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miércoles, 8 de junio de 2016

ROMA





 
 
Roma (también conocida en español como Roma de Fellini) es una película de 1972 dirigida por Federico Fellini.
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Fue presentada fuera de concurso en la 25ª edición del Festivalde Cine de Cannes, celebrada ese mismo año.



 FICHA TÉCNICA

Dirección: Federico Fellini




Sonido: Renato Cadueri



Escenografía. Danilo Donati

Vestuario: Danilo Donati

Efectos especiales: Adriano Pischiutta

Protagonistas: Peter Gonzales, Fiona Florence, Britta Barnes, Pia De Doses, Marne Maitland, Renato Giovannoli, Elisa Mainardi, Paule Raout, Galliano Sbarra, Paola Natale, Marcelle Ginette Bron, Mario Del Vago, Alfredo Adami, Stefano Mayore, Dante Cleri (sin acreditar), Angela De Leo (sin acreditar), Federico Fellini (s. a.), Libero Frissi (s. a.), Norma Giacchero (s. a.), Gudrun Mardou Khiess (s. a.), John Francis Lane (s. a.) Anna Magnani (s. a.),Marcello Mastroianni (s. a.), Mimmo Poli (s. a.), Giovanni Serboli (s. a.), Alberto Sordi (s. a.), Gore Vidal (s. a.), Alvaro Vitali (s. a.), Renato Zero (s. a.), Francesco Di Giacomo (s. a.)

Pais: Italia

Año: 1972

Género: Comedia

Duración: 128 minutos

Argumento

La película es un retrato rápido y visionario de Roma hecho mediante los recuerdos de un joven de provincias que llega a la estación de Termini, poco antes de la Segunda Guerra Mundial. Roma se nos muestra como realidad multiforme, interminable y contradictoria a través de una serie de escenas y personajes heterogéneos: desde un desfile de moda eclesiástica a la recreación de los prostíbulos, desde los enfrentamientos con la policía hasta el atasco en el Grande Raccordo Anulare, con un estilo que pasa del lirismo a la sátira, de la nostalgia a lo truculento sin solución de continuidad.

Entre las diversas escenas no existe nexo narrativo alguno, sólo la memoria y la voluntad de recuerdo del director — se pasa de un tema a otro sin transición.

La banda sonora de la película, compuesta por Nino Rota y dirigida por Carlo Savina, fue originariamente comercializada sólo en los estados Unidos; el disco fue un 33 rpm United Artists UA-LA052-F, en que el nombre de Savina aparecía cambiado por error por el de «Savino», y con el subtítulo de «The Fall of Roman Empire 1931–1972».

Versiones

La película se estrenó en el cine Barberini de Roma el 18 de marzo de 1972, con una duración de alrededor de 130 minutos.

En mayo, fue presentada internacionalmente en el Festival de Cine de Cannes, fuera de concurso, el 15 de dicho mes de 1972. Para la presentación en el mercado extranjero Fellini, de acuerdo con el productor de la película y Bernardino Zapponi, decidió reducir la película a cerca de 115 minutos. Los cortes, efectuados de manera independiente y sin intervención por parte de la censura cinematográfica, que ya había dado luz verde a la película, con la prohibición para los menores de 14 años, sólo afectaron a algunas secciones de la película, mientras que otras quedaron intactas.

Las secciones de la película modificadas fueron las siguientes:

  • La llegada a Roma: falta completamente una secuencia cómica en el interior del tranvía, tomada de una tira cómica publicada en la revista satírica para jóvenes Marc'Aurelio (escena 5);

  • La llegada a la casa de los Palletta ha sido abreviada, careciendo del final originario con algunos diálogos entre la sirvienta y el joven Fellini, en la habitación de este último mientras deshace el equipaje (escena 6) y la imagen cenital de un cine de verano visto por el protagonista (escena 7, suprimida completamente);

  • Villa Borghese: el diálogo entre los jóvenes universitarios y Fellini ha sido reducido y vuelto a montar de nuevo de un modo diferente;

  • Teatrito de la Barafonda: falta completamente el número del cómico que precede a la actuación de Alvaro Vitali (imitación de Fred Astaire);

  • Los burdeles: aligeramiento de pequeñas partes relativas al burdel «económico» (escenas 4 y 6);

  • El desfile de moda eclesiástica: tres cortes, en el modelo nº 4 «Hermana misionera» y en otros dos momentos en los que aparecen, en uno, una mano y una máscara de metal, y en el otro, un modelo para un obispo. Falta también un diálogo entre los que asistentes al desfile. Los cortes resultan más bien evidentes dado que, en las imágenes conservadas, puede verse cómo se aleja en la distancia el modelo nº 4, y por los saltos bruscos en la banda sonora;

  • Fiesta de Noantri: han sido eliminados por completo las intervenciones deMarcello Mastoianni y Alberto Sordi;

  • Motoristas: faltan algunos de los monumentos filmados.

La versión completa de la película, curiosamente, no se ha convertido en la «oficial» porque en todos los soportes para la venta, en DVD y VHS, se grabó la versión corta para el mercado exterior; se trata también de la misma versión que se suele pasar por televisión. La única vez que se comercializó la versión larga fue en 1989, en un VHS de DeltaVideo, agotado desde hace años.


Galardones


  • Edición de 1972 del Festival de Cannes: Gran Premio de la Técnica cinematográfica
  • Premio della critica SFCC (Le Syndicat Français de la Critique de Cinéma) a la mejor película extranjera.
https://es.wikipedia.org/wiki/Roma_(pel%C3%ADcula_de_1972)

miércoles, 23 de marzo de 2016

MALLRATS


Mallrats

 


 
 
Ficha técnica[1]
 
N/A
N/A
N/A
Paul Dixon,
 
 
Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos
1995
Comedia
Duración
94 min
Idioma(s)
Compañías
Productora

Al igual que el resto de sus películas, esta también transcurre en Nueva Jersey, con sus héroes trágicamente cómicos, y las apariciones de Jay y Silent Bob. La alusión al mundo del cómic, el hockey sobre hielo y el mundo sórdido de la gente joven de red banks continúan y se refuerzan.

Argumento

La historia empieza cuando T.S. (Jeremy London) y su mejor amigo Brodie  se ven rechazados por sus respectivas novias.

Brodie, un apasionado de  los cómics y con una fijación por la sexualidad de los personajes de dicha forma de literatura, decide que la mejor forma de vivir la nueva soltería, tanto propia como la de su amigo T.S. Quint, es la de pasar el día dando vueltas en el centro comercial local.

Aunque T.S. sin ser tan impulsivo y necio como Brodie intenta buscar una forma de volver con Brandi Svenning (Claire Forlani), quien lo deja alegando que a él nunca le importa su relación con ella y que su padre la necesita para su programa de citas (que va a ser visto por productores de una gran empresa y pueden sacarlo de New Jersey) y el padre de Brandi no quiere que T.S. salga con su hija.

 

 

 

Brodie sufre por algo similar, su novia Rene Mosier (Shannen Doherty) se queja por el trato que este le da, y lo deja por Shannon Hamilton (Ben Affleck) el frívolo dependiente de la tienda de caballeros del centro comercial, con una mala fama por tener sexo con las mujeres que seduce en lugares poco cómodos ("como el asiento trasero de un Volkswagen").

Las aventuras de los personajes son matizadas con las apariciones de otros freaks, como Jay y Bob el Silencioso (Jason Mewes y el mismo Smith), que intentan sabotear el programa de Svenning, o un gordo (interpretado por Ethan Suplee) que no puede ver un dibujo tridimensional, pasando por una psíquica con tres pezones, una quinceañera superdotada que hace una investigación sobre el sexo con su propio cuerpo y el guionista y creador de los personajes de Marvel en sus primeros tiempos, Stan Lee (interpretado por sí mismo).

Kevin Smith's follow-up to his unexpected hit Clerks details the pointless story of T.S. (Jeremy London) and Brodie (Jason Lee), two suburban New Jersey slackers who decide to head to the mall in search of solace after being dumped by their girlfriends (Shannon Doherty and Claire Forlani, respectively). There the two young men machinate to appear on a game show being staged and also manage to meet comic-book magnate Stan Lee. However, complications arise when the girls show up. ~ Jeremy Beday[2]

 


Sinopsis

Dos amigos, Brodie y T.S., pasan el día juntos en el centro comercial, después de que sus respectivas novias les hayan dejado. Sin ningún propósito fijo, los dos dejan pasar el tiempo mientras divagan e intentan recuperar a sus parejas, Rene y Brandi, respectivamente. Brandi se resiste a volver con T.S. porque no considera que la trate como es debido. Además su padre rechaza su relación. Rene está más interesada en Shannon, un dependiente del centro comercial, que en reconciliarse con T.S., al que considera un inmaduro. Despechados, los jóvenes intentan boicotear un programa de televisión que se emitirá desde el mismo centro y del que depende la carrera del padre de Brandi. Se trata de un espacio de entretenimiento dedicado a unir parejas por medio de preguntas sobre la compatibilidad de sus caracteres, en el que acabarán participando los protagonistas. [3]

Kevin Smith saltó a la palestra del cine independiente americano con su exitosa opera prima 'Clerks'. 'Mallrats', su segundo filme, contó con un presupuesto algo más holgado pero los propósitos del director giraron alrededor de lo mismo: aquí los protagonistas son dos amigos que rompen con sus novias al principio del filme y se pasan toda la película en un centro comercial ideando un plan para reconquistarlas.

Igual que 'Clerks' este filme sabe sacar partido de sus diálogos ingeniosos, sus referencias a la cultura pop, sus bromas gamberras y su estilo dejado. Sin embargo, mientras en la primera todo esto aportaba un aire fresco y vital, aquí parece más gastado y mecánico.

A favor: El cameo de Stan Lee.

En contra: Su imposibilidad para conseguir buenos momentos que no estén basados en el diálogo.




[1] https://es.wikipedia.org/wiki/Mallrats
[2] http://www.rottentomatoes.com/m/mallrats/
[3] http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-41746/

martes, 23 de diciembre de 2014

ZONA SUR





Zona Sur es una película de 2009 dirigida por el cineasta boliviano Juan Carlos Valdivia. Este films fue filmado en la zona sur de la ciudad de La Paz en Bolivia, lo cual muestra la realidad sobre la clase alta de la sociedad, trata de una madre de familia divorciada y que tiene tres hijos a quienes los cria sola. Si bien tiene también a sus empleados de raíces aimaras, ambos humildes de quienes conoce y aprende también de sus realidades que todos pasan por la misma situación como todo ser humano. Al finalizar la película, esta madre logra darse tiempo para estar más junto o unida y para dedicarse a sus hijos que estaban yendo por un camino equivocado como entablar una comunicación, así también con sus empleados ya que ella misma los considera como parte de su familia que trabajaron en su casa por años.




Reconocimientos

Zona Sur participó en varios festivales internacionales como el de Huelva en España, el del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, el Festival Internacional de Cine de Tokyo y el Festival de Cine de Sundance de 2010,2 obteniendo en en éste último los premios a mejor dirección y mejor guion en la categoría internacional3

jueves, 13 de noviembre de 2014

CALICHE SANGRIENTO


Caliche Sangriento debe de ser una de las películas chilenas mas difíciles de conseguir y de ver, pero a la vez, de las mas mencionadas, convirtiéndola prácticamente en una película de culto. Filmada por Helvio Soto en 1969 y protagonizada por Hector Duvauchelle, Jaime Vadell, Jorge Yañez y Jorge Guerra (si, el mismo de Pin Pon)  es una de las lecturas más críticas que han existido en la cinematografía chilena sobre la Guerra del Pacífico (1879-1883). En un país como Chile, donde las fuerzas armadas tienen un alto respaldo popular e institucionalmente incuestionables, pese a la dictadura de Pinochet, el hecho de que exista una película como Caliche Sangriento"que cuestiona el patriotismo y que un director como Helvio Soto planteara como eje trascendental del argumento del filme,  el hecho de que los militares eran solamente un mero instrumento del capital, era y es un cuestionamiento muy fuerte que hizo que en su momento la película fuera censurada, primero en democracia (Frei y Allende) y después, prácticamente borrada de los anaqueles cinematográficos durante los largos años de la dictadura de Pinochet.



Tras la vuelta a la democracia en 1990, sólo una vez fue presentada por televisión abierta, en TVN, sin contar las pocas veces que se presentó en universidades y centros culturales, aún hoy  Caliche Sangriento posee un áurea de misterio que la sigue rodeando. Cinematográficamente, no es mala, aunque por instantes el cruce del desierto se hace agobiante al espectador. Pero hay que prestar atención a los diálogos entre Hector Duvauchelle (el capitán) y Jaime Vadell (el teniente) sobre los motivos de la Guerra, imperdibles, sobretodo en el minuto 38.








Sinopsis
Película que retrata las duras condiciones en que los soldados vivieron la Guerra del Pacífico. Narra el ficticio recorrido del 5º de línea, un grupo que se pierde en el trayecto de Ilo a Moquegua en pleno desierto. Filmada en el desierto de Antofagasta con la ayuda de los militares locales, posteriormente sería censurada por “herir la dignidad nacional”, debido a los cuestionamientos de los soldados durante el conflicto. La película, un abierto manifiesto pacifista, enrostraba las causas comerciales de la Guerra del Pacífico, mostrando a un grupo de soldados chilenos perdidos en el desierto, muertos de hambre, sed, calor e incertidumbre.


jueves, 6 de noviembre de 2014

CENTRAL DO BRASIL



Central do Brasil



Ficha técnica
Título Central do Brasil
Dirección Walter Salle




Guión
Joáo Emanuel Carneiro, Marcos Bernstein
Música
Antonio Pinto, Jaques Morelenbaum
Fotografía
Walter Carvalho
Protagonistas
Fernanda Montenegro (Dora), Marília Pêra (Irene), Vinicius de Oliveira (Josué), Soia Lira (Ana), Othon Bastos (Cesar)
País(es)
Brasil, Francia
Año
1998
Género
Drama
Duración
115 min.
Idioma(s)
Portugués, Alemán
Estación Central es una película franco-brasileña de 1998 que muestra el viaje de Dora y Josué por el país buscando al padre de este tras perder a su madre. El guión es de Marcos Bernstein y João Emanuel Carneiro, basados en una historia del director Walter Salles. Los protagonistas son Fernanda Montenegro (Dora) y Vinicius de Oliveira (Josué). Por el papel de Dora, Montenegro fue nominada a un Óscar.

 

Sinopsis
La historia se inicia con Dora, una profesora retirada que se gana la vida escribiendo cartas en la Estación Central de Río de Janeiro. Es una mujer fría y solitaria, que no siente culpa al desechar las cartas por cuyo envío sus clientes pagaron. Un día, a Dora llega una madre con un niño y redacta una carta al padre de éste, pero sorpresivamente la madre muere atropellada por un bus al salir de la estación, y el niño queda solo allí. Eventualmente, Dora se lo lleva con una amiga, y allí planea dejarlo en una supuesta casa de acogida donde le ofrecen dinero por Josué, dinero con el cual compra un televisor. Al ver el aparato, la amiga logra hacerla confesar y le hace entender que el futuro de Josué probablemente sea el de tráfico de órganos, por lo que Dora, arrepentida, rescata al niño. Sin muchas opciones, decide acompañarlo para buscar a su padre y es durante este viaje en que se percatan de lo valiosa que es la presencia del otro y los dos recuperan humanidad perdida, uno por su repentina orfandad y la otra por su difícil vida. Dora, al creer que encontrarán al padre de Josué, le insiste en el hecho de que debe olvidarla, pues así ella lo hizo con su propio padre, pero el escenario cambia cuando terminan en el último paradero conocido del hombre y éste no está. Ante esto, Dora le ofrece a Josué que se vaya con ella para que sean una familia, cosa que ella anhela profundamente. Sin embargo, se encuentran con los medio hermanos de Josué, quienes, sin saber que el niño era su hermano, le ofrecen hospedaje a él y a Dora, quien se presentó como amiga de su padre. Ahí se enteran por medio de una carta de los planes del hombre de vivir junto a todos sus hijos, y Dora decide dejar a Josué junto a sus hermanos, yéndose al amanecer y despidiéndose con una carta en que le explica que ellos le darán la familia que merece y pidiéndole que no la olvide.



PREMIOS

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLIN
Festival Internacional de Cine de Berlín Año 1998
  • Ganador Mejor Película
  • Oso de Plata a la mejor actriz (Fernanda Montenegro)
Globos de Oro Año 1999
  • Ganador Mejor Película de habla no inglesa
Festival de Cine Sundance
  • Ganador Mejor Guión
Festival de Cine de San Sebastián
  • Ganador Premio del Público
  • Premio de la Juventud


jueves, 23 de octubre de 2014

EL BOLERO DE RAQUEL



El bolero de Raquel

 

El bolero de Raquel es una película mexicana filmada en 1956, y es la primera en colores en que participa Cantinflas. Dirigida por Miguel Delgado.

Año  1956
País México
Director Miguel Delgado
Reparto Mario Moreno "Cantinflas", Manola Saavedra, Flor Silvestre, Paquito Fernández, Mario Sevilla, Alberto Catalá
Género Comedia

Sinopsis

Tras la muerte de su mejor amigo, Cantinflas tiene que hacerse cargo de Chavita (Paquito fernández), el hijo del difunto. Deseoso de progresar y tener dinero para mantener al niño, se pondrá a buscar trabajo como un loco, probando diversos empleos (albañil, socorrista en la playa de Acapulco, limpiabotas...). Se propone, sobre todo, satisfacer el mayor deseo de Chavita: tener una pelota, como los demás niños. Pero el destino le tiene reservada más de una sorpresa. (FILMAFFINITY) [i]

 

ARGUMENTO:
El limpiabotas (o como se les llama en México: Bolero) interpretado por Cantinflas debe hacerse cargo de "Chavita" (su ahijado), cuyo padre murió en un accidente. Ansioso de progresar y tener dinero para mejorar la vida de ambos, Cantinflas toma la decisión de ir a la escuela con Chavita, para poder instruirse. Allí se enamorará de una atractiva profesora: Raquel.
Cantinflas aparece bailando en el escenario con una bailarina vestida de rojo llamada Elaine Bruce. La obra musical es el Bolero de Maurice Ravel, de ahí proviene el juego de palabras para el título de la película.
En busca de mejor suerte el bolero y Chavita viajan al puerto de Acapulco, donde luego de varios incidentes, Cantinflas es contratado como salvavidas de un Hotel, pero es despedido desde el primer día.
Ambos regresan a la Ciudad de México; Cantinflas decide cumplir el deseo de su ahijado y le compra una pelota, pero justo al regresar a su casa se encuentra con que la madre de Chavita regresó por su hijo para llevárselo con su nuevo esposo a Guadalajara, además de que le ha traído de regalo una pelota. Cantinflas se entristece y acepta la partida de Chavita. Continúa con su trabajo de bolero y se encuentra en un parque con la profesora Raquel con quien se besa y juntos comienzan un romance.[ii]



El Bolero de Raquel es la película más importante de la filmografía de Cantinflas, es un film sumamente cómico y una joya para los fanáticos del comediante mexicano.
La película recibió una nominación al “Ariel de Plata” por mejor actuación infantil: Paquito Fernández. 
El origen del nombre Cantinflas, se pierde en la leyenda, es un nombre sin significado alguno, que fue inventado a fin de evitar que sus padres se enteraran que trabajaba en el negocio del espectáculo, al que consideraban una ocupación vergonzosa.
El joven Mario Moreno, intimidado por el pánico escénico, una vez olvidó su monólogo original. Comenzó a decir lo primero que le viene a la mente en una completa emancipación de palabras y frases y lo que sale es una brillante incoherencia. 
Los asistentes lo atacan con la sintaxis y él se da cuenta: el destino ha puesto en sus manos la característica distintiva, el estilo que es la manipulación del caos.
Semanas después, se inventa el nombre que marcará la invención. Alguien, molesto por las frases sin sentido grita: «Cuánto inflas» o «en la cantina inflas», la contracción se crea y se convierte en la prueba del bautismo que el personaje necesita. 
(Cinelofilo de Puerto [iii]


De las carpas en los barrios del cine mexicano. Cantinflas llego a ser una estrella del cine mexicano y a ser conocido internacionalmente. La danza del “peladito” mexicano en comunión con el alma del pueblo azteca. Nunca necesitó decir una grosería para hacer reír a las masas. Sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje, pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó cantinflada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras Cantinflas y cantinflada en su diccionario en 1992.

"Cantinflas simboliza el peladito que triunfa sobre los poderosos usando sus trucos" y presenta a Cantinflas como la imagen misma del México de la transición.[iv]


[i] http://www.filmaffinity.com/es/film666493.html
[ii] http://es.wikipedia.org/wiki/El_bolero_de_Raquel
[iii] http://www.moviesworld.com.py/pelicula/el-bolero-de-raquel
[iv] http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/666493.html