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viernes, 27 de enero de 2012

MOTIN A BORDO

MOTIN A BORDO


El motín de la Bounty en el cine

La historia de la Bounty ha tenido tres grandes adaptaciones cinematográficas. La primera de ellas llegó en 1935 de la mano de Metro Goldwyn Mayer en una suntuosa adaptación que dirigió Frank Lloyd y que contó con Charles Laughton en el papel de William Bligh y Clark Gable dando vida a Fletcher Christian. Como dato curioso, la actriz de ascendencia mejicana Movita interpretó a una de las nativas tahitianas. Se da el caso que Movita fue una de las esposas de Marlon Brando quien, a su vez, fue Fletcher Christian en la adaptación de 1962.



Mutiny on the Bounty fue la ganadora del Oscar a la mejor película de 1935 aunque es el único caso en la historia de los premios que un film consigue únicamente la estatuilla de mejor film. Las nominaciones de Frank Lloyd, Charles Laughton, Clark Gable, y Franchot Tone, entre otras, no obtuvieron recompensa.



Tal como era habitual en la época, la cinta se rodó en los estudios de la MGM y en exteriores de la costa de California. Las tomas rodadas en islas del Pacífico fueron filmadas por una segunda unidad por lo que el equipo principal nunca se desplazó a los escenarios reales.









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Esta versión está basada en la novela de Charles Nordhoff y James Norman Hall, que altera muchos de los hechos reales acaecidos. La versión de 1962, que tuvo el mismo título, se basó también en esta novela que recreaba los hechos de la Bounty.





Mutiny on the Bounty, traducida en castellano como Motín a bordo (Hispanoamérica) o Rebelión a bordo (España), es una película basada en la novela del mismo título de Charles Nordhoff y James Norman Hall. Ganó el Oscar a la mejor película del año y tuvo candidaturas a otros siete, incluyendo las de Laughton, Gable y Tone al mejor actor, así como las de mejor director, mejor montaje, mejor banda sonora y mejor guión.

Argumento

Basada en la trilogía de novelas por Charles Nordhoff y James Norman Hall sobre el motín a bordo de la "Bounty", la película relata el viaje del barco a Tahití para recoger retoños del árbol del pan con la finalidad de ser plantados en las colonias británicas de las Indias Occidentales y proveer de alimento barato a los esclavos. Pero durante el viaje la actitud tiránica del Capitán Bligh convierte el viaje en algo insoportable para la tripulación. El primer oficial Fletcher Christian no está de acuerdo con la estricta aplicación de la disciplina que hace el capitán, ya que considera que resulta nefasta para la moral de los marineros, cuya vida es de por sí bastante dura. El contraste entre la vida paradisíaca en Tahití y el regreso a la rutina de a bordo desemboca en un motín dirigido por Christian, que regresa a Tahití con la Bounty abandonando a Bligh y unos cuantos de sus fieles en una chalupa en alta mar. Bligh, al que hasta ahora conocíamos como pésimo gestor de recursos humanos, se revela como un magnífico navegante y un tipo corajudo capaz de llevar el pequeño bote hasta el lejano puerto de Timor. Bligh regresa a Tahití a bordo del "Pandora" para ajustar las cuentas con los amotinados, pero Christian avista el barco y prepara la "Bounty" para zarpar de Tahití... conseguirán escapar?Este hecho resulta fílmicamente muy dramático pero es históricamente inexacto: en la realidad histórica, Bligh navegaba en esos momentos a bordo del "Providence" en una segunda misión -esta vez coronada por el éxito- en pos del árbol del pan, siendo el "Pandora" capitaneado por el capitan Edward Edwards.


Comentarios

En su reposición en las pantallas españolas tras la guerra civil "Mutiny on the Bounty" se tituló "La tragedia de la Bounty", por considerar las autoridades de la dictadura franquista que la palabra rebelión no era aceptable. El título se ha mantenido tras el estreno de la versión de 1962, que en subsiguientes reposiciones, pases televisivos y ediciones en vídeo usurparía el título original en castellano con el que se estrenó el film de 1935.[i][Image





En esta ocasión, el estudio entregó las riendas de la dirección a Carol Reed quien, sin embargo, no convenció a los productores que le reemplazaron por Lewis Milestone una semana después del inicio del rodaje. El reparto estaba formado por Marlon Brando como Fletcher Christian, Trevor Howard en el papel de Bligh, Richard Harris como el marinero John Mills, y Hugh Griffith dando vida a Alexander Smith. Como dato importante, la actriz polinesia de veinte años Tarita dio vida a Maimiti. En el rodaje conoció a Marlon Brando con quien se casó tras divorciarse de la anteriormente mencionada Movita.



En esta ocasión el equipo principal sí se desplazó al Pacífico y rodó en Tahití gran parte de su metraje. Fue allí donde Brando descubrió la cultura y los escenarios polinesios que tanto le fascinaron durante el resto de su vida.

El film fue nominado en siete categorías (incluyendo mejor película) pero no obtuvo ninguno. Tal como he citado antes, esta versión también altera muchos de los acontecimientos reales en beneficio de una supuesta tensión dramática. El cambio quizá más conocido fue el de la muerte de Christian que en esta película acontece poco después de llegar a Pitcairn cuando él intenta detener el incendio de la Bounty.

Finalmente, en 1984 llegó The Bounty, la versión más próxima a los hechos reales y la que retrató de una forma más realista lo que debía ser la vida en un barco a finales del siglo XVIII. El gran productor Dino De Laurentiis fue el gran impulsor del proyecto que fue dirigido por el australiano Roger Donaldson.[Image]



A pesar de todo, The Bounty es sin lugar a dudas la mejor adaptación realizada sobre los hechos ocurridos entre 1787 y 1789. Hace gala de un realismo total en el diseño de los escenarios, en la creación de ambientes, y además su guión es el que menos se desvía de los hechos acontecidos.El resto del reparto también fue de gran nivel puesto que encontramos a dos jovenes actores, en el inicio de sus carreras, en papeles importantes: Daniel Day Lewis como John Fryer, y Liam Neeson dando vida al marinero Charles Churchill.





El film también cuenta con la presencia de Sir Laurence Olivier en uno de los últimos papeles de su espléndida carrera. Interpreta al Almirante Hood, quien se encarga de presidir el comité que debe evaluar la conducta de William Bligh cuando éste regresa a Londres tras su heroica travesía por el Pacífico.





En resumen, una película muy interesante que sin embargo no obtuvo el reconocimiento que merecía. Una gran producción que sigue siendo desconocida para una gran parte de público.La banda sonora de la película fue compuesta por el extraordinario Vangelis, que a mediados de los 80, se encontraba en su mejor momento creativo tras haber sido el autor de las partituras de Carros de Fuego y Blade Runner. He decidido acabar este artículo con el tema principal que compuso para The Bounty, una melodía que destila calidad por doquier. Un magnífico acompañamiento musical para introducirnos en la historia del primer y último viaje de la Bounty a unos paraisos lejanos e inexplorados.[ii]

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The Bounty es una película británico - estadounidense de 1984, del género drama histórico, dirigida por Roger Donaldson. Protagonizada por Mel Gibson, Anthony Hopkins, Liam Neeson, Daniel Day-Lewis, Bernard Hill, Laurence Olivier y Edward Fox en los papeles principales. El guión esta basado en la novela Captain Bligh and Mr. Christian (1972) de Richard Hough que trata de un episodio de la vida real del entonces Capitán de corbeta, William Bligh de la Marina Real Británica que fue objeto de un motín liderado por el Capitán de Marina mercante y Primer oficial, Fletcher Christian.

Argumento

En el siglo XVIII el HMAV Bounty tiene el encargo de viajar a Tahití para recojer plantas del árbol del pan, y transportarlas a las islas del Caribe, donde serán multiplicados para producir un alimento barato destinado a los esclavos. Debido a una fuerte tormenta, el barco llega tarde a Tahití y no puede recoger las plantas, por lo que debe esperar varios meses hasta poder hacerlo. Durante este tiempo los marineros, incluido el primer oficial, Fletcher Christian (Mel Gibson), se dedican a descansar y a la buena vida. Muchos de ellos se emparejan con mujeres nativas. Christian incluso establece una relación matrimonial con una de ellas. Cuando llega el momento de partir, el capitán Bligh (Anthony Hopkins) tiene grandes dificultades en establecer nuevamente la disciplina. Al cabo de unos días de navegación, en los que la tensión va en aumento, se produce un motín.



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ComentariosLas dos versiones anteriores realizadas sobre los hechos históricos acaecidos en la HMS Bounty fueron protagonizadas por Clark Gable y por Marlon Brando, respectivamente, en el papel del primer oficial Fletcher Christian. En estas dos películas, sin embargo, se presentaban las causas del motín como imputables al capitán por su despotismo. Esta nueva versión se ajusta mucho más a la realidad. La música de Vangelis es muy buena y contribuye a crear la ambientación que la película requiere. [iii] The Bounty TítuloMotín a bordo (España) Ficha técnica DirecciónRoger Donaldson ProducciónDino De Laurentiis; Bernard Williams GuiónRobert Bolt MúsicaVangelis FotografíaArthur Ibbetson MontajeTony Lawson RepartoMel Gibson, Anthony Hopkins, Laurence Olivier, Edward Fox

Liam Neeson, Daniel Day-Lewis Datos y cifras País(es)Reino Unido, Estados Unidos Año1984 GéneroAventuras, Drama histórico Duración132 minutos Compañías ProductoraDino De Laurentiis Company, Bounty Productions Ltd.



Personajes, elenco y doblaje ActorPersonajeDoblador (Hispano) Mel GibsonFletcher ChristianCarlos Becerril Anthony HopkinsTte. William BlighJorge Lapuente Liam NeesonCharles ChurchillSalvador Delgado Daniel Day-LewisTte. John FryerRafael Rivera Bernard HillWilliam ColeBardo Miranda Laurence OlivierAdmirante Hood

Edward FoxCapitán GreethamCarlos Águila Philip DavisEdward YoungJesse Conde Philip Martin BrownJohn AdamsJosé Gilberto Vilchis Simon ChandlerDavid NelsonEnrique Mederos Simon AdamsPeter HeywoodVíctor Ugarte Malcolm TerrisDr. John Huggan

Wi Kuki KaaRey TynahSergio Castillo Tevaite VernetteMauatuaMayra Arellano





MOTÍN A BORDO



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Este era un film que quería realizar David Lean a mediados de los 70. Se basaba en un ensayo histórico escrito por Richard Hough, que había convertido en guión el colaborador habitual de Lean, Robert Bolt. Pero problemas financieros impidieron que el proyecto saliera a flote y los derechos fueron finalmente adquiridos por De Laurentiis quien puso los recursos necesarios para que la película saliera adelante incluyendo el gran costo que suponía rodar la totalidad del film en escenarios naturales de Moorea (Polinesia Francesa) y Nueva Zelanda. Por otra parte, las escenas en las que Bligh comparece ante el almirantazgo, se rodaron en el Palacio de Greenwich y en el Reform Club de Londres.



El reparto estuvo encabezado por Anthony Hopkins, que asumió el papel de Bligh, y un joven Mel Gibson que dio vida a Fletcher Christian. Entre ambos hubo buenas relaciones durante el rodaje pero lo único que enturbió el ambiente fueron las constantes borracheras y peleas que Gibson protagonizó, durante las noches, en diferentes bares y locales polinesios. En una ocasión, a Gibson le dieron un fuerte golpe en la cara que dejó una marca contundente en su rostro. En los días siguientes, Donaldson rodó escenas con él bajo un determinado ángulo de cámara que ocultaba los moratones. En esa época Gibson se caracterizaba por su díscola forma de vida y no superó sus problemas con el alcohol hasta 1987.

FICHA TÉCNICA



Título Original: The Bounty

Año: 1984

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Roger Donaldson

Intérpretes: Mel Gibson, Anthony Hopkins, Laurence Olivier, Edward Fox, Daniel Day-Lewis, Liam Neeson, Philip Davis, Bernard Hill

Guión: Robert Bolt

Música: Vangelis

Fotografía: John Graysmark

Productora: MGM / UA

Duración: 132 minutos



SINOPSIS



(La sinopsis es idéntica para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).

Las otras dos versiones son:Rebelión a bordo (1935) - (Mutiny on the Bounty)

Rebelión a bordo (1962) - (Mutiny on the Bounty)

En diciembre de 1787 el barco británico “Bounty” está anclado en el Puerto de Portsmouth, poco antes de su marcha a Tahití. Su misión una vez allí será embarcar brotes del árbol del pan para trasladarlos a Jamaica y trasplantarlos allí como alimento fácil de cultivar y económico que proporcionará comida a los esclavos que el Imperio Británico mantiene en sus colonias de las Indias Occidentales, en Jamaica concretamente. Pero es cosa sabida que ni el barco ni los frutos llegaron a su destino porque es algo histórico y porque, como el propio título de la película indica, hubo una rebelión a bordo, un motín de la tripulación. ¿Qué ocurrió en ese barco para que este hecho se produjera?ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES1) Tercera revisión del tema, tras las realizadas con idéntico título, “Rebelión a bordo” en 1935, a cargo de Charles Laughton y Clark Gable, y en 1962, protagonizada por Marlon Brando y Trevor Howard, entre un elenco de conocidas estrellas.



2) A diferencia de sus dos predecesoras cuyo guión se basaba en la misma novela, ésta realiza la adaptación para la pantalla de la novela “Capitán Bligh y Señor Christian”, de Richard Hough.COMENTARIO PROPIOLa película nos va a ser narrada con voz en off en muchas ocasiones, sobre todo por parte del Cap. Bligh (Anthony Hopkins) que inicia la película enfrentándose a un Consejo de Guerra por haber perdido su barco, la “Bounty” en un amotinamiento de su tripulación y es ahí donde nos va a relatar “la historia”. No obstante, a lo largo del metraje, se regresará de nuevo a este punto en dos o tres ocasiones, por lo que la narración de la película adelanta o atrasa su tiempo según estamos en el juicio o en el largo flash-back.Es ésta una versión diferente del mismo tema, tal vez porque el guión bebe de otra novela y, aunque en realidad se nos cuenta la misma historia que en sus dos predecesoras, lo cierto es que esta película es totalmente distinta a ellas, tanto en su forma como en su fondo. Cuajadita de grandes nombres del cine, lo cierto es que Laurence Olivier, Daniel Day-Lewis, Edward Fox, Liam Neeson apenas tienen papel, de hecho casi ni tienen diálogo y sus presencias son meramente testimoniales y un claro reclamo publicitario para dar más empaque a la producción. Pero al final la película se centra en los dos personajes principales de la historia, el Capitan Bligh (Anthony Hopkins) y el Teniente Fletcher Christian (Mel Gibson), el primero con cara de ido en la mayor parte de la película, que parece que acabe de levantarse de la cama y aún no se haya despejado, y el segundo luciendo palmito y bajadas de ojos, pues la película en realidad, más que en otra cosa, se centra en la parte romántica, a mayor gloria y lucimiento de un joven y atractivo Gibson.

A mí me parece que esta versión no aporta nada nuevo a lo visto en los dos trabajos anteriores. Su narración es mucho más lenta, su ritmo muchísimo más pausado, la historia “básica” del suceso está adulterada y descafeinada pues aquí Christian no se enfrenta por lo que cabe esperar, si no porque está enfadado con el Capitán que le ha regañado, incluso siendo buenos amigos. En realidad, la rebelión no sucede por lo que conocemos por las otras versiones, no, aquí es más bien una cuestión de faldas o, mejor dicho, de ausencia de ellas porque aquí el árbol del pan apenas pinta nada. Es más, ni siquiera la tripulación parece pintar nada. Pero eso sí, como es una película mucho más moderna, aquí lo que sí que pueden verse son tetas. Muchas.

Una pena la cantidad de buenos actores que desaprovecha esta película, dándole cancha justamente al peor de todos, Gibson. Por decir algo bueno de ella, que la fotografía es preciosa y que la música de Vangelis me parece preciosa, aunque quizá no sea la más apropiada para una película de aventuras en el siglo XVIII.



La vi en el cine, hace mucho tiempo y lo cierto es que no me apetecía volver a verla porque no me gustó. La razón de haberlo hecho es por el estudio comparativo de las tres versiones que he hecho, porque de otro modo, en lo que a mí respecta, esta película nunca hubiera estado en los clásicos, ni siquiera en los modernos. Y si os leéis el apartado comparativo notaréis aún más que, siempre en mi humilde opinión, las dos versiones anteriores son dos grandes películas y ésta, además de insulsa y aburrida, es una patata.

PEQUEÑA COMPARATIVA

(Este apartado es idéntico para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).



Las películas comparadas son:

1ª.- Rebelión a bordo (1935), en adelante la 1ª.

2ª.- Rebelión a bordo (1962), en adelante la 2ª.

3ª.- Motín a bordo (1984), en adelante, la 3ª.



Básicamente, las 3 cuentan la misma historia, las dos primeras basadas en la misma novela, la trilogía “La Bounty”, de Charles Nordfort y James Norman Hall, y la 3ª basada en la novela “Capitán Bligh y Señor Christian”, de Richard Hough.

De duración similar, poco más de hora y media la 1ª y 3ª, la de mayor duración es la 2ª, que se va a las 3 horas. Sin embargo, a mí la que se me hace más larga de las 3 es la última, la más moderna, porque es la más lenta de desarrollo y, de lejos, la más aburrida. En la 1ª me parece que le hubiera venido bien unos minutillos más, pues el final es un tanto precipitado y se resuelve de un modo demasiado rápido y atropellado. En cambio a la 2ª, la de mayor duración, yo creo que le sobran unos minutos que la hubieran aligerado un poco y que se podrían haber conseguido fácilmente eliminando algunas escenas aquí y allá que no aportan gran cosa al grueso de la historia.

La ambientación y la fotografía son estupendas en las 3 películas, en blanco y negro la primera y a todo color en las otras dos. También la música está bastante bien en todas, siendo la más normalita la de la 1ª y la más extraña por no pegarle demasiado a la historia, la de la 3ª, aunque a mí me gusta bastante las melodías de Vangelis. Para mí la mejor es la de la 2ª, mucho más épica que la de su predecesora y con acompañamiento coral en su gran tema central, y también más acorde con lo que se narra, aunque ya digo que la de Vangelis también está muy bien.



El motivo del viaje es el mismo en las tres versiones. Hay que ir a Taihí a buscar árbol del pan y llevarlo a Jamaica, colonia británica, para plantarlo y conseguir comida barata para los esclavos. Pero tanto en la 1ª como en la 3ª apenas es una excusa argumental para emprender el viaje y casi no tiene mayor importancia luego en el desarrollo de la historia, mucho más en el segundo caso. En cambio en la 2ª no sólo es el motivo del viaje si no que se nos cuentan más cosas sobre este fruto, el botánico encargado de él y que viaja en el barco tiene mucho más papel y también tiene el arbolito mucha importancia en los acontecimientos que se desarrollan en el barco. Refleja mucho mejor que la 1ª y de una forma más coherente las situaciones por las que tiene que pasar la tripulación hasta llegar al motín, que en la 1ª son una serie de incidentes, mostrados uno tras otros sin mucho hilo narrativo. Y ambas, 1ª y 2ª, le dan 200.000 vueltas a la 3ª.

El barco es similar en las tres, bellísimo. El incidente del robo del queso también se menciona en las 3, aunque sucede en momentos distintos e influyen en la historia de diferentes modos. Las 3 expediciones llevan un médico a bordo, pero su papel no es especialmente importante excepto en la 1ª versión, donde se nos presenta como una persona alegre y simpática, borrachín que cuenta cómo perdió su pierna de un modo diferente cada vez, y cobrando su papel un momento de relevancia en el desarrollo del drama.

En fin, que al ser tres versiones de la misma historia, encontraremos muchas similitudes, algunas cosas son prácticamente iguales, otras con diferencias más o menos sutiles, pero no es cuestión de irlas enumerando una por una porque este apartado se haría excesivamente largo y tedioso.

Y es que lo que realmente diferencia a las 3 películas es la forma de narrar la historia y los detalles en que se hace más hincapié y, sobre todo, la definición de sus dos personajes principales, el capitán William Bligh y el Primer Oficial Fletcher Christian y en cómo se suceden los acontecimientos que provocan el motín en el barco.

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En la 1ª:El capitán es un ser duro, inflexible, rastrero, cruel y sádico. Se nos presenta así desde el primer momento y continúa igual el resto de la película. Es simplemente malvado porque sí, sin mayor motivo que el desprecio que le provoca su tripulación a quién considera inferiores. Charles Laughton hace un gran papel, la verdad, con sus cejas postizas y su gesto permanente enfurruñado, aunque a veces resulta un poco histriónico y de puro hacer de “qué malo soy”, a veces parece un malo de opereta.

El Sr. Christian es severo sin ser cruel, escucha a sus interlocutores y puede mostrarse compasivo y generoso cuando la ocasión lo requiere. Su puesto es intermedio entre el mando y la tripulación y sabe estar a bien con cualquiera de los dos bandos, que le respetan y obedecen. Pero no puede soportar la actitud del capitán. Obedece sus órdenes por pura disciplina y sentido del deber, pero cada vez le cuesta más no enfrentarse a él. Sobriamente interpretado por un Clark Gable con melenilla y sin bigote en un gran papel que él, sencillamente, borda.



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En la 2ª:Bligh es también un capitán duro e inflexible, aunque se nos muestra su carácter de una forma más paulatina, según van aconteciendo las cosas. También es cruel y sádico, pero de un modo mucho más sutil que en la 1ª y, en algunos momentos, se nos muestra los motivos que tiene para actuar como actúa, que pueden estar equivocados, pero al menos los tiene, no como Laughton que a veces ordenaba las cosas porque sí. Trevor Howard realiza un trabajo de lujo, regalándonos una soberbia actuación.

Sin embargo el Sr. Christian interpretado por Marlon Brando es el menos convincente de estas dos versiones, aunque si lo comparamos con el de la 3ª podría decirse que está magistral. Si es que todo en esta vida es relativo. Brando parece que trabaja en la película obligado y que no siente ni el más mínimo interés por lo que allí suceda. Realiza su trabajo de una forma sosa, afectada al máximo, con total pasotismo que a mí a veces me exasperaba un poco. Da la impresión de que se confundió de papel, pues el Sr. Christian no es “El zorro”, caballero amanerado de cara a la galería y héroe enmascarado en su alter ego, pero él lo interpreta como si lo fuera, sólo que sin antifaz. Excepto en 2 ó 3 escenas en las que parece que el actor sale de su amodorramiento y baja a la Tierra, no me gustó nada Brando en esta película.[Image]

En la 3ª:

El capitán Bligh de Anthony Hopkins es estricto con las normas y el reglamento, y duro con sus subordinados, aunque en una escala muchísimo más leve que en las otras dos versiones. Aquí se nos presenta más humano, incluso nos dejan ver a su familia, su mujer y dos niñas, y durante la travesía las recuerda constantemente en su diario de a bordo o escribiéndoles cartas. Es amigo desde hace años del 1º Oficial, por lo tanto su relación es mucho más directa e intensa que en las dos primeras entregas. Pero, en realidad, la tripulación no parece estar excesivamente a disgusto con él porque tampoco es que se meta tanto con ellos, por lo que el motivo por el que se rebelan queda un tanto... descafeinado. Hopkins parece estar medio “ido” en la mayor parte del metraje, con cara de estar intentando acordarse de su diálogo. A mí me parece uno de los peores papeles de su carrera.



El Sr. Christian de Mel Gibson es, sin duda, el más guaperas de los tres y he de decir que como actor es el peor de los tres también, pero con diferencia. La película está montada totalmente alrededor de él, a su mayor gloria y para que luzca palmito y bajadas de pestañas. Se centra tanto en la parte romántica y sus escarceos amorosos, que parece que estamos viendo otra película. Incluso parece que el motín se fragua por una pataleta que le da a él porque su amigo del alma le ha regañado y no le deja quedarse en la isla para seguir disfrutando de la vidorra.



En fin, no me extiendo más. Si sólo vas a ver una de las versiones, mi consejo es que elijas la de 1962 porque, para mí, es la mejor. De hecho, si pudiéramos acortar un poco su metraje y cambiar a Brando por Gable, la película sería sencillamente perfecta.

Si vas a ver dos de las versiones, te aconsejo que sean las dos primeras y en su orden cronológico, que sería lo suyo. Y de la 3ª podrías pasar sin el menor problema.



Verse las tres versiones, además de un esfuerzo (os lo digo por experiencia) es una tarea reservada a gente que quería hacer un estudio comparativo, como yo, o a locos cinéfilos de insaciable curiosidad. Bueno... y a gente como Edu, que se ve todo lo que pilla.

A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.[iv]

Citas:

[iv].- http://www.elseptimoarte.net/foro/index.php/topic,14513.0.html

miércoles, 24 de agosto de 2011

TROIS VIES ET UNE SEULE MORT

RAOUL RUIZ



Raúl Ruiz Pino o Raoul Ruiz (Puerto Montt, 25 de julio de 1941, París, 19 de agosto de 2011,  fue un cineasta chileno y un teórico del cine radicado en Francia, país en el que se exilió luego de que ocurriera en Chile el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973-

Formó parte de una generación de directores chilenos políticamente comprometidos, como Miguel Littín y Helvio Soto. Pero gradualmente se le catalogó como un autor distinto, que creaba películas cada vez más creativas, surrealistas, irónicas y experimentales. Es considerado por muchos como el cineasta chileno más importante de la historia.

Biografía

En sus primeros años, su familia migró desde Puerto Montt a Santiago. Una vez en la capital, a los quince años, se vinculó a grupos de teatro experimental. Entre 1956 y 1962 habría escrito ya un centenar de obras dramáticas de vanguardia. Mientras tanto, comenzó estudios universitarios de Derecho y Teología.

El primer acercamiento al cine fue como director del inconcluso cortometraje La Maleta, de 1960. Siguió un par de producciones que también fueron abandonadas. En 1968 termina su primera película, Tres tristes tigres, una película basada en el deambular nocturno de unos juerguistas, en la que ya es posible encontrar muchos elementos de su estilo posterior. No tuvo mayor repercusión en su época, pero décadas después sería rescatada por la crítica y la academia, como uno de los mejores trabajos de su período inicial.

Tras realizar un curso de cine en Argentina —única educación formal suya en cinematografía—, vino una serie de trabajos con temáticas políticas, como Militarismo y tortura (1969), ¿Qué hacer? (1970) (dirigida en conjunto con Saul Landau y Nina Serrano, con música de Los Jaivas) y La colonia penal (1970). Estas producciones se fueron desarrollando simultáneamente con la elección y gobierno del presidente Salvador Allende, entre 1970 y 1973, que apoyó estas películas a través de la productora estatal Chilefilms.

Entre 1969 y 1972 fue profesor de cine del Instituto de Arte de la Universidad Católica de Valparaíso. En esta época Ruiz también hizo un par de cortometrajes al alimón con su esposa Valeria Sarmiento.

En 1973 huyó a Argentina, y a principios de 1974 se exilió en Francia. La primera retrospectiva que se le hizo en España fue en 1979, en Alcalá de Henares (en colaboración con la Filmoteca Española). Ya había rodado La vocación suspendida (1977) y un imaginativo La hipótesis del cuadro robado (1978), que llamaron la atención. Alcanzó notoriedad internacional ya a principios de los años 1980 con películas como El territorio (1981), Las tres coronas del marinero (1983) y La isla del tesoro (1985). Ha utilizado textos de muy diversos autores, así Kafka o Klossowski.

Posteriormente realizó otros filmes como La soledades (1992), El tiempo recobrado (1998), Días de campo (2004), La Recta Provincia (2007), Litoral, cuentos del mar (2008). Su último largometraje, Misterios de Lisboa (estrenadoen 2010), fue ampliamente elogiado,2 siendo una película de cuatro horas y media basada en el largo folletín homónimo de Camilo Castelo Branco; en 2011 apareció una versión larga en seis partes para la televisión. Fue rodado en Portugal y producido, una vez más, por Paulo Branco. Trata de transmitir la cultura popular manteniendo un tono inactual como Manoel de Oliveira.

A fines de 2009, en pleno rodaje de Misterios de Lisboa, le fue diagnosticado un cáncer hepático, y en marzo de 2010 fue trasplantado de hígado.3 Falleció el 19 de agosto de 2011 en París, Francia.1





Balance
Ruiz dirigió más de 200 películas, en las que se alternan los formatos (35 mm., 16 mm. o video); trabajó en producciones de bajo presupuesto, así como en películas para televisión, y superproducciones con grandes estrellas europeas y norteamericanas como John Malkovich, Marcello Mastroianni, Isabelle Huppert, Catherine Deneuve o John Hurt.

Adicionalmente incursionó dos veces en el género lírico de la Ópera; en efecto, durante 2003 realizó la régie, escenografía e iluminación para el estreno mundial de Medea en la Ópera de Lyon, mientras que en 1995 dirigió en Italia La púrpura de la rosa, de Tomás de Torrejón y Velasco.

En 1983 la revista francesa Cahiers du Cinéma, referente de la vanguardia cinematográfica francesa, le dedicó un número especial a Ruiz, lo que revela la apreciación internacional del artista.
En 1997 el gobierno chileno le entregó el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisual. El mismo año ganó un Oso de Plata en el Festival de Berlín por una «extraordinaria contribución artística» con Généalogies d’un crime.


En marzo de 2011 recibió el grado de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Valparaíso.9

u cine

Se ha afirmado acerca del trabajo cinematográfico de Ruiz:
«...Todo el cine de Ruiz es un cine “torcido”, porque es visto a través de curiosos prismas, siempre desnaturalizando la perspectiva clásica: un cine de “tuerto” (que es el título de una de sus películas). Así como cada plano ruiziano lleva una marca, una cifra, o un secreto (un poco como Welles, y los más grandes), una torsión, él propone ejes de toma de vista imposibles, usa todos los trucos...».
«...digamos de inmediato que Ruiz no es un realizador “popular”; es, por el contrario, un cineasta “difícil”, que no sólo elige, a menudo, temas complejos, sino que desarrolla un estilo narrativo que rehuye los caminos rectilineos: las pistas están siempre cruzadas, sus historias plagadas de claves (o de trampas) y la emoción aplastada por el juego predominantemente intelectual. Nuestro autor ama la paradoja y la ironía, practica un humor irreverente y corrosivo: se ríe de todos; incluso de sí mismo, y de todo (o de casi todo). Entusiasta de la travesura experimental, está constantemente improvisando, inventando imágenes visuales y verbales, tratando de descubrir cien maneras diferentes de contar una misma historia».
Jacqueline Mouesca y Carlos Orellana Carlos 10

Filmografía

 Como director

[editar] Chile, primera época
[editar] Francia, tras su exilio
TROIS VIES 5 UNE SEULE MORT




FICHA TÉCNICA


TÍTULO ORIGINAL Trois vies et une seule mort

AÑO 1996

DURACIÓN 123 min.

PAÍS Francia-Portugal

DIRECTOR Raoul Ruiz

GUIÓN Pascal Bonitzer y Raúl Ruiz

MÚSICA Jorge Arriagada

FOTOGRAFÍA Laurent Macheul

REPARTO Marcello Mastroianni, Anna Galiena, Marisa Paredes, Chiara Mastroianni, Melvil Poupaud

PRODUCTORA Coproducción Francia-Portugal

GÉNERO Comedia dramática



SINOPSIS

En París se suceden tres historias que parecen, en principio, ajenas entre sí. Un viajante sale un día a comprar cerillas y regresa veinte años más tarde. La segunda historia es la de un catedrático de Universidad que se hace pasar por mendigo. En tercer lugar, un hombre de negocios se inventa una familia ficticia en el extranjero para ocultar oscuros asuntos financieros.







COMENTARIOS:



"Magistral y divertido delirio entregado al placer de contar. Se trata de cuatro historias extrañas, sorprendentes, con un hilo común: la mirada incandescente de un actor que se despide." (Luis Martínez: Diario El País)



¡IMPORTANTE! Por tratarse de una película tan interesante la incluimos, aunque trae subtítulos adjuntos solamente en inglés. Hacemos una excepción. Si alguien puede localizar los subtítulos en español, le agradecemos enviárnoslos al correo: rsrosales100@gmail.com , nosotros no hemos podido encontrarlos.



Tres vidas y una sola muerte es la penúltima película de Marcello Mastroianni. Una película "pensada para Marcello" según su director, Raúl Ruiz, quien aseguró ayer en Barcelona: "Con otro no habría funcionado". Ruiz, de 55 años y afincado en Francia desde hace más de 20, es un cineasta alejado de los circuitos comerciales españoles. En este filme teje una suerte de cuento mágico explicado con una sutil ironía, muy de su estilo, pero también del de Mastroianni. En el reparto, la hija del actor y Catherine Deneuve, Chiara, y Marisa Paredes.

No uno, sino cuatro personajes encarna Mastroianni en Tres vidas y una sola muerte. El viajante siciliano Mateo Strano, el profesor de antropología George Vickers y el rico fabricante de armas Luc Allamand -que aún se desdobla en el mayordomo señor Campana- son la misma persona. Las tres historias se entremezclan y forman una sola, la de un hombre que sufre el síndrome de la personalidad múltiple. Lo que es único es la muerte. Y de ahí el título de la cinta.Raúl Ruiz explicó que, del mismo modo que el protagonista fue pensado para Mastroianni, todos los papeles, excepto el de Anna Galiena, que se incorporó al rodaje, los escribió pensando en actores concretos. Así, en la mente de Ruiz el personaje de María, la mujer de Mastroianni-Strano, fue siempre Marisa Paredes. Paredes relató que el director la ayudó a aproximarse a su papel escribiéndole un cuento, a través del cual compendió a María. La actriz reconoció que aceptó el trabajo sin dudarlo porque desde hacía tiempo le apetecía trabajar con Ruiz . De su cine dijo que "es divertido, ecléctico e inteligente".

Respecto a Mastroianni, tanto Ruiz como Paredes destacaron su maestría, en cuanto a la profesión, y su serenidad como persona. "Me lo presentaron en un café", recordó la actriz, "y todo fue tierno, suave, agradable... Muy fácil, como si nos conociéramos de toda la vida". El cineasta confesó que, a la hora de trabajar con el actor, prefirió el Mastroianni "de las comedias de Ettore Scola, donde él tiene más margen de maniobra, antes que el de las películas de Fellini". Así, le dejó libertad para inventar gestos, como el de frotarse las manos cuando encarna al mayordomo, o el de limpiarse los zapatos en los pantalones cuando hace de mendigo. Ruiz se sintió enseguida muy próximo al actor. "Compartíamos los dos una mutua admiración por la pereza y una intensa incapacidad para ejercerla", bromeó.

Director y actriz coincidieron asimismo en destacar la labor en la cinta de Chiara, la hija de Mastroianni y de Catherine Deneuve. "Hace mucho tiempo que trato a Chiara, porque fue novia de Melvil Poupaud, el actor que encarna a Martin en la película, al que conozco desde que era niño, y además es muy amiga de una sobrina mía. Chiara es una actriz con mucha intuición". "Sí, tiene muchas de las virtudes de su padre y algunas de las de su madre", intervino Paredes. Y agregó: "Es muy natural. Combina lo mejor de los dos. Es muy personal. No es para nada la típica hija, de artistas. Es una chica con una gran disponibilidad para el trabajo y para la vida".

Bromas chilenas

Ruiz, que calificó el filme Tres vidas y una sola muerte de "onírico", afirmó que es "el más normal" de los que ha hecho. El cineasta. defendió su libertad a la hora de hacer películas, aun a sabiendas de que éstas no van a llegar al gran público. "No puedo dejar de usar elementos experimentales en un contexto que no lo es, lo que confunde mucho incluso a los amantes del cine experimental". También acostumbra a introducir en sus cintas "bromas chilenas", con lo cual, admite, "el espectador se pierde un tercio de la película". El director encuadró su cine dentro del "realismo mágico". "Consiste", describió, "en combinar algunas técnicas del gótico anglosajón con Plinio el Viejo, el fantástico retórico latino-hispánico".

Tres vidas y una sola muerte se estrenó en el último Festival de Cannes y a partir del próximo viernes estará en las carteleras de Madrid, Barcelona y Valencia.



En París se suceden tres historias que parecen, en principio, ajenas entre sí. Un viajante sale un día a por cerillas y regresa veinte años más tarde. La segunda historia es la de un catedrático de universidad que se hace pasar por mendigo. En tercer lugar, un hombre de negocios se inventa una familia ficticia en el extranjero para ocultar oscuros asuntos financieros.



Recital del tristemente fallecido Marcello Mastroianni, que da vida en tragicomedia parisina a tres personajes diferentes. El primero es Mateo, un extraño viajante de comercio que sale a por tabaco, se traslada a vivir a una casa cercana, permanece encerrado en ella veinte años y finalmente regresa a su primer hogar con su amada mujer, que aún le espera. El segundo es Georges, un famoso y rico profesor de Antropología negativa en la Sorbona, que cae en la mendicidad, se hace pasar por mayordomo —en beneficio de una joven pareja de novios— y se enamora de una maestra. Y el tercero es Luc, un importante hombre de negocios que, para justificar ciertas operaciones financieras, se inventa una familia en el extranjero; familia que, al cabo de un tiempo, se torna real y anuncia su venida. La historia de estos tres peculiares sujetos se entremezclan en una trama cada vez más complicada y delirante.



Recital del tristemente fallecido Marcello Mastroianni, que da vida en tragicomedia parisina a tres personajes diferentes. El primero es Mateo, un extraño viajante de comercio que sale a por tabaco, se traslada a vivir a una casa cercana, permanece encerrado en ella veinte años y finalmente regresa a su primer hogar con su amada mujer, que aún le espera. El segundo es Georges, un famoso y rico profesor de Antropología negativa en la Sorbona, que cae en la mendicidad, se hace pasar por mayordomo —en beneficio de una joven pareja de novios— y se enamora de una maestra. Y el tercero es Luc, un importante hombre de negocios que, para justificar ciertas operaciones financieras, se inventa una familia en el extranjero; familia que, al cabo de un tiempo, se torna real y anuncia su venida. La historia de estos tres peculiares sujetos se entremezclan en una trama cada vez más complicada y delirante.

La película podría haberse planteado como una colección de estampas costumbristas deformadas por el singular surrealismo de su autor. Esto hubiera hecho más asequible su asimilación. Pero, el cineasta chileno Raoul Ruiz (L’exode, Fado majeur et mineur, Genealogía de un crimen), exiliado en Francia desde hace años, lo ha planteado de otra manera. Como él mismo ha señalado, esas tres historias se refieren a un sólo hombre, "afligido por el síndrome conocido como personalidad múltiple. Y, si bien dispone de —al menos— tres vidas, nada más tiene una muerte, como todo el mundo. Una muerte en este caso trágica..., porque no se puede vivir varias vidas con total impunidad". Pues bueno. Si ya es difícil aclararse con esta idea, detallada por escrito, es fácil imaginar lo que cuesta enterarse de su plasmación visual. Uno se queda con un montón de confusas declaraciones pretenciosas, puestas en boca de unos personajes extraños y amorales, eso sí, todos ellos muy bien interpretados y rodeados de una sugestiva y a veces divertida atmósfera de irrealidad, o de realismo mágico, visualmente muy vistosa.

"Magistral y divertido delirio entregado al placer de contar. Se trata de cuatro historias extrañas, sorprendentes, con un hilo común: la mirada incandescente de un actor que se despide." (Luis Martínez: Diario El País)



Penúltimo trabajo del maravilloso actor italiano Marcello Mastroianni, a las órdenes del prolífico Raoul Ruiz, en una comedia que presenta cuatro historias distintas unidas por un mismo eje , Mastroianni -que interpreta cuatro personajes distintos, estupendo como siempre- secundado por una atractiva Anna Galiena ('El marido de la peluquera', 'Jamón, Jamón') la española, recien estrenada presidenta de la Academia de Cine, Marisa Paredes y la hija del actor con Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni. Recomendable. (4)

CITAS

1.- http://es.wikipedia.org/wiki/Ra%C3%BAl_Ruiz


2.- http://www.espanol.rfi.fr/cultura/20110819-raul-ruiz-tres-vidas-en-el-cine-y-una-triste-muerte

3.- http://dehacersesevahacer.blogspot.com/2007_07_01_archive.html

4.- http://laguiatv.hoycinema.com/pelicula/ficha/Tres-vidas-sola-muerte/5604



jueves, 7 de julio de 2011

NEVER SAY NEVER AGAIN

NUNCA DIGAS NUNCA JAMÁS




FICHA TÉCNICA

 
Título Never say never again Nunca digas nunca jamás

Dirección: Kershner

Producción: Schwartzman

Guion: lorenzo Semple Jr.

Música: Michel Legrand

Fotografía: Douglas Slocombe

Montaje: Ian Crafford

País(es) Reino Unido

Año 1983

Género Espionaje

Duración 134 minutos



ACTORES, PERSONAJES Y CRÉDITOS

• James Bond - Sean Connery

• M - Edward Fox

• Q - Alec McCowen

• Miss Moneypenny - Pamela Salem

• Maximillian Largo - Klaus Maria Brandauer

• Fatima Blush - Bárbara Carrera

• Ernst Stavro Blofeld -Max von Sydow

• Domino Petachi - Kim Basinger

• Felix Leiter - Bernie Casey

• Nigel Small-Fawcett -Rowan Atkinson

• Patricia - Prunella Gee

• Lady in Bahamas - Valerie Leon

• Jack Petachi - Gavan O'Herlihy

SINOPSIS

La organización SPECTRE (Sociedad de Poder Ejecutivo para Contraespionaje, Terrorismo, Rebelión y Extorsión) captura dos bombas atómicas y amenaza al Primer Ministro británico con detonarlas en alguna ciudad de Gran Bretaña o Estados Unidos si no pagan lo que la organización les pide. M, el jefe del MI6, servicio de inteligencia británico, envía a James Bond a las Bahamas para acabar con Spectre y evitar un holocausto mundial. Bond es ayudado por Domino Petachi, que está comprometida, sin saberlo, con Maximilian Largo, agente número uno de Spectre y el asesino de su hermano. Este film es la despedida de Sean Connery como James Bond.


COMENTARIOS

Nunca digas nunca jamás (título en inglés: Never say never again) es una versión cinematográfica de la novela publicada en 1961 Operación Trueno (Thunderball), la cual forma parte de la serie creada por Ian Fleming sobre su personaje James Bond.

La película es considerada «no oficial», ya que no forma parte de la franquicia sobre el personaje James Bond, tiene derechos adquiridos hasta ese momento por EON Producciones y United Artists.

Estrenada en 1983, marca el regreso de Sean Connery, por última vez, a la composición del personaje del agente doble cero que lo hizo famoso. En 1965, Connery representaba también a James Bond en la primera versión de Operación Trueno, que sí es conocida como «oficial». Fue financiada en parte por Connery.

La realización de esta película no oficial de James Bond fue posible debido a que los productores Kevin McClory y Jack Whittingham, que habían producido Operación Trueno, tenían los derechos, pues habían escrito la historia original junto con el autor Ian Fleming.

Es, tal vez, la más criticada de las películas del agente 007. Sean Connery hacía aproximadamente 10 años que no interpretaba al agente inglés y en ese mismo momento Roger Moore estaba rodando Octopussy, de resultado más exitoso que Nunca digas nunca jamás. El título de la cinta se debe a que, años atrás, tras finalizar Diamantes para la eternidad, Connery aseguró a su esposa que no volvería a interpretar al agente británico «nunca jamás» y ella le replicó: «Nunca digas nunca jamás». Al final de los títulos de crédito se incluye un agradecimiento a la esposa de Connery.(1)


Esencialmente, esta película es un "remake" de Thunderball, protagonizada por Connery en el año 1.965. En esta moderna versión, James Bond vuelve a trabajar en el servicio secreto después de un obligado retiro en una clínica para desintoxicarse, según su nuevo jefe M. El villano de la película, Largo, ha robado dos misiles nucleares a la OTAN, y amenaza con hacerlos estallar sobre sendas ciudades del mundo, si en un plazo de dos días no se le entrega una elevada suma de dinero. Bond viaja a Niza, donde supone que se encuentra Largo, y logra contactar con su novia, Dominó, cuya lealtad se asegura cuando le cuenta que su hermano ha sido asesinado por aquél. Cuando Largo los sorprende a los dos en un apasionado beso, navega con su barco hasta el norte de Africa, donde tiene su base, e intenta deshacerse de ambos.

Pero 007 cuenta con su astucia, sus recursos y los artilugios de Q, que le ayudarán a salir del aprieto e incluso a "hacer estallar" (en el sentido literal de la palabra) a la bella compinche de Largo.(2)



La organización criminal SPECTRE roba dos armas nucleares y amenaza con usarlas si a cambio no se le entrega una gran suma de dinero. Al agente del servicio secreto británico, James Bond, le asignan el caso, su primera pista es el industrial Maximilian Largo.

Los orígenes de Nunca digas nunca jamás (Never say never again, 1983) son bastante complejos. La película es un remake de Operación Trueno (Thunderball, 1965), cuarta producción oficial de la saga de James Bond llevada al cine por EON Productions (productora de todas las películas del agente 007) y protagonizada por Sean Connery, protagonista también de Nunca digas nunca jamás. Esta nueva versión se trata de una película no oficial de 007 y las razones de su existencia intentaré explicarlas en los siguientes párrafos.

Inicialmente Operación Trueno iba a ser el debut en el cine del personaje creado por Fleming. La productora Xanadu Productions sería la encargada del proyecto, bajo el título "James Bond, secret agent". Ernest Cuneo, uno de los dueños de la productora, escribió un relato corto basado en una idea de Kevin McClory, que sería la base de la historia y Ian Fleming sería el encargado de novelizar el guión.

Nunca se ha sabido realmente quien fue el responsable de la creación de la organización SPECTRE en la historia, si Fleming o McClory. Pero sí se sabe que Fleming aportó a la historia detalles como la creación del villano Henrico Largo, el personaje de Domino, la idea del robo de las armas nucleares y la lucha final submarina que envuelve a Bond y Leiter contra los hombres de Largo.

Jack Whittingham fue contratado en 1959 para escribir el guión final. Durante dos años Fleming, McClory y Whittingham estuvieron trabajando en el libreto, pero Xanadu Productions dejo de existir y el proyecto se paralizó temporalmente.

Tiempo después, Fleming conoció a los productores a Harry Saltzman y Albert R. Broccoli, a los que vendió los derechos de las novelas de Bond, tanto los escritos como los que publicará en el futuro, todos, excepto Casino Royale, cuyos derechos ya habían sido vendidos anteriormente a otros productores.

Fleming tomó todo el material que se había desarrollado para la frustrada película "James Bond, secret agent" y lo convirtió en una novela de título Operación Trueno. Pero antes de ser publicada McClory consiguió una copia y junto con Whittingham impuso una demanda contra Fleming por "plagio y falsa atribución". La demanda no impidió que la novela fuese publicada.

Durante el tiempo que duró la demanda Whittingham cedió sus derechos del guión a McClory. En 1963 Fleming y McClory llegaron a un acuerdo extrajudicial, en él se estableció que en las posteriores ediciones que se publicasen de la novela debía aparecer una página en la que figurase la frase: "Basado en una adaptación para la pantalla de Kevin McClory, Jack Whittingham y Ian Fleming", exactamente en ese orden. Además se estableció que McClory tenía derechos sobre todos los aspectos de la novela y que podría realizar su propia adaptación al cine, aquí es donde surgió Nunca digas nunca jamás. Pero aun no estaba todo decidido.

McClory intentó conseguir financiación para filmar su película, pero tras una serie de intentos fallidos no le quedó más remedio que recurrir a Harry Saltzman y Albert R. Broccoli. Con Eon Productions realizó en 1965 Operación Trueno, cuarta entrega oficial de la saga Bond y que contó con un apoteósico éxito comercial. McClory apareció acreditado como productor de la película, mientras que Saltzman y Broccoli sólo aparecieron con un "Harry Saltzman y Albert R. Broccoli presentan". Richard Maibaum y John Hopkins fueron acreditados como guionistas, pero se indicó "basado en un guión original de Jack Whittingham", añadiendo "basado en una historia original de Kevin McClory, Jack Whittingham e Ian Fleming".

En su acuerdo con Eon Productions, Kevin McClory renunció a realizar otra versión de Operación Trueno en un plazo de 12 años. No fue hasta 1976 que McClory intentó realizar su propia película sobre James Bond, para ello se asoció con Sean Connery e intentaron crear una película original sobre el personaje, de título Warhead, pero una demanda de United Artists paralizó el proyecto. Con el apoyo del productor Jack Schwartzman y la major Warner Bros. McClory ganó una decisión del Tribunal Superior contra la United Artists y pudo realizar por fin su película sobre 007, bajo unas condiciones que le obligaban entre otras cosas, que sólo podía basarse en los guiones originales o en la novela Operación Trueno, pero no en la adaptación cinematográfica estrenada en 1965.

 


Pero la historia no acabó todavía ahí, aun tuvo un capítulo más. En los 90 McClory intentó realizar una nueva versión de Operación Trueno bajo el título de Warhead 2000 A.D. y bajo el sello Sony (al parecer con la intención de que Liam Neeson o Timothy Dalton la protagonizasen), pero una demanda de la MGM (dueña de los derechos de distribución de la saga) y Danjaq LLC (dueños de Eon Productions) impidió que se realizase. En 1999 MGM y Sony llegaron a un acuerdo extrajudicial por el cual Sony cedió sus derechos sobre Bond a la productora del león, en el mismo acuerdo la segunda cedió sus derechos parciales sobre Spider-Man a Sony. Y en 1997 MGM obtuvo a cambio de 15 millones de dólares los derechos de Nunca digas nunca jamás tras la compra de Orion Pictures. Esto puso punto y final a la odisea que vivió la película.

Nunca digas nunca jamás vio la luz finalmente en 1983 siendo dirigida por Irvin Kershner (El imperio contraataca), con guión de Lorenzo Semple Jr (Los tres días del Cóndor, Flash Gordon) y protagonizada por Sean Connery, Kim Basinger, Klaus Maria Brandauer, Barbara Carrera, Max von Sydow, Bernie Casey, Alec McCowen y Edward Fox.

Nunca digas nunca jamás no sólo tuvo que competir con las comparaciones que se hicieron con Operación Trueno, sino que además tuvo que verse las caras con otra película de James Bond, ésta producida por Eon Productions, Octopussy, estrenada el mismo año que el film de Kershner. En un principio ambas películas iban a estrenarse en la misma fecha, se iban a estrenar dos películas de James Bond, protagonizadas por los dos actores que más popular han hecho al personaje, Sean Connery y Roger Moore. Los medios se hicieron eco del acontecimiento, denominándolo "La batalla de los Bonds" y no hicieron si no aumentar la polémica sobre el mismo.




La prensa partía que la película que saldría victoriosa sería la de Connery, por significar su regreso al personaje, siendo siempre el Bond original, además Nunca digas nunca jamás partía de un presupuesto mayor (36 millones) que Octopussy (27,5 millones) y fue más publicitada. Tras el exitoso estreno de ambas, finalmente con 4 meses de diferencia, Octopussy se sitúo como la vencedora con 67.893.619 de dólares de recaudación en EE.UU. y 119.600.000 de dólares en el resto del mundo, frente a los 55.432.841 en terreno norteamericano y los 104.600.000 de recaudación mundial de Nunca digas nunca jamás. Lo mismo sucedió en conceptos de alquiler en EE.UU., la película de Roger Moore recaudó 34.031.000 de dólares y la de Sean Connery 28.200.000 de dólares. Pero el tiempo ha colocado a Octopussy en su lugar (y pese a ser la más entretenida de la saga) está claro que es inferior a Nunca digas nunca jamás.

Está claro que cuando los creadores de Nunca digas nunca jamás decidieron llevar la producción al cine, lo hicieron con un ojo puesto en las películas de la Eon Productions, ya que el film sigue la línea marcada por las películas de la saga oficial de James Bond, repitiendo los esquemas de la misma. No falta la canción original de mismo título que la película que suena en los títulos de crédito, el prólogo de acción para introducir al personaje, la escena en la que Q le entrega a 007 sus gadgets o el clásico "Mi nombre es Bond, James Bond". Pero pese a ser una imitación de aquellas películas, lo hace con todo el respeto al personaje. Los productores sabían cual era la fórmula del éxito y decidieron apostar por usar todos los mecanismos que habían hecho de 007 un éxito en el cine, en lugar de apostar por nuevos caminos más arriesgados. Es cierto que el germen del Bond cinematográfico ya estaba presente en el guión escrito por Fleming, McClory y Whittingham años atrás (SPECTRE, la trama del robo de las bombas, el emplazamiento en la Bahamas, el barco de Largo, etc.), pero los responsables de Nunca digas nunca jamás toman descaradamente los elementos que hicieron más populares al Bond de EON Productions y que no estaban presentes en el Bond literario y esto se ve reforzado con la presencia de Sean Connery en la película. Aunque no podemos obviar que si un actor podía en aquel momento presentar cara al Bond de la saga oficial, ese era Connery.



Como remake de Operación Trueno la película de Kershner la supera en todo (la única excepción sería la banda sonora de Michael Legrand, que en muchas escenas resulta anticlimática). Para empezar la dirección del responsable de Robocop 2 siempre se muestra como clásica, elegante y artesanal, que supera a la fría y funcional de Terence Young. Una escena me lo demuestra, el vals que Bond y Domino bailan mientras éste le revela que su hermano ha sido asesinado por orden de Largo, en dicha escena el director aprovecha de una forma excelente el formato panorámico y demuestra un uso excepcional de su impresionante decorado y sienta las bases de lo que debe desprender una película de 007, elegancia y espectáculo. También destacaría otros momentos igual de brillantes, como la introducción de Fatima Blush o la elipsis que pasa de Bond y Fatima haciendo el amor en el barco a su inmersión en el mar.

El guión de Lorenzo Semple Jr es también superior al de Maibaum y Hopkins, los diálogos y su construcción es superior, pese a seguir los mismos pasos, el avance de la historia está mejor desarrollado, las notas de humor están bien insertadas y pese a algunas concesiones cara a la galería o fuera de tono (la escena del videojuego, la muerte de Fatima, el porqué Largo no mata a Bond en lugar de abandonarlo en una fortaleza en Palmyra o la aparición final submarina de Domino con el ejército), el relato es siempre entretenido y eficaz. Y es de agradecer que en ningún momento se intente ocultar la edad de Bond, a diferencia de los films de Roger Moore, aquí se hacen continuas referencias a la madurez de 007 e incluso el final de la película marca su retiro como agente con ese "nunca" (aunque su guiño a cámara y el inicio de la canción "Never say never again" dejaban la puerta abierta a nueva aventura).

El Largo de Klaus Maria Brandauer le gana por goleada al de Adolfo Celi. Kim Basinger seduce más con su Domino que Claudine Auger. Barbara Carrera se convierte en toda una roba escenas. Max Von Sydow como el líder de SPECTRE es el mejor Blofeld que uno se pudiera imaginar. Y Sean Connery sigue siendo tan buen Bond como siempre, pese a tener unos cuantos años más encima.


Como toda película de 007, no falta su dosis de espectáculo. Las escenas de acción son solventes, algunas vibrantes (la persecución en moto), otras divertidas (la pelea en la clínica) y otras con la tensión justa (la emboscada submarina con tiburones). Las localizaciones están aprovechadas al máximo (principalmente Las Bahamas y Niza) y no nos podemos olvidar de los efectos visuales, excelentes para su época.

Nunca digas nunca jamás es una película incomprendida por su condición de film "no oficial", el resultado está por encima de muchas de las películas de la saga oficial y merece ser reconocida como la película digna, espectacular y entretenida que es.


CURIOSIDADES:

Hay cambios en el nombre de algunos personajes entre Operación Trueno y Nunca digas nunca jamás. En la primera el personaje interpretado por Claudine Auger se llamaba simplemente Domino, mientras que el interpretado por Kim Basinger en Nunca digas nunca jamás se llama Domino Petachi, a su vez el personaje interpretado por Adolfo Celi en la primera película era Emilio Largo, mientras que éste pasa a llamarse Maximillian Largo en la segunda.

A Richard Donner le ofrecieron la dirección de la película, pero declinó la oferta.

Steven Seagal fue instructor de artes marciales en la película. Durante una explicación le rompió la muñeca a Sean Connery al enseñarle como realizar un movimiento.

Al compositor John Barry le fue ofrecida la composición de la banda sonora de la película. Él compuso la banda sonora de 10 películas de James Bond de la saga oficial. Pero declinó la oferta por respeto a Albert R. Broccoli.

El casino donde Bond y Largo se enfrentan en el videojuego "Dominación" se llama Casino Royale.

Barbara Carrera declinó usar una doble de cuerpo para rodar sus escenas de sexo con Sean Connery.

Éste fue el debut en el cine de Rowan Atkinson. Años después el actor realizaría Johnny English (2003), película que parodia los films de James Bond.

La mujer que "pesca" a James Bond en Las Bahamas está interpretada por Valerie Leon, quien también trabajó en La espía que me amó (1977) en el papel de recepcionista de un hotel.

Fue la primera película de James Bond cuyo título original no fue escrito por Ian Fleming.

El actor Robert Rietty que interpreta al ministro italiano trabajó en Operación Trueno (1965) poniendo voz al personaje de Emilio Largo.

Kim Basinger nunca había visto una película de James Bond cuando aceptó intervenir en el film.

La participación de Max von Sydow en la película se vio reducida considerablemente, al ser sólo unas pocas de sus escenas incluidas en el montaje final.

La actriz Amy Irving tuvo una participación no acreditada como la voz del ordenador que usa Jack Petachi para escanear su ojo.

La actriz Marsha A. Hunt trabajó en la película interpretando a una asistente de Blofeld, pero todas sus escenas fueran cortadas. Lo mismo le sucedió a la actriz Brenda Cowling (vista en Octopussy).

El actor Max von Sydow trabajó en 4 películas escritas por Lorenzo Semple Jr, Los tres días del Cóndor (1975), Huracán (1979), Flash Gordon (1980) y Nunca digas nunca jamás (1983).

La película reutilizó planos de efectos visuales submarinos del film Estación polar Zebra (1968).

Nunca digas nunca jamás fue la única película de los 80 que se basó en un novela completa de Ian Fleming, el resto de películas se basaban en partes de novelas o en relatos cortos.

El título original de la película (Never say never again) está supuestamente basado en un conversación entre Sean Connery y su mujer, a quien le dijo que tras participar en Diamantes para la eternidad (1971) nunca más volvería a interpretar a James Bond. El actor se contradijo así mismo cuando aceptó participar en Nunca digas nunca jamás. Su mujer le dijo "Never say never again" (nunca digas nunca otra vez).

Maria Brandauer iba a interpretar a Marko Ramius en la película La caza del Octubre Rojo (1990), pero se rompió una pierna antes de comenzar el rodaje y fue él quien sugirió a su amigo Sean Connery para el papel.

El productor Jack Schwartzman quería a James Horner para componer la banda sonora de la película, pero Sean Connery se opuso. Michael Legrand fue contratado tras un encuentro casual con Connery en los pasillos del estudio.(3)

Gadgets:

Moto propulsada con cohetes, que le permite saltar grandes distancias.



Pluma dispara proyectiles.




Reloj con láser incorporado.




Misil con dispositivo volador XT-7B.




CITAS:
1.- http://es.wikipedia.org/wiki/Nunca_digas_nunca_jam%C3%A1s

2.- http://www.sean-connery.net/pelis/never/index.htm

3.- http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/12/nunca-digas-nunca-jams.html