también demasiado explícita y por ende desagradable, que termina en sangre y muerte de Lily a manos de Nina, pero claramente producto de su imaginación, de acuerdo con lo que aparece después.

Añadiendo más complicaciones al argumento, Nina tiene una madre dominante e intrusiva
(Barbara Hershey), que vive obsesionada con el triunfo de su hija. Como otras bailarinas, Nina por su parte, vive también obsesionada con ser estrella, aunque el precio por llegar a serlo, es muy caro (le sangran los dedos de la mano, los de los pies, y la espalda). Su admiración por la estrella de la compañía, Beth (Winona Ryder), cuyo retiro ha dado lugar a su promoción, la ha hecho robarle aretes, crayones de labios, etc. que devuelve cuando Beth ha tratado de suicidarse, y está en una silla de ruedas. Sumamente macabro, no hay duda.

En la escena final, donde Odile baila portando enormes alas negras, Nina obtiene el triunfo deseado, pero al convertirse de nuevo en Odette, antes de arrojarse al lago para terminar con su vida, se clava en el estómago un objeto hiriente que, como la obra coreográfica, también termina con su agonía. ¿Fantasía de su perturbada mente, o realidad? Ahí queda la pregunta.

Resumiendo: Para quien aspire a llegar a ser estrella de la danza, el argumento puede causar que desista de su propósito. ¿Es “Black Swan” negativo para el ballet? Un SI con mayúsculas. El guión, aparte de haber borrado la línea que debe existir entre lo sensual y lo pornográfico, es deprimente, obscuro y muy difícil de discernir.

El único factor positivo que se puede señalar como resultado de “Black Swan”, es que Portman y Millepied han entablado una relación amorosa que espero les proporcione a ambos momentos felices.[viii]

Darren Aronofsky está vez nos trae una película llena de intriga y suspenso con giros totalmente inesperados que nos llevan a explorar los confines más oscuros de la personalidad, el ego, el deseo y la envidia.[1]

La película 'Cisne negro' ('Black Swan'), se está convirtiendo poco a poco en uno de los estrenos más comentados y polémicos de los últimos meses.

El filme con una Portman más sexualmente explícita que nunca explica las aspiraciones de una bailarina que trata de apasionarse en el role de la malvada, el Cisne Negro del título. Pasa por la masturbación y por una escena de lesbianismo, demasiado explícita y por ende desagradable, que termina en sangre y muerte de uno de los personajes.

La actriz explicó en Cannes que "[Daniel Aronofsky] Me dijo que sería como tener sexo conmigo misma, y me pareció un desafío". El 'thriller' psicológico en el que se mete en el papel de una bailarina de ballet le ha servido también para conocer al que es hoy por hoy su futuro marido, el coreógrafo Benjamin Millpeid, con quien espera un hijo.

La actriz, según elogia la prensa estadounidense, dedicó mucho tiempo a practicar y entender las bases de la danza clásica.  Mary Helen Bowers, antiguo miembro del New York City Ballet, entrenó a Portman. Esta es la misma compañía de Millepied, responsable de los segmentos coreográficos de la obra,cambiados o interpolados a la maravillosa obra de Petipa-Ivanov, que van acompañados por la inmortal música de Tchaikowsky. La divina música se oye no solamente en las escenas de danza, sino como música de fondo a través de toda la fílmica.[2]

Angustiante, así de ver el fin y dar un respiro de alivio, por la gran intensidad Black Swan, del director americano Darren Aronofsky, donde el yo interior se pelea consigo entre esa continua y perenne personalidad dual.

Una Natalie Portman de gran nivel histriónico que interpreta un cisne que vive entre dos mundos, aquel del bien y del mal, de lo justo y lo injusto, de la infancia y la edad adulta, pero más incisivamente en el de la lucha entre los defectos y la total perfección.

Muchos primeros planos y claroscuros para meter al público en el interior de la bailarina que transmite su agudo sufrimiento mental  y que se materializa asimismo en el uso maniaco de las uñas, rasguñándose una y otra vez y cortándolas hasta hacerse sangre, y como en cada artista de la danza, también la cámara se concentra en esa relación con los pies lastimados.  

La escenografía y fotografía hacen un matrimonio ideal, para representar el blanco y el negro del cisne y de la dimensión de la protagonista, aparecen hasta en la almohada que la adorna en sus momentos de diálogo íntimo, su casa, la escuela de ballet y la oficina.

Otra dualidad más se percibe con la madre/Barbara Hershey y el director de la compañía, Thomas Leroy/Vincent Cassel, quienes inciden en Nina/Natalie para llevarla a los extremos, con una constante inestabilidad emocional, que se podría metamorfosear con la sensación que regala una montaña rusa y que ella vive entre el personaje vencedor y el frustrado.[ix]



Barbados había prohibido la película Black Swan, debido a su contenido sexual y violento.[x]

El Cisne negro (The Black Swan/ 2010) es obra del talentoso Darren Aronofsky, quien después del rotundo éxito de “El Luchador” ( The Wrestler), ataca con una historia que mezcla drama y thriller psicológico, a través de la vida de una bailarina, una soberbia Natalie Portman, en un apasionante y oscuro retrato de los límites de la cordura, hecho con gran inteligencia y una experticia visual que logra que la historia trascienda la pantalla para tocarnos la fibra interior.

El film cuenta la historia de una bailarina, Nina ( Natalie Portman) que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York y su existencia gira completamente alrededor de la danza. A pesar de ser adulta, vive con una posesiva madre, y lleva una vida llena de disciplina, sin permisos ni concesiones.

Thomas Leroy (un soberbio Vincent Cassel), el director de la futura obra: “El Lago de los Cisnes”, decide elegir a la joven como protagonista. Vale acotar que la obra, representada muchas veces alrededor del mundo, versa sobre una princesa atrapada en cuerpo de cisne, a la cual solo el verdadero amor podrá liberarla del hechizo. El príncipe se enamora de la bella cisne blanca, inocente, pura, tierna, pero existe una cisne negra, que representa todo lo contario: la pasión, la sensualidad, y el engaño que logrará confundir al príncipe , lo que genera que el cisne blanco se arroje a un precipicio. Se trata de una obra llena de dramatismo.

Leroy elige a Nina porque representa a la perfección el Cisne Blanco, y en vez de escoger otra bailarina para el rol del cisne negro ( lo usual ) decide que ella debe bailar las dos versiones. Esto dispara en Nina una doble batalla, primero con una compañera, Lily (Mila Kunis), en quien ve perfectamente al cisne negro que ella no logra ser y que siente que quiere arrebatarle el protagónico y la otra batalla es consigo misma en su búsqueda de encontrar su lado oscuro.

La lucha de Nina será tan intensa, que la llevara al límite de la cordura. La chica comienza a tener alucinaciones y a confundir lo que es real con lo imaginario. Estas escenas están logradas con maestría y logran calar en el espectador con fuerte impacto. Si bien en el film la escisión entre el lado bueno y malo de Nina es muy marcada, el director trata un tema de fondo que llama a la reflexión, ya que todos de alguna manera estamos en la búsqueda del equilibrio, sopesando día a día nuestros lados opuestos.

Aronofsky se encarga de representar visualmente, lo que le está sucediendo psicológicamente al personaje y vaya que lo logra intensamente. Confusión, alucinaciones y sueños son reflejados con habilidad por el director, que logra belleza en una trama muy oscura. Con un guión muy sólido, el realizador logra mantener el ritmo y la creciente tensión. Con un inteligente uso de los movimientos de cámara, acompañado de un trabajo de fotografía excelente a cargo de Matthew Libatique , pasajes musicales exquisitos por Clint Mansell y una maravillosa dirección artística a cargo de David Stein, la cinta es una pieza valiosa.

Así como Aronofsky supo plasmar en “El Luchador” el mudo del ring con mucha soltura, en esta película logra adentrarnos en el mundo del ballet, generando imágenes hermosas . Así mismo , nos eriza la piel con escenas muy fuertes que parten de las alucinaciones de Nina.

Este film tiene algunas similitudes con su película anterior: el peso de la película está fundamentalmente basado en un solo personaje y por más talento que tenga el director, para lograr esto se necesita un actor de carácter. En “El Luchador” revivió a un grande olvidado: un fascinante Mickey Rourke, en” El cisne negro” logra obtener el mejor performance de Natalie Portman hasta la fecha, en una actuación desgarrada y memorable. Será inolvidable para muchos el baile final del cisne negro, realmente sobrecogedor. La actriz, nominada y ya ganadora de numerosos premios en festivales de todo el mundo, pasó seis meses entrenando con los mejores profesores de ballet , para lograr la soltura que refleja en pantalla.

No se trata de una cinta fácil de ver y digerir, como casi todas las películas de este talentoso director que logra movernos el mundo emocional con su pericia en el manejo de la imagen y en su escogencia de tramas interesantes .Por la potente oscuridad de esta película, seguramente dividirá a la crítica y a la audiencia. En mi opinión estamos frente a uno de las mejores films del año y quizás el más completo de este multifacético director.[3]

Imperdible!!!

CITAS:

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[1] http://general.cinequo.com/cisne-negro-%E2%80%93-bienvenidos-al-lado-oscuro-del-ballet/1895

[2] http://www.lavanguardia.es/gente/20110111/54099653624/polemica-en-ee-uu-por-las-escenas-de-sexo-de-natalie-portman-en-cisne-negro.html

[3] http://revista.escaner.cl/node/3247

[i] http://revista.escaner.cl/node/3247

[ii] http://www.canaltcm.com/estadocritico/post/2010/09/01/el-cisne-negro-portman-y-aronofsky-vuela-bien-alto

[iii] http://general.cinequo.com/cisne-negro-%E2%80%93-bienvenidos-al-lado-oscuro-del-ballet/1895

[iv] http://www.latercera.com/noticia/cultura/2011/02/1453-347833-9-black-swan-arraso-en-entrega-de-premios-al-cine-indedependiente.shtml

[v] http://www.diariofemenino.com/ocio/cine/articulos/natalie-portman-bafta-mejor-actriz-cisne-negro/

[vi] http://www.google.com/hostednews/epa/article/ALeqM5hfUrbXTFlAEOv2Z_cTwaMEUlPekw?docId=1473907

[vii] http://www.listindiario.com.do/entretenimiento/2011/1/14/173497/Cisne-negro

[viii] http://www.danzaballet.com/modules.php?name=News&file=article&sid=4093

[ix] http://iberarte.com/content/view/5486/99/

[x] http://eltiempo.com.ve/tiempo-libre/cine/tras-protestas-barbados-revierte-prohibicion-de-la-pelicula-black-swan/14334

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