EL REY PASMADO

EL REY PASMADO

Imanol Uribe

Imanol Uribe, director y productor vasco de cine; salvadoreño de nacimiento.

Biografía

Director guipuzcoa­no nacido el 28 de febrero de 1950 en San Salvador (El Salvador). Comenzó sus estudios en la Escuela Oficial de Periodismo de Madrid y obtuvo el título de Director en la Escuela de Cinematografía de Madrid. En 1975 funda la productora Zeppo Films, en 1979 la productora Cobra Films y pos­teriormente Aiete Films S.A. El tema predominante de sus películas está dedicado a la situación social-política del País Vasco. Esto se refleja en películas como El proceso de Burgos, La fuga de Segovia, La muerte de Mikel o Días Contados. También ha tocado otras temas: el racismo en Bwana, el mundo de la brujas en La luna negra o el histórico en El rey pasmado. Aparte de director también ha ejercido de productor como en Secretos del corazón.

En su larga carrera, ha recibido numerosos premios. Entre otros la Concha de Oro en San Sebastián por Días Contados, ocho premios Goya por Días Contados y otros siete premios Goya por El rey pasmado (basada en la novela de Gonzalo Torrente Ballester, Crónica del rey pasmado), con Gabino Diego, etc.

Compartió su vida con la actriz María Barranco hasta 2004 y tienen una hija.[1]

Filmografía

Año Película

2007 La carta esférica

2002 El viaje de Carol

2000 Plenilunio

1998 Extraños

1996 Bwana

1994 Días contados

1991 El rey pasmado

1989 La luna negra

1986 Adiós pequeña

1983 La muerte de Mikel

1981 La fuga de Segovia

1979 El proceso de Burgos

El rey pasmado

El rey pasmado es una película española de 1991 dirigida por Imanol Uribe, basada en la novela de Gonzalo Torrente Ballester Crónica del rey pasmado.

Reparto

Gabino Diego (Felipe IV)

Anne Roussel (Isabel de Borbón)

Juan Diego (Villaescusa)

Javier Gurruchaga (Conde-Duque de Olivares)

Fernando Fernán Gómez (Gran Inquisidor)

María Barranco (Lucrecia)

Joaquim de Almeida (Almeida)

Eusebio Poncela (Conde de Peña Andrada)

Laura del Sol (Marfisa)

Carme Elías (Abadesa)

Alejandra Grepi (Doña Bárbara)

Emma Cohen (Duquesa Viuda del Maestrazgo)

Christine Dejoux (Colette)

Eulalia Ramón (Paca Tavora)

Enrique San Francisco (Mendigo)

José Soriano (Rivadesella)

Argumento

Historia ambientada en la corte española del siglo XVII, en la que el rey Felipe IV (Gabino Diego) queda pasmado al contemplar el cuerpo desnudo (con medias rojas) de Marfisa (Laura del Sol), una prostituta de la Villa. Tras dicho descubrimiento, el rey decide contemplar el cuerpo desnudo de la reina (Anne Roussel) a pesar de la indignación y oposición de la iglesia, representada principalmente por la figura del fraile Villaescusa (Juan Diego) y el revuelo posterior formado por esta causa.

Comentarios

Imanol Uribe recrea esta adaptación de la novela escrita por el novelista Gonzalo Torrente Ballester, Crónica del rey pasmado. Haciendo gala de una bien documentada ambientación en la que destacan la dirección artística de Félix Murcia, el vestuario de Javier Artiñano y la banda sonora compuesta por José Nieto.

Cabe destacar las representaciones de Javier Gurruchaga en el papel del Conde-Duque de Olivares, Gabino Diego en el papel del Rey y Juan Diego en el papel de consejero espiritual.[2]

Ficha técnica

Título El rey pasmado

Dirección Imanol Uribe

Guión Joan Potau, Gonzalo Torrente Malvido

Música José Nieto

Fotografía Hans Burmann

Reparto Gabino Diego, Anne Roussel, Juan Diego, Javier Gurruchaga

Fernando Fernán Gómez, María Barranco

Datos y cifras

País(es) España

Año 1991

Género Drama

Duración 110 minutos

Reparto

Gabino Diego (Felipe IV)

Anne Roussel (Isabel de Borbón)

Juan Diego (Villaescusa)

Javier Gurruchaga (Conde-Duque de Olivares)

Fernando Fernán Gómez (Gran Inquisidor)

María Barranco (Lucrecia)

Joaquim de Almeida (Almeida)

Eusebio Poncela (Conde de Peña Andrada)

Laura del Sol (Marfisa)

Carme Elías (Abadesa)

Alejandra Grepi (Doña Bárbara)

Emma Cohen (Duquesa Viuda del Maestrazgo)

Christine Dejoux (Colette)

Eulalia Ramón (Paca Tavora)

Enrique San Francisco (Mendigo)

José Soriano (Rivadesella)

Palmarés cinematográfico

VI edición de los Premios Goya 1991

Categoría Persona Resultado

Mejor película Candidata

Mejor director Imanol Uribe Candidato

Mejor actor protagonista Gabino Diego Candidato

Mejor actriz de reparto María Barranco Candidata

Mejor actor de reparto Juan Diego Ganador

Mejor actor de reparto Javier Gurruchaga Candidato

Mejor guión adaptado Joan Potau

Gonzalo Torrente Malvido Ganadores

Mejor música original José Nieto Ganador

Mejor fotografía Hans Burmann Candidato

Mejor dirección artística Félix Murcia Ganador

Mejor dirección de producción Andrés Santana Ganador

Mejor vestuario Javier Artiñano Ganador

Mejor maquillaje y peluquería Romana González

Josefa Morales Ganadoras

Mejor sonido Gilles Ortion

Ricard Casals Ganadores

El rey pasmado obtuvo ocho premios Goya de 1991. Más tarde, en el festival de Biarritz, Imanol Uribe fue considerado el mejor director y El rey pasmado la mejor película, en lo que coincidió el jurado, que volvió a destacar a Juan Diego como mejor actor de reparto.

A primeros de 1990, Imanol Uribe leyó de un tirón la novela de Gonzalo Torrente Ballester Crónica del rey pasmado, y al día siguiente le llamó pidiéndole los derechos. "El problema fue convencerle porque había tenido una mala experiencia con el cine y era muy reacio a repetir. Conversamos en distintas ocasiones desbrozando la novela, hasta que aceptó. Una de sus exigencias era que se mantuviese el nivel de erotismo que había en la novela. Decía que a pesar de los curas y de la Inquisición, la corte de Madrid del siglo XVII era en la que más se fornicaba de toda Europa. Nada más acabar la película, vio una proyección en Salamanca, le gustó y agradeció la fidelidad a la novela. Sólo habíamos añadido de nuestra cosecha la escena final".

Presentada fuera de concurso en el festival de Berlín, El rey pasmado, según se dijo en este periódico, "provocó carcajadas, aplausos, y esa audible sensación de comodidad que crean en el público las películas que aciertan en el tono y que generan alta velocidad en el juego entre los estímulos de la pantalla y las respuestas de sala. La película de Imanol Uribe fue devorada por un público que estaba en ayunas de obras reconfortantes y divertidas, como ésta". En España, el público acogió igualmente con ganas esta inteligente "crónica del triunfo del erotismo frente a las tinieblas de la Inquisición", que cuenta cómo el Santo Tribunal se tomó muy a mal el empeño del joven Felipe IV, que a los 20 años pretendía ver desnuda a su esposa, igual que a las putas que visitaba. Torrente Ballester matizó en una entrevista: "No creo que esta historia sea un triunfo del sexo sobre la religión, sino sobre los curas, que no es lo mismo. Porque yo, aunque no lo parezca, soy creyente y, además, la Iglesia del siglo XVII era más laxa que la de ahora. Teóricamente no debería haber hoy día ninguna protesta de la Iglesia, porque ni la novela ni la película son anticlericales, creo yo. Pero si la hubiera, ¡allá los curas!".

La crítica fue muy elogiosa: "Es una película ligera y sin embargo honda; divertida, pero que da que pensar; directa y, no obstante, llena de entrelineados; concebida y hecha con la dificultad propia de un cineasta adulto que no necesita poner su huella dactilar en cada plano, lo que conlleva la sencillez. Uribe nos hace ver con rectitud una torcida fábula; y para ello la concibe como juego de personajes; da primacía a los intérpretes, que actúan con capacidad de convicción; y hay pocas cosas más gratificantes que ver a una decena de intérpretes que hacen cada uno su parte como parte de un todo, pero tan sueltos y dueños de sí mismos que logran transmitir una sensación de comodidad casi telepática", escribió Fernández-Santos. "Uribe ha entendido muy bien el tono que debía tener esta película de época y ha conseguido hablar de nuestros días sin citarlos y, sobre todo, ha hecho una película que es un canto a la libertad y una condena sin paliativos a la intolerancia", dijo Nuria Vidal en Fotogramas.

En Antología del cine español, se dice: "Todo este ajetreo en torno al cándido y normal deseo del joven rey de ver a su esposa desnuda está servido con buen gusto y sencillez. Lógicamente, una de las bazas fundamentales que se debía jugar en esta película coral era la elección de los actores que dieran vida a los diferentes personajes, y aquí reside uno de sus mayores aciertos. Gabino Diego se hace con un más que ganado papel protagonista al que presta un físico de lo más acertado para ese rey Felipe IV inmortalizado por Velázquez. Junto a él, Juan Diego lleva a cabo una soberbia interpretación del iracundo padre Villaescusa; Fernando Fernán-Gómez y Javier Gurruchaga (el conde-duque de Olivares) no dejan de guiñar un ojo pillín al espectador, y Eusebio Poncela y Joaquín de Almeida dan el porte de nobleza que sus papeles requieren. En cuanto al capítulo de actrices, al encantador desparpajo de María Barranco se suma la belleza y la picardía que aportan Laura del Sol y Anne Roussel a sus personajes, sin olvidar las breves pero eficaces intervenciones de Carmen Elías como la abadesa, Alejandra Grepi como Doña Bárbara o Emma Cohen como la duquesa viuda".

La dirección artística fue muy elogiada por Uribe ya que "recrear los edificios y las calles de aquellos años ha sido una laboriosa tarea, un auténtico puzzle cuyas piezas ha hecho encajar Félix Murcia. El ya inexistente Alcázar de Madrid, donde supuestamente transcurre la mayor parte de la acción, se ha reconstruido a base de decorados y localizaciones varias como el Alcázar y el Museo de Santa Cruz de Toledo, el castellano Palacio del Viso o la sala de batallas de El Escorial, y un castillo de Guimaraes, en Portugal, ha servido como casa del valido real. En consonancia con la época, exteriormente muy puritana, el vestuario de Javier Artiñano fue 'más bien casto', y tanto él como el director de fotografía, Hans Burmann, se han servido de Velázquez como principal fuente de inspiración para sus respectivos trabajos".[3]

El Rey se queda pasmado al contemplar el cuerpo desnudo de Marfisa, la prostituta más bella de la villa y corte, en presencia de su amigo el conde de Peña Andrada. Después pretende ver también desnuda a la Reina y, para mayor escándalo, manda cubrirse al conde en presencia del valido. Y es que el Rey, pese a la oposición de la indignada Iglesia, no parará hasta ver cumplidos sus deseos.

El rey de España -20 años- es un joven inexperto en política y amores. El inmaduro monarca -por entonces recien casado- apenas sabe de lides de alcoba. Sin embargo pronto descubre un mundo de sensaciones nuevas entre los brazos de Marfisa, unas de las prostitutas más bellas y sin duda la más cara de la corte. El acompañante ocasional del monarca le sorprende contemplando, absorto y pasmado, las redondeces de la hermosa meretriz. Es la primera vez que el Rey ha visto a una mujer desnuda.[4]

La noticia correrá de boca en boca, filtrándose por los muros de un palacio cuyas paredes parecen de cristal y en el que los regios inquilinos son más que nada, sus prisioneros. Lo que fue un desliz nocturno se convertirá en piedra de escándalo cuando el Rey plantea, con absoluta ingenuidad, la posibilidad de ver desnuda a la Reina, una joven francesa atractiva y pícara, cuyo carácter choca abiertamente sin la rigidez de la Corte.

Propios y extraños, militares y clérigos, hidalgos y villanos, se cuestionan el deseo real. Si el monarca ve desnuda a su esposa cometerá un acto de lujuria cuyas consecuencias recaerán sobre sus súbditos. El pecado cobra formas de mujer y , como dice el Santo Oficio, "todas las mujeres son putas y cuando no, brujas".

Además, el Rey no ha elegido un buen momento: el ejército imperial se prepara para una batalla en Flandes y se espera la llegada de la flota de las Indias, transportando el oro necesario para aliviar las arcas de un reino al borde de la bancarrota, de los restos de un imperio que va perdiendo terreno e influencias, sin apenas darse cuenta, donde cualquier actividad productiva es considerada deshonrosa.

Demasiadas dificultades pese a contar con la complicidad de la Reina...

Una cohorte de personajes intentará poner fin a un capricho que sólo puede acarrear consecuencias nefastas. Desde el Padre Germán de Villaescusa, fanático donde los haya, pusilánime e intrigante, sin olvidarse del pueblo llano que cuchichea y expresa sus temores ante los maleficios que traerá el deseo carnal del Rey.

Sin embargo, no ha de faltarle aliados en la aventura: El conde de la Peña Andrada: el Padre Almeida: la Abadesa y, de nuevo, Marfisa, que volverá a jugar un papel importante en la vida del Rey. [5]

Imanol Uribe, realizador de películas como La fuga de Segovia (1981) o La muerte de Mikel (1984), leyó una tarde de gripe Crónica del rey pasmado y al día siguiente llamó a GTB para pedirle los derechos de adaptación de la novela, quien se los concedió. El realizador encargó una adaptación, cuyo resultado no convenció al autor. Éste sugirió la participación de Gonzalo Torrente Malvido y el resultado fue el guión definitivo de El rey pasmado, que el 1 de noviembre de 1991 se estrenaba en cines de todo el país.

Sinopsis

La película es fiel a la historia contada en la novela: a comienzos del siglo XVII, al rey de España, casi un joven imberbe, se le antoja ver a su reina desnuda, y ante la oposición de la Iglesia y el Gobierno, que ven en ello oscuros designios para el futuro del Imperio, encuentra el apoyo de un noble y de un jesuita portugués que le ayudarán, con la anuencia de la reina, en su propósito.

En la interpretación destacaron especialmente Gabino Diego (rey), Javier Gurruchaga (valido) y Juan Diego (padre Villaescusa), y les acompañaron Fernando Fernán Gómez (Gran Inquisidor), Laura del Sol (Marfisa), María Barranco (Lucrecia), Joaquim d’Almeida (padre Almeida) o Anne Roussel (reina), entre otros.[6]

CITAS:

[1] http://es.wikipedia.org/wiki/Imanol_Uribe

[2] http://es.wikipedia.org/wiki/El_rey_pasmado

[3]http://www.elpais.com/articulo/espectaculos/rey/pasmado/divertida/cronica/Imanol/Uribe/elpepiesp/20040318elpepiesp_4/Tes?print=1

[4] http://www.hoycinema.com/sinopsis/Rey-Pasmado-1991.htm

[5] http://cine.estamosrodando.com/filmoteca/el-rey-pasmado/

[6]http://images.google.cl/imgres?imgurl=http://www.clubcultura.com/clubliteratura/clubescritores/torrente/img/reypasmado_portada.jpg&imgrefurl=http://www.clubcultura.com/clubliteratura/clubescritores/torrente/cine_reypasmado.html&usg=__kzFRRkRYdJb_l2dmFILNacGGBU4=&h=253&w=370&sz=23&hl=es&start=7&um=1&tbnid=ejLbVHl0TvqX6M:&tbnh=83&tbnw=122&prev=/images%3Fq%3Del%2Brey%2Bpasmado%2Bimanol%2Buribe%26hl%3Des%26rlz%3D1R2ADRA_esCL356%26sa%3DN%26um%3D1

SINUHE EL EGIPCIO

SINUHÉ, EL EGIPCIO

1. MIKA WALTARI

BIOGRAFÍA

Nombre completo Mika Waltari

Nacimiento 19 de septiembre de 1908

Finlandia, Helsinki

Defunción 26 de agosto de 1979 , 70 años

Finlandia, Helsinki

Nacionalidad finlandés

Período 1927 - 1964

Obras notables Sinuhé, el egipcio

Mika Waltari (Helsinki, 19 de septiembre de 1908 - Helsinki, 26 de agosto de 1979) es uno de los escritores de Finlandia más famosos internacionalmente, conocido especialmente por sus novelas históricas.

Su novela más famosa es Sinuhé, el egipcio, publicada en 1945, y la cual ha sido adaptada para el cine. Las obras de Waltari han sido traducidas a más de 30 idiomas.

Waltari fue un autor muy prolífico. Escribió por lo menos 29 novelas, 6 colecciones de poesía, 26 obras de teatro y, además, varios guiones para radio y cine, traducciones y cientos de reseñas y artículos.

LIBROS

Sinuhé el egipcio. Refiere las aventuras de un médico egipcio por el mundo antiguo, entre babilonios e hititas, y después, sus peripecias durante el reinado de Amenhotep IV y su fracasada reforma religiosa. El título alude a la Historia de Sinuhé, un relato egipcio del XIV a. C., al que el protagonista se refiere en la novela.

El etrusco. Su título original es "Turms kuolematon" ("Turmo el inmortal")Es la historia de un jonio que parte en una expedición en búsqueda de su propia identidad, la que lo llevará por el Mediterráneo del siglo V a. C., hasta Etruria, en donde se encontrará con su destino.

Mikael Karvajalka (traducida al español con los títulos de "El aventurero", " "El Aventurero Mikael Karvajalka" y Las aventuras de Michael Karvajalka). Refiere la historia de Mikael Karvajalka, un aventurero oriundo de Finlandia que en siglo XVI es testigo de la vida universitaria, del baño de sangre de Estocolmo, de la caza de brujas y del saqueo de Roma de 1527.

Mikael Hakim. Segunda parte de Mikael Karvajalka, traducida con los títulos de "El vagabundo" y "Mikael el renegado" refiere como Mikael Karvajalka le vuelve la espalda a la cristiandad, abraza la fe musulmana, y vive una serie de aventuras en el Imperio otomano, que lo llevarán a Constantinopla, Viena y Túnez.

Johannes Angelos. Traducida en España con el título de El Ángel Sombrío, en alusión al Ángel de la muerte, es la historia de Juan Angelos, hombre cultivado y de gran sensibilidad que llega a Constantinopla para participar en su defensa contra los ejércitos del sultán otomano Mehmed II. Esta narración culmina con la toma de la ciudad, considerada el fin de la Edad Media (1453).

Juan el Peregrino Habla sobre las aventuras de Juan un hombre intrigado por la filosofía y teología, durante su recorrido por los concilios de Basilea y Florencia, así como su final en la corte de´Mehmed II. [i]

2. SINUHÉ EL EGIPCIO

3. SINOPSIS

Sinuhé, a punto de morir, cuenta la historia de su vida desde su destierro a orillas del mar Rojo. Recuerda los años dorados de Egipto donde ejerció como médico del faraón pero que, a pesar de haberlo tenido todo, buscó su ruina al enamorarse de una malvada mujer que le hizo probar las mieles del deseo pero también del odio, el robo y incluso el asesinato. Sinuhé será el último testigo del fin de los días de gloria del imperio egipcio.[ii]

4. FICHA TÉCNICA

Título en español: Sinuhé el Egipcio.

· Título original: The Egyptian.

· Director: Michael Curtiz.

· Guión: Philip Dunne – Casey Robinson (basado en la novela de Mika Waltari).

· Fotografía: Leon Shamroy.

· Música: Alfred Newman – Bernard Herrmann.

· Fecha: 1954.

· Duración: 139 min.

· Reparto: Edmund Purdom (Sinuhe) – Jean Simmons (Merit) – Victor Mature (Horemheb) – Gene Tierney (Baketamon) – Michael Wilding (Akenaton) – Bella Darvi (Nefer) – Peter Ustinov (Kaptah) – Judith Evelyn (Taia) – Henry Daniell (Mekere) – John Carradine (Ladrón) – Carl Benton Reid (Senmut) – Tommy Rettig (Thot) – Anitra Stevens (Nefertiti) – Peter Reynolds (Sinuhe, con 10 años) – Richard Allan – Michael Ansara (Comandante Hitita) – Don Blackman (Principe Nubio) – George Chester (Guardia Nubio) – Geraldine Bogdonovich – Angela Clarke – Edmund Cobb – Henry Corden[iii]

5. PREMIOS

· Nominada al Oscar: Mejor fotografía (Color)

6. COMENTARIOS

Al  morir AMENEMHET, su primogénito, SESOSTRIS se encontraba combatiendo al mando del ejército y rápidamente fue avisado para que pudiera llegar cuanto antes a palacio, ya que sus hermanos querían también suceder a su padre.

SINUHÉ era un noble y estaba en el ejército. Había sido hombre de confianza, administrador de los dominios en los países asiáticos y verdadero amigo del rey, y al enterarse de la muerte de este mientras alguien avisaba a unos de los príncipes, decidió abandonar Egipto para salvar la vida, consciente de las disputas que llevaría consigo la sucesión.

Buscó el mejor momento para abandonar el ejército y huir. Cuando pasó la frontera, el calor, el cansancio y la falta de agua, le hicieron caer en la arena desmayado. Al despertar, el jeque de los beduinos le reconoció, le ayudó y le ofreció unirse a ellos.

Después de más de un año entre ellos, SINUHE, se había convertido en uno más de ellos y se había ganado el cariño y respeto de todos. Hasta el príncipe AMUNENSHI que había oído hablar mucho de él, le citó, y tras quedar justificada su huida de Egipto, fue invitado a quedarse en su corte. Allí SINUHÉ prosperó, se casó con la hija mayor del príncipe, recibió buenas tierras, y fue puesto al mando de la mejor tribu al igual que sus hijos al tener edad suficiente. Tan solo tuvo en todos aquellos años un enfrentamiento con un beduino celoso de su posición, al que venció sin dificultades con su astucia ya que el otro le superaba en fuerza.

Al envejecer sentía la necesidad de volver a Egipto y rogaba a los dioses para poder volver a morir a su tierra y recibir sus honras fúnebres. Los dioses le oyeron sus suplicas.

En Egipto, tras muchos enfrentamientos, SESOSTRIS I, que había conseguido llegar al trono, disfrutaba ya de estabilidad en su reinado. Los que se vieron perjudicados en los tiempos de la sucesión, podían ir a solicitar al rey la reposición de sus perdidas. Un día, llegó a oídos del rey SESOSTRIS la situación de SINUHÉ y junto con regalos le envió una carta escrita por él y sus hijos, invitándole a volver a su tierra en la que nunca había hecho daño a nadie.

SINUHÉ repartió sus bienes entre sus hijos y regreso su tierra, donde le recibieron los hijos del rey para acompañarle hasta él. Se le instaló en una de las casas de los príncipes y SESOSTRIS I quiso que fuera su consejero. También le fue construida una tumba entre las de los príncipes, con todo lujo de detalles, ordenados por el rey. Al morir fue enterrado en su tierra con honores supremos.[iv]

Dentro de nuestra sección dedicada al cine épico, traemos hoy un gran título de la Twenty Century Fox que tras el éxito obtenido con La Túnica Sagrada (primera pelicula rodada por el procedimiento Cinemascope) anima a Darryl F. Zanuck a producir personalmente esta nueva superproducción histórica. Basada en el best-seller de Mika Waltari.

Para la dirección se buscó a Michael Curtiz que no escatimó medios en la busqueda de un reparto espectacular. Contando en un principio con Victor Mature que ya habia hecho cine histórico ( Sansón y Dalila) y con Marlon Brando para el papel protagonista de Sinuhé, pero Brando no las tenia todas consigo y rehusó el papel.

Edmund Purdon fué el que al final se hizo con el papel del Egipcio, secundado por las bellezas de Jean Simmons, Gene Tierney y Bella Darvi. Completando el reparto con el ya nombrado Victor Mature, Michael Wilding y Peter Ustinov.

La banda sonora fué obra de Bernard Herrman y Alfred Newman. Rodada en Color de Luxe y Cinemascope Sinuhé el Egypcio es un gran titulo de la decada de los 50.[v]

¿DE QUÉ SE TRATA?

Trece siglos antes de Nuestro Señor y Salvador Jesús Rey de los Judíos, como bien se encarga de remarcarnos el cartelito final, un solitario, barbón y desgreñado escritor está en su cabaña estilo Los Picapiedras, refiriendo la historia de su vida, pasión y milagros. Refiere así como cuando era un pequeño capullito, fue arrojado al Río Nilo en una cesta de juncos con nudos de pajarero, siendo recogido por un médico que pone en entredicho aquello de que la sociedad progresa "hacia adelante", porque éste, a diferencia de los actuales, es bueno como el pan y no le cobra a los pobres por sus servicios. Sinuhé aprende así el arte médico con el mejor, antes de seguir sus estudios en la Casa de la Vida. Allí conoce al fanfarrón general Horemheb, que se convierte en algo así como su mejor amigo (y es que con mejores amigos como ésos, qué le queda a mis enemigos), a la linda tabernera Merit, en la cual el tontorrón Sinuhé no es capaz de ver los destellos de tipo "dime una palabra y me entregaré en pecado y lujuria a ti", y más tarde al mismísimo Akenatón, el Faraón himself. Todo parecía marchar bien, hasta que Sinuhé conoce a Nefer, una mujer bella y manipuladora en la cual el joven e inexperto cachorrillo cae como un bendito estúpido. Después de ser limpiamente desplumado por Nefer, y habiendo incurrido en la cólera del Faraón, Sinuhé debe abandonar Egipto y emprende un largo viaje, del cual regresará para ver que las cosas se ponen candentes, porque la Merit que siempre le había estado mirando con ojos de bistec encebollado, ahora se ha convertido a la religión de Akenatón, y por culpa de esta religión, Egipto entero está al borde de la guerra civil...

EL ESPÍRITU DE LOS TIEMPOS.

Si los '50s fueron para Estados Unidos una década tranquila y relajada, que esconde la afición a follar bajo el casto nombre de "baby boom", en Europa las cosas fueron diferentes. Recién salidos de la más devastadora de las dos Guerras Mundiales, habioiendo perdido su estatus de superpotencia mundial, los europeos se entregaron a la amargura y desesperación del existencialismo, el nihilismo, etcétera. Por llevar la contraria, en los países comunistas los rebeldes se hacían cristianos y liberales, y en los países occidentales, se hacían comunistas (eso explica el éxito de charlatanes como Jean Paul Sartre). En medio de todo esto, el escritor finlandés Mika Waltari le dio el palo al gato con una novela de ambientación histórica, "Sinuhé el egipcio", que fue éxito de ventas tal, que le llevó a convertirse en una verdadera industria del best-seller histórico ("El etrusco", "Marco el romano", "El ángel sombrío", "Michel Karvajalka", "Michel el renegado"...), aunque hoy en día yace en un olvido un tanto injusto (escribe mucho mejor que otros autores de novelas históricas que andan pupulando por ahí). Y como en esa época el cine empezaba a tener que lidiar con la televisión, y por ende se estaba volcando hacia la grandeza y espectacularidad del epic, la novela de Mika Waltari cayó como anillo al dedo. Unos cinco años después de su publicación, la gente de la Fox estaba tratando de adaptarla. El resultado fue notoriamente bueno, habida cuenta de lo enmarañado del material literario que le servía de base. Y tuvo el éxito suficiente como para generar una pequeña oleada de películas ambientadas en Egipto, desde "La reina del Nilo" hasta el remake de "Los diez mandamientos", de Cecil B. DeMille.

¿POR QUÉ VERLA?

- Es una adaptación razonablemente buena de la novela, considerando que ésta a veces se embrolla innecesariamente y mete episodios muy pintorescos, pero que no ayudan al progreso de la trama central. De la implacable entresaca quedaron afuera casi todos los vagabundeos de Sinuhé, y el larguísimo final, todo eso drásticamente condensado, y con eso le dan gran agilidad al relato. A cambio, hay ciertas concesiones al cristianismo ramplón que no estaban en la novela original (eso de ponerle un ominoso cartelito al final diciendo que hace trece siglos antes de Cristo)...

Los actores encajan estupendamente en sus roles. Edmund Purdom es un Sinuhé un tanto descolorido, y casi hubiera sido deseable que hubiera prosperado la iniciativa de traer a un por entonces jovencísimo Marlon Brando a interpretar el rol. Pero a cambio, el elenco de secundarios está impecable. Victor Mature venía de interpretar varios epics (fue el Sanson de "Sansón y Dalila" de Cecil B. DeMille, y después fue el fiel Demetrio de "El manto sagrado" y su secuela "Demetrio el gladiador"), y aquí se luce componiendo a un Horemheb fanfarrón y bien pagado de sí mismo, y al que por cierto le va mejor que al Horemheb de la novela (la suprema humillación que le inflige Bakekaton a Horemheb en la novela, es algo que no podía pasar la censura del cine en los '50s). Jean Simmons compone una entrañable Merit, y de verdad dan ganas de arrojarle algo por la cabeza a Sinuhé, por no haberse fijado en ella antes (para la trivia: aún en los 2000 sigue en actividad.

"El castillo andante"). Michael Wilding compone un soberbio Akenatón, a la vez por completo perdido en sus ensoñaciones, y completamente humano, en una combinación muy difícil de hacer sin caer en el cliché del iluminado loco. Bella Darvi, sin tener una actuación especialmente destacada, le confiere harta credibilidad (física, al menos) por su parte a aquello de que Nefer era la perdición de hombres; dice la leyenda negra de Hollywood que Marilyn Monroe quería el rol (y sin duda lo hubiera hecho de mucha mejor manera), pero lo ganó la Darvi por ser la amante del productor... Y por último, pero no en último lugar, está el gran y único e incomparable Peter Ustinov, robando cámara como siempre a donde va, esta vez como el pícaro y simpático Kaftah, el criado sinvergüenza de Sinuhé, y dándole una vida que el original literario no siempre tenía; con este Peter Ustinov ya nos hemos topado en Cine 9009, en "Fuga en el siglo XXIII" y "Espartaco", pero además actuó en "Quo Vadis" (¡como Nerón!), "Jesús de Nazaret" (como Herodes el Grande), además de interpretar a personajes desde Federico de Sajonia hasta Hércules Poirot.

Magnífica e inolvidable película que cuenta con un brillante guión, un espectacular reparto de primeras figuras y una adecuada ambientación. El atractivo Edmund Purdom compone de manera creíble su personaje mientras que Jeans Simmons está perfecta en el papel de una sencilla mujer, enamorada del protagonista. Este fue, a mi modo de ver, el rol que mejor le cupo a la actriz. Gene Tierney también realiza una destacable interpretación.[vii]

Es un epic de Hollywood, de la época de Hollywood anterior a los CGI, y por lo tanto, los efectos especiales son cuidados, y no luce todo artificioso ni irreal. Los escenarios son amplios, las recreaciones son pomposas, y los paisajes tienen un aura envolvente que refleja solvencia visual.[vi]

CITAS:

 

[i] http://es.wikipedia.org/wiki/Mika_Waltari

[ii] http://www.hoycinema.com/sinopsis/Sinuhe-egipcio-1954.htm

[iii] http://cleoppatra.com/2010/10/07/sinuhe-el-egipcio-1954/

[iv] http://www.egipto.com/cuentos/07.html

[v] http://elcinedetuvida.com/2009/03/sinuhe-el-egipcio/

[vi] http://cine9009.blogspot.com/2007/04/sinuh-el-egipcio-1954.html

[vii] http://www.decine21.com/Peliculas/Sinuhe-el-egipcio-4674

MOTIN A BORDO

MOTIN A BORDO

El motín de la Bounty en el cine

La historia de la Bounty ha tenido tres grandes adaptaciones cinematográficas. La primera de ellas llegó en 1935 de la mano de Metro Goldwyn Mayer en una suntuosa adaptación que dirigió Frank Lloyd y que contó con Charles Laughton en el papel de William Bligh y Clark Gable dando vida a Fletcher Christian. Como dato curioso, la actriz de ascendencia mejicana Movita interpretó a una de las nativas tahitianas. Se da el caso que Movita fue una de las esposas de Marlon Brando quien, a su vez, fue Fletcher Christian en la adaptación de 1962.

Mutiny on the Bounty fue la ganadora del Oscar a la mejor película de 1935 aunque es el único caso en la historia de los premios que un film consigue únicamente la estatuilla de mejor film. Las nominaciones de Frank Lloyd, Charles Laughton, Clark Gable, y Franchot Tone, entre otras, no obtuvieron recompensa.

Tal como era habitual en la época, la cinta se rodó en los estudios de la MGM y en exteriores de la costa de California. Las tomas rodadas en islas del Pacífico fueron filmadas por una segunda unidad por lo que el equipo principal nunca se desplazó a los escenarios reales.

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Esta versión está basada en la novela de Charles Nordhoff y James Norman Hall, que altera muchos de los hechos reales acaecidos. La versión de 1962, que tuvo el mismo título, se basó también en esta novela que recreaba los hechos de la Bounty.

Mutiny on the Bounty, traducida en castellano como Motín a bordo (Hispanoamérica) o Rebelión a bordo (España), es una película basada en la novela del mismo título de Charles Nordhoff y James Norman Hall. Ganó el Oscar a la mejor película del año y tuvo candidaturas a otros siete, incluyendo las de Laughton, Gable y Tone al mejor actor, así como las de mejor director, mejor montaje, mejor banda sonora y mejor guión.

Argumento

Basada en la trilogía de novelas por Charles Nordhoff y James Norman Hall sobre el motín a bordo de la "Bounty", la película relata el viaje del barco a Tahití para recoger retoños del árbol del pan con la finalidad de ser plantados en las colonias británicas de las Indias Occidentales y proveer de alimento barato a los esclavos. Pero durante el viaje la actitud tiránica del Capitán Bligh convierte el viaje en algo insoportable para la tripulación. El primer oficial Fletcher Christian no está de acuerdo con la estricta aplicación de la disciplina que hace el capitán, ya que considera que resulta nefasta para la moral de los marineros, cuya vida es de por sí bastante dura. El contraste entre la vida paradisíaca en Tahití y el regreso a la rutina de a bordo desemboca en un motín dirigido por Christian, que regresa a Tahití con la Bounty abandonando a Bligh y unos cuantos de sus fieles en una chalupa en alta mar. Bligh, al que hasta ahora conocíamos como pésimo gestor de recursos humanos, se revela como un magnífico navegante y un tipo corajudo capaz de llevar el pequeño bote hasta el lejano puerto de Timor. Bligh regresa a Tahití a bordo del "Pandora" para ajustar las cuentas con los amotinados, pero Christian avista el barco y prepara la "Bounty" para zarpar de Tahití... conseguirán escapar?Este hecho resulta fílmicamente muy dramático pero es históricamente inexacto: en la realidad histórica, Bligh navegaba en esos momentos a bordo del "Providence" en una segunda misión -esta vez coronada por el éxito- en pos del árbol del pan, siendo el "Pandora" capitaneado por el capitan Edward Edwards.

Comentarios

En su reposición en las pantallas españolas tras la guerra civil "Mutiny on the Bounty" se tituló "La tragedia de la Bounty", por considerar las autoridades de la dictadura franquista que la palabra rebelión no era aceptable. El título se ha mantenido tras el estreno de la versión de 1962, que en subsiguientes reposiciones, pases televisivos y ediciones en vídeo usurparía el título original en castellano con el que se estrenó el film de 1935.[i][Image

En esta ocasión, el estudio entregó las riendas de la dirección a Carol Reed quien, sin embargo, no convenció a los productores que le reemplazaron por Lewis Milestone una semana después del inicio del rodaje. El reparto estaba formado por Marlon Brando como Fletcher Christian, Trevor Howard en el papel de Bligh, Richard Harris como el marinero John Mills, y Hugh Griffith dando vida a Alexander Smith. Como dato importante, la actriz polinesia de veinte años Tarita dio vida a Maimiti. En el rodaje conoció a Marlon Brando con quien se casó tras divorciarse de la anteriormente mencionada Movita.

En esta ocasión el equipo principal sí se desplazó al Pacífico y rodó en Tahití gran parte de su metraje. Fue allí donde Brando descubrió la cultura y los escenarios polinesios que tanto le fascinaron durante el resto de su vida.

El film fue nominado en siete categorías (incluyendo mejor película) pero no obtuvo ninguno. Tal como he citado antes, esta versión también altera muchos de los acontecimientos reales en beneficio de una supuesta tensión dramática. El cambio quizá más conocido fue el de la muerte de Christian que en esta película acontece poco después de llegar a Pitcairn cuando él intenta detener el incendio de la Bounty.

Finalmente, en 1984 llegó The Bounty, la versión más próxima a los hechos reales y la que retrató de una forma más realista lo que debía ser la vida en un barco a finales del siglo XVIII. El gran productor Dino De Laurentiis fue el gran impulsor del proyecto que fue dirigido por el australiano Roger Donaldson.[Image]

A pesar de todo, The Bounty es sin lugar a dudas la mejor adaptación realizada sobre los hechos ocurridos entre 1787 y 1789. Hace gala de un realismo total en el diseño de los escenarios, en la creación de ambientes, y además su guión es el que menos se desvía de los hechos acontecidos.El resto del reparto también fue de gran nivel puesto que encontramos a dos jovenes actores, en el inicio de sus carreras, en papeles importantes: Daniel Day Lewis como John Fryer, y Liam Neeson dando vida al marinero Charles Churchill.

El film también cuenta con la presencia de Sir Laurence Olivier en uno de los últimos papeles de su espléndida carrera. Interpreta al Almirante Hood, quien se encarga de presidir el comité que debe evaluar la conducta de William Bligh cuando éste regresa a Londres tras su heroica travesía por el Pacífico.

En resumen, una película muy interesante que sin embargo no obtuvo el reconocimiento que merecía. Una gran producción que sigue siendo desconocida para una gran parte de público.La banda sonora de la película fue compuesta por el extraordinario Vangelis, que a mediados de los 80, se encontraba en su mejor momento creativo tras haber sido el autor de las partituras de Carros de Fuego y Blade Runner. He decidido acabar este artículo con el tema principal que compuso para The Bounty, una melodía que destila calidad por doquier. Un magnífico acompañamiento musical para introducirnos en la historia del primer y último viaje de la Bounty a unos paraisos lejanos e inexplorados.[ii]

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The Bounty es una película británico - estadounidense de 1984, del género drama histórico, dirigida por Roger Donaldson. Protagonizada por Mel Gibson, Anthony Hopkins, Liam Neeson, Daniel Day-Lewis, Bernard Hill, Laurence Olivier y Edward Fox en los papeles principales. El guión esta basado en la novela Captain Bligh and Mr. Christian (1972) de Richard Hough que trata de un episodio de la vida real del entonces Capitán de corbeta, William Bligh de la Marina Real Británica que fue objeto de un motín liderado por el Capitán de Marina mercante y Primer oficial, Fletcher Christian.

Argumento

En el siglo XVIII el HMAV Bounty tiene el encargo de viajar a Tahití para recojer plantas del árbol del pan, y transportarlas a las islas del Caribe, donde serán multiplicados para producir un alimento barato destinado a los esclavos. Debido a una fuerte tormenta, el barco llega tarde a Tahití y no puede recoger las plantas, por lo que debe esperar varios meses hasta poder hacerlo. Durante este tiempo los marineros, incluido el primer oficial, Fletcher Christian (Mel Gibson), se dedican a descansar y a la buena vida. Muchos de ellos se emparejan con mujeres nativas. Christian incluso establece una relación matrimonial con una de ellas. Cuando llega el momento de partir, el capitán Bligh (Anthony Hopkins) tiene grandes dificultades en establecer nuevamente la disciplina. Al cabo de unos días de navegación, en los que la tensión va en aumento, se produce un motín.

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ComentariosLas dos versiones anteriores realizadas sobre los hechos históricos acaecidos en la HMS Bounty fueron protagonizadas por Clark Gable y por Marlon Brando, respectivamente, en el papel del primer oficial Fletcher Christian. En estas dos películas, sin embargo, se presentaban las causas del motín como imputables al capitán por su despotismo. Esta nueva versión se ajusta mucho más a la realidad. La música de Vangelis es muy buena y contribuye a crear la ambientación que la película requiere. [iii] The Bounty TítuloMotín a bordo (España) Ficha técnica DirecciónRoger Donaldson ProducciónDino De Laurentiis; Bernard Williams GuiónRobert Bolt MúsicaVangelis FotografíaArthur Ibbetson MontajeTony Lawson RepartoMel Gibson, Anthony Hopkins, Laurence Olivier, Edward Fox

Liam Neeson, Daniel Day-Lewis Datos y cifras País(es)Reino Unido, Estados Unidos Año1984 GéneroAventuras, Drama histórico Duración132 minutos Compañías ProductoraDino De Laurentiis Company, Bounty Productions Ltd.

Personajes, elenco y doblaje ActorPersonajeDoblador (Hispano) Mel GibsonFletcher ChristianCarlos Becerril Anthony HopkinsTte. William BlighJorge Lapuente Liam NeesonCharles ChurchillSalvador Delgado Daniel Day-LewisTte. John FryerRafael Rivera Bernard HillWilliam ColeBardo Miranda Laurence OlivierAdmirante Hood

Edward FoxCapitán GreethamCarlos Águila Philip DavisEdward YoungJesse Conde Philip Martin BrownJohn AdamsJosé Gilberto Vilchis Simon ChandlerDavid NelsonEnrique Mederos Simon AdamsPeter HeywoodVíctor Ugarte Malcolm TerrisDr. John Huggan

Wi Kuki KaaRey TynahSergio Castillo Tevaite VernetteMauatuaMayra Arellano

MOTÍN A BORDO

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Este era un film que quería realizar David Lean a mediados de los 70. Se basaba en un ensayo histórico escrito por Richard Hough, que había convertido en guión el colaborador habitual de Lean, Robert Bolt. Pero problemas financieros impidieron que el proyecto saliera a flote y los derechos fueron finalmente adquiridos por De Laurentiis quien puso los recursos necesarios para que la película saliera adelante incluyendo el gran costo que suponía rodar la totalidad del film en escenarios naturales de Moorea (Polinesia Francesa) y Nueva Zelanda. Por otra parte, las escenas en las que Bligh comparece ante el almirantazgo, se rodaron en el Palacio de Greenwich y en el Reform Club de Londres.

El reparto estuvo encabezado por Anthony Hopkins, que asumió el papel de Bligh, y un joven Mel Gibson que dio vida a Fletcher Christian. Entre ambos hubo buenas relaciones durante el rodaje pero lo único que enturbió el ambiente fueron las constantes borracheras y peleas que Gibson protagonizó, durante las noches, en diferentes bares y locales polinesios. En una ocasión, a Gibson le dieron un fuerte golpe en la cara que dejó una marca contundente en su rostro. En los días siguientes, Donaldson rodó escenas con él bajo un determinado ángulo de cámara que ocultaba los moratones. En esa época Gibson se caracterizaba por su díscola forma de vida y no superó sus problemas con el alcohol hasta 1987.

FICHA TÉCNICA

Título Original: The Bounty

Año: 1984

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Roger Donaldson

Intérpretes: Mel Gibson, Anthony Hopkins, Laurence Olivier, Edward Fox, Daniel Day-Lewis, Liam Neeson, Philip Davis, Bernard Hill

Guión: Robert Bolt

Música: Vangelis

Fotografía: John Graysmark

Productora: MGM / UA

Duración: 132 minutos

SINOPSIS

(La sinopsis es idéntica para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).

Las otras dos versiones son:Rebelión a bordo (1935) - (Mutiny on the Bounty)

Rebelión a bordo (1962) - (Mutiny on the Bounty)

En diciembre de 1787 el barco británico “Bounty” está anclado en el Puerto de Portsmouth, poco antes de su marcha a Tahití. Su misión una vez allí será embarcar brotes del árbol del pan para trasladarlos a Jamaica y trasplantarlos allí como alimento fácil de cultivar y económico que proporcionará comida a los esclavos que el Imperio Británico mantiene en sus colonias de las Indias Occidentales, en Jamaica concretamente. Pero es cosa sabida que ni el barco ni los frutos llegaron a su destino porque es algo histórico y porque, como el propio título de la película indica, hubo una rebelión a bordo, un motín de la tripulación. ¿Qué ocurrió en ese barco para que este hecho se produjera?ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES1) Tercera revisión del tema, tras las realizadas con idéntico título, “Rebelión a bordo” en 1935, a cargo de Charles Laughton y Clark Gable, y en 1962, protagonizada por Marlon Brando y Trevor Howard, entre un elenco de conocidas estrellas.

2) A diferencia de sus dos predecesoras cuyo guión se basaba en la misma novela, ésta realiza la adaptación para la pantalla de la novela “Capitán Bligh y Señor Christian”, de Richard Hough.COMENTARIO PROPIOLa película nos va a ser narrada con voz en off en muchas ocasiones, sobre todo por parte del Cap. Bligh (Anthony Hopkins) que inicia la película enfrentándose a un Consejo de Guerra por haber perdido su barco, la “Bounty” en un amotinamiento de su tripulación y es ahí donde nos va a relatar “la historia”. No obstante, a lo largo del metraje, se regresará de nuevo a este punto en dos o tres ocasiones, por lo que la narración de la película adelanta o atrasa su tiempo según estamos en el juicio o en el largo flash-back.Es ésta una versión diferente del mismo tema, tal vez porque el guión bebe de otra novela y, aunque en realidad se nos cuenta la misma historia que en sus dos predecesoras, lo cierto es que esta película es totalmente distinta a ellas, tanto en su forma como en su fondo. Cuajadita de grandes nombres del cine, lo cierto es que Laurence Olivier, Daniel Day-Lewis, Edward Fox, Liam Neeson apenas tienen papel, de hecho casi ni tienen diálogo y sus presencias son meramente testimoniales y un claro reclamo publicitario para dar más empaque a la producción. Pero al final la película se centra en los dos personajes principales de la historia, el Capitan Bligh (Anthony Hopkins) y el Teniente Fletcher Christian (Mel Gibson), el primero con cara de ido en la mayor parte de la película, que parece que acabe de levantarse de la cama y aún no se haya despejado, y el segundo luciendo palmito y bajadas de ojos, pues la película en realidad, más que en otra cosa, se centra en la parte romántica, a mayor gloria y lucimiento de un joven y atractivo Gibson.

A mí me parece que esta versión no aporta nada nuevo a lo visto en los dos trabajos anteriores. Su narración es mucho más lenta, su ritmo muchísimo más pausado, la historia “básica” del suceso está adulterada y descafeinada pues aquí Christian no se enfrenta por lo que cabe esperar, si no porque está enfadado con el Capitán que le ha regañado, incluso siendo buenos amigos. En realidad, la rebelión no sucede por lo que conocemos por las otras versiones, no, aquí es más bien una cuestión de faldas o, mejor dicho, de ausencia de ellas porque aquí el árbol del pan apenas pinta nada. Es más, ni siquiera la tripulación parece pintar nada. Pero eso sí, como es una película mucho más moderna, aquí lo que sí que pueden verse son tetas. Muchas.

Una pena la cantidad de buenos actores que desaprovecha esta película, dándole cancha justamente al peor de todos, Gibson. Por decir algo bueno de ella, que la fotografía es preciosa y que la música de Vangelis me parece preciosa, aunque quizá no sea la más apropiada para una película de aventuras en el siglo XVIII.

La vi en el cine, hace mucho tiempo y lo cierto es que no me apetecía volver a verla porque no me gustó. La razón de haberlo hecho es por el estudio comparativo de las tres versiones que he hecho, porque de otro modo, en lo que a mí respecta, esta película nunca hubiera estado en los clásicos, ni siquiera en los modernos. Y si os leéis el apartado comparativo notaréis aún más que, siempre en mi humilde opinión, las dos versiones anteriores son dos grandes películas y ésta, además de insulsa y aburrida, es una patata.

PEQUEÑA COMPARATIVA

(Este apartado es idéntico para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).

Las películas comparadas son:

1ª.- Rebelión a bordo (1935), en adelante la 1ª.

2ª.- Rebelión a bordo (1962), en adelante la 2ª.

3ª.- Motín a bordo (1984), en adelante, la 3ª.

Básicamente, las 3 cuentan la misma historia, las dos primeras basadas en la misma novela, la trilogía “La Bounty”, de Charles Nordfort y James Norman Hall, y la 3ª basada en la novela “Capitán Bligh y Señor Christian”, de Richard Hough.

De duración similar, poco más de hora y media la 1ª y 3ª, la de mayor duración es la 2ª, que se va a las 3 horas. Sin embargo, a mí la que se me hace más larga de las 3 es la última, la más moderna, porque es la más lenta de desarrollo y, de lejos, la más aburrida. En la 1ª me parece que le hubiera venido bien unos minutillos más, pues el final es un tanto precipitado y se resuelve de un modo demasiado rápido y atropellado. En cambio a la 2ª, la de mayor duración, yo creo que le sobran unos minutos que la hubieran aligerado un poco y que se podrían haber conseguido fácilmente eliminando algunas escenas aquí y allá que no aportan gran cosa al grueso de la historia.

La ambientación y la fotografía son estupendas en las 3 películas, en blanco y negro la primera y a todo color en las otras dos. También la música está bastante bien en todas, siendo la más normalita la de la 1ª y la más extraña por no pegarle demasiado a la historia, la de la 3ª, aunque a mí me gusta bastante las melodías de Vangelis. Para mí la mejor es la de la 2ª, mucho más épica que la de su predecesora y con acompañamiento coral en su gran tema central, y también más acorde con lo que se narra, aunque ya digo que la de Vangelis también está muy bien.

El motivo del viaje es el mismo en las tres versiones. Hay que ir a Taihí a buscar árbol del pan y llevarlo a Jamaica, colonia británica, para plantarlo y conseguir comida barata para los esclavos. Pero tanto en la 1ª como en la 3ª apenas es una excusa argumental para emprender el viaje y casi no tiene mayor importancia luego en el desarrollo de la historia, mucho más en el segundo caso. En cambio en la 2ª no sólo es el motivo del viaje si no que se nos cuentan más cosas sobre este fruto, el botánico encargado de él y que viaja en el barco tiene mucho más papel y también tiene el arbolito mucha importancia en los acontecimientos que se desarrollan en el barco. Refleja mucho mejor que la 1ª y de una forma más coherente las situaciones por las que tiene que pasar la tripulación hasta llegar al motín, que en la 1ª son una serie de incidentes, mostrados uno tras otros sin mucho hilo narrativo. Y ambas, 1ª y 2ª, le dan 200.000 vueltas a la 3ª.

El barco es similar en las tres, bellísimo. El incidente del robo del queso también se menciona en las 3, aunque sucede en momentos distintos e influyen en la historia de diferentes modos. Las 3 expediciones llevan un médico a bordo, pero su papel no es especialmente importante excepto en la 1ª versión, donde se nos presenta como una persona alegre y simpática, borrachín que cuenta cómo perdió su pierna de un modo diferente cada vez, y cobrando su papel un momento de relevancia en el desarrollo del drama.

En fin, que al ser tres versiones de la misma historia, encontraremos muchas similitudes, algunas cosas son prácticamente iguales, otras con diferencias más o menos sutiles, pero no es cuestión de irlas enumerando una por una porque este apartado se haría excesivamente largo y tedioso.

Y es que lo que realmente diferencia a las 3 películas es la forma de narrar la historia y los detalles en que se hace más hincapié y, sobre todo, la definición de sus dos personajes principales, el capitán William Bligh y el Primer Oficial Fletcher Christian y en cómo se suceden los acontecimientos que provocan el motín en el barco.

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En la 1ª:El capitán es un ser duro, inflexible, rastrero, cruel y sádico. Se nos presenta así desde el primer momento y continúa igual el resto de la película. Es simplemente malvado porque sí, sin mayor motivo que el desprecio que le provoca su tripulación a quién considera inferiores. Charles Laughton hace un gran papel, la verdad, con sus cejas postizas y su gesto permanente enfurruñado, aunque a veces resulta un poco histriónico y de puro hacer de “qué malo soy”, a veces parece un malo de opereta.

El Sr. Christian es severo sin ser cruel, escucha a sus interlocutores y puede mostrarse compasivo y generoso cuando la ocasión lo requiere. Su puesto es intermedio entre el mando y la tripulación y sabe estar a bien con cualquiera de los dos bandos, que le respetan y obedecen. Pero no puede soportar la actitud del capitán. Obedece sus órdenes por pura disciplina y sentido del deber, pero cada vez le cuesta más no enfrentarse a él. Sobriamente interpretado por un Clark Gable con melenilla y sin bigote en un gran papel que él, sencillamente, borda.

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En la 2ª:Bligh es también un capitán duro e inflexible, aunque se nos muestra su carácter de una forma más paulatina, según van aconteciendo las cosas. También es cruel y sádico, pero de un modo mucho más sutil que en la 1ª y, en algunos momentos, se nos muestra los motivos que tiene para actuar como actúa, que pueden estar equivocados, pero al menos los tiene, no como Laughton que a veces ordenaba las cosas porque sí. Trevor Howard realiza un trabajo de lujo, regalándonos una soberbia actuación.

Sin embargo el Sr. Christian interpretado por Marlon Brando es el menos convincente de estas dos versiones, aunque si lo comparamos con el de la 3ª podría decirse que está magistral. Si es que todo en esta vida es relativo. Brando parece que trabaja en la película obligado y que no siente ni el más mínimo interés por lo que allí suceda. Realiza su trabajo de una forma sosa, afectada al máximo, con total pasotismo que a mí a veces me exasperaba un poco. Da la impresión de que se confundió de papel, pues el Sr. Christian no es “El zorro”, caballero amanerado de cara a la galería y héroe enmascarado en su alter ego, pero él lo interpreta como si lo fuera, sólo que sin antifaz. Excepto en 2 ó 3 escenas en las que parece que el actor sale de su amodorramiento y baja a la Tierra, no me gustó nada Brando en esta película.[Image]

En la 3ª:

El capitán Bligh de Anthony Hopkins es estricto con las normas y el reglamento, y duro con sus subordinados, aunque en una escala muchísimo más leve que en las otras dos versiones. Aquí se nos presenta más humano, incluso nos dejan ver a su familia, su mujer y dos niñas, y durante la travesía las recuerda constantemente en su diario de a bordo o escribiéndoles cartas. Es amigo desde hace años del 1º Oficial, por lo tanto su relación es mucho más directa e intensa que en las dos primeras entregas. Pero, en realidad, la tripulación no parece estar excesivamente a disgusto con él porque tampoco es que se meta tanto con ellos, por lo que el motivo por el que se rebelan queda un tanto... descafeinado. Hopkins parece estar medio “ido” en la mayor parte del metraje, con cara de estar intentando acordarse de su diálogo. A mí me parece uno de los peores papeles de su carrera.

El Sr. Christian de Mel Gibson es, sin duda, el más guaperas de los tres y he de decir que como actor es el peor de los tres también, pero con diferencia. La película está montada totalmente alrededor de él, a su mayor gloria y para que luzca palmito y bajadas de pestañas. Se centra tanto en la parte romántica y sus escarceos amorosos, que parece que estamos viendo otra película. Incluso parece que el motín se fragua por una pataleta que le da a él porque su amigo del alma le ha regañado y no le deja quedarse en la isla para seguir disfrutando de la vidorra.

En fin, no me extiendo más. Si sólo vas a ver una de las versiones, mi consejo es que elijas la de 1962 porque, para mí, es la mejor. De hecho, si pudiéramos acortar un poco su metraje y cambiar a Brando por Gable, la película sería sencillamente perfecta.

Si vas a ver dos de las versiones, te aconsejo que sean las dos primeras y en su orden cronológico, que sería lo suyo. Y de la 3ª podrías pasar sin el menor problema.

Verse las tres versiones, además de un esfuerzo (os lo digo por experiencia) es una tarea reservada a gente que quería hacer un estudio comparativo, como yo, o a locos cinéfilos de insaciable curiosidad. Bueno... y a gente como Edu, que se ve todo lo que pilla.

A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.[iv]

Citas:

[i].- http://es.wikipedia.org/wiki/Mutiny_on_the_Bounty_(pel%C3%ADcula_de_1935)

[ii].-  http://es.paperblog.com/el-motin-de-la-bounty-en-el-cine-90563/

[iii].- http://es.wikipedia.org/wiki/The_Bounty

[iv].- http://www.elseptimoarte.net/foro/index.php/topic,14513.0.html